Desconhecidos estreia no Telecine: Suspense e tensão imersiva na selvagem floresta do Oregon

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O universo do suspense e do terror psicológico ganha um novo capítulo intenso e envolvente com a chegada do filme Desconhecidos (Strange Darling, 2023) ao catálogo do Telecine no streaming nesta sexta-feira, dia 8 de agosto. A produção também terá sua estreia na TV paga no sábado, 9, às 22h, pelo canal Telecine Premium, e será reapresentada no domingo, 10, às 20h, no Telecine Pipoca.

Dirigido e roteirizado por JT Mollner, o filme é um thriller que desafia o espectador a acompanhar uma caçada implacável através das densas florestas do Oregon, nos Estados Unidos, ao mesmo tempo em que explora as nuances psicológicas de uma mulher perseguida por um assassino em série cruel e calculista.

A trama: uma luta pela sobrevivência entre a selva e o medo

No centro da narrativa está uma mulher — interpretada de forma intensa pela atriz Willa Fitzgerald — que se encontra ferida, vulnerável e isolada no meio da vasta e hostil floresta do Oregon. Ela é caçada por um homem cujo único objetivo é capturá-la a qualquer custo, um predador frio, implacável e cruel.

O longa inicia mostrando um crime aparentemente isolado, mas conforme a trama avança, essa ocorrência se transforma em uma onda de assassinatos brutais, compondo o retrato dos últimos meses conhecidos de um assassino em série, que aterroriza a região.

À medida que a perseguição se intensifica, o público é conduzido por um jogo de gato e rato onde a sobrevivência é a única motivação da protagonista — que, apesar da dor e do desgaste físico, tenta a todo custo se manter um passo à frente de seu agressor. A cada cena, o suspense cresce, com a narrativa trazendo reviravoltas e uma tensão quase palpável que culmina num desfecho impactante.

O diretor e roteirista JT Mollner: um nome a acompanhar

JT Mollner é um cineasta que vem ganhando destaque na cena do cinema de suspense e terror por sua habilidade em construir atmosferas densas e histórias emocionalmente envolventes. Sua abordagem tem como marca a criação de universos sombrios, onde os personagens são colocados em situações extremas, explorando seus limites psicológicos.

Com Desconhecidos, Mollner consolida seu estilo, trazendo um roteiro que não se apoia apenas nos sustos fáceis, mas aposta numa narrativa tensa, imersiva e psicológica. A escolha de ambientar a caçada na natureza selvagem do Oregon acrescenta uma camada extra de isolamento e perigo, transformando a floresta num personagem adicional que amplia a sensação de vulnerabilidade da protagonista.

Willa Fitzgerald: uma protagonista que transmite força e fragilidade

A atriz Willa Fitzgerald, que vem se destacando em produções de suspense e terror na televisão e no cinema, entrega uma performance multifacetada em Desconhecidos. Sua personagem é ao mesmo tempo forte, determinada e humana — alguém que não desiste mesmo diante das adversidades extremas.

Willa tem em seu currículo trabalhos importantes em séries como Scream (2015-2016) e Dare Me (2019), onde desenvolveu papéis que exigem profundidade emocional e capacidade de carregar o peso da narrativa. No longa-metragem, sua atuação foi elogiada pela crítica por conseguir transmitir as nuances da luta pela sobrevivência de forma convincente e com intensidade crescente.

Como assistir Desconhecidos no Telecine

O filme está disponível a partir de 8 de agosto no streaming do Telecine, acessível por meio do Globoplay e das operadoras de TV por assinatura que oferecem o serviço. Para quem prefere a experiência da televisão, o longa será exibido no sábado, 9, às 22h, no canal Telecine Premium, e no domingo, 10, às 20h, no Telecine Pipoca.

Essa variedade de opções permite que o público escolha a forma mais confortável de assistir ao thriller, seja no conforto do sofá com a qualidade do Telecine Premium, seja em dispositivos móveis via streaming.

Por que Desconhecidos merece sua atenção?

Em um mercado saturado de filmes de suspense que muitas vezes se apoiam em fórmulas desgastadas, o filme se destaca por oferecer uma narrativa que equilibra o psicológico e o visceral, o instinto de sobrevivência e o medo primal.

A jornada da protagonista, em meio a um cenário natural hostil e um inimigo implacável, é um convite para o espectador refletir sobre os limites humanos, a força interior e a luta constante pela vida.

Além disso, o filme se insere em um contexto contemporâneo em que produções que exploram o thriller psicológico ganham mais espaço, especialmente aquelas que valorizam personagens complexos e histórias que fogem do maniqueísmo tradicional.

JT Mollner e a evolução do cinema de suspense contemporâneo

Para além do filme, a trajetória do diretor JT Mollner é um ponto importante para entender o potencial de Desconhecidos. Seu trabalho vem sendo notado por trazer frescor e originalidade ao cinema de suspense, investindo em roteiros que privilegiam a imersão emocional do público e personagens tridimensionais. Mollner representa uma nova geração de cineastas que valorizam a construção de atmosferas e o desenvolvimento psicológico, afastando-se dos artifícios excessivos e da violência gratuita que por vezes marcam o gênero.

Saiba qual filme vai passar no Cine Aventura 19/04, sábado

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Neste sábado, 19 de abril, a Record TV convida o público a redescobrir dois dos personagens mais amados da literatura infantil — mas sob um olhar totalmente novo. A emissora exibe no Cine Aventura o filme “Alice e Peter: Onde Nascem os Sonhos”, uma fantasia com profundidade emocional que promete surpreender quem espera apenas mais uma adaptação de contos de fadas.

A proposta da produção é ousada: e se Peter Pan e Alice no País das Maravilhas tivessem crescido na mesma casa, como irmãos? E mais: e se a origem dos mundos mágicos que conhecemos viesse de um lugar real — doloroso, mas cheio de ternura?


Quando a dor vira imaginação: o nascimento de dois mundos

Escrito por Marissa Kate Goodhill e dirigido por Brenda Chapman, de Valente, o longa é uma espécie de prólogo não-oficial dos clássicos de Lewis Carroll e J.M. Barrie. Mas ao invés de se apoiar na nostalgia pura, o filme parte da pergunta que raramente é feita em histórias de fantasia: de onde vem a necessidade de fugir para mundos imaginários?

Na trama, Alice (Keira Chansa) e Peter (Jordan Nash) são crianças cheias de vida que vivem em uma casa bucólica com os pais — Rose, interpretada com delicadeza por Angelina Jolie, e Jack, vivido por David Oyelowo. A rotina feliz é interrompida por uma tragédia que transforma a estrutura da família. Para suportar o luto, os irmãos começam a construir mundos próprios — ela sonha com coelhos apressados e portas mágicas, ele vislumbra espadas, piratas e florestas voadoras.

Mais do que fantasia, o filme entrega uma metáfora sobre a infância como refúgio emocional, onde a dor encontra escape na criatividade.


Um conto de fadas com camadas reais

O filme acerta ao não subestimar seu público. Mesmo com elementos mágicos, é uma história madura, que aborda temas como perda, amadurecimento e resiliência sem perder a ternura. As atuações ajudam muito nesse equilíbrio: Jolie brilha em um papel sensível e contido, mostrando uma mãe tentando lidar com sua própria dor enquanto ainda precisa ser apoio para os filhos. Já Oyelowo entrega humanidade ao pai que caminha entre o desespero e o dever.

A estética do longa também é um espetáculo à parte. A fotografia, com tons suaves e luz natural, contrasta com os cenários oníricos que surgem nas fantasias das crianças, criando uma ponte visual entre o real e o imaginário. É um prato cheio para quem gosta de histórias que mexem com o olhar e o coração.


Para quem é o filme?

“Alice e Peter” é para quem ama fantasia, sim — mas, sobretudo, para quem valoriza histórias com alma, que falam sobre família, superação e o poder transformador da imaginação. Se você cresceu ouvindo que crescer significa deixar de sonhar, talvez este filme venha para te lembrar que os sonhos, na verdade, são ferramentas para seguir em frente.

E claro, é uma boa oportunidade para ver uma Angelina Jolie diferente da Malévola poderosa: aqui, ela está vulnerável, humana, maternal — e tocante.


Dica para o sábado — e para depois

O filme será exibido na faixa Cine Aventura, neste sábado, às 15h00 (horário de Brasília), na Record TV. Mas se você perder, tudo bem: “Alice e Peter” também está disponível no catálogo da Netflix, do Telecine e pode ser alugado no Prime Video. Então vale tanto para uma sessão com a família quanto para um momento mais introspectivo no fim do dia.


📌 FICHA RÁPIDA
🎬 Alice e Peter: Onde Nascem os Sonhos (Come Away)
🗓 Exibição: Sábado, 19 de abril de 2025
🕒 Horário: 15h00
📺 Canal: Record TV – Cine Aventura
🎭 Elenco: Angelina Jolie, David Oyelowo, Jordan Nash, Keira Chansa
🎞 Gênero: Fantasia dramática
📊 Classificação indicativa: 12 anos

Love of Silom | Confira os novos pôsteres do aguardado BL estrelado por Up Poompat e Poom Phuripan

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O amor floresce onde menos se espera — e é exatamente isso que Love of Silom, novo drama tailandês estrelado por Up Poompat Iam-samang e Poom Phuripan Sapsangsawat, quer mostrar. Situada em Silom, um dos bairros mais vibrantes e contraditórios de Bangkok, a série promete misturar romance, dor e autodescoberta em meio às luzes da cidade. Os novos pôsteres oficiais, divulgados recentemente, destacam a química intensa entre o casal principal e já deixaram os fãs ansiosos pelo que vem por aí. Abaixo, confira as imagens:

Dirigida por Pepsi Banchorn Vorasataree e escrita por Violet Rain, a trama acompanha Krit (Up Poompat), um universitário que carrega nas costas o peso das expectativas de todos ao seu redor. Enquanto tenta dar conta dos estudos e das pressões sociais, ele sente que está perdendo a própria identidade. Do outro lado, está Wayu (Poom Phuripan), um jovem policial que vive dividido entre o dever, a lealdade à família e o desejo de ser ele mesmo. O encontro entre esses dois mundos — o da obediência e o da liberdade — acende uma fagulha que vai mudar a vida de ambos. As informações são do My Drama List.

Love of Silom não se limita a contar uma história de amor; ele fala sobre o medo de decepcionar, o peso de ser diferente e a coragem de se permitir sentir. Ao longo dos episódios, Krit e Wayu se veem obrigados a confrontar não apenas o preconceito e a homofobia que os cercam, mas também os próprios demônios internos. O resultado é uma narrativa humana, delicada e real, que busca representar o amor LGBTQ+ com sinceridade e profundidade.

O elenco de apoio também chama atenção, reunindo rostos conhecidos do público tailandês. Jai Sira interpreta Fei, Chanakan Poonsiriwong vive Sky, e Kade Tanapon Hathaidachadusadee dá vida a Henry. Completam o time F4 Perawitch Chotimanon (Rico), Intouch Kooramasuwan (Kenji), Phollawat Manuprasert (Phithak), Rina Wacharin Anantapong (Pimjit), Gam Yanissa Diatorn (Rosa) e Talay Sanguandikul (Light). Cada personagem, à sua maneira, reflete um pedaço da realidade que permeia a vida na capital tailandesa — cheia de contrastes entre tradição e liberdade.

Ainda sem data de estreia confirmada, a trama já é um dos dramas BL mais aguardados de 2025 da WeTV.

Xolo Maridueña é confirmado como Portgas D. Ace na 3ª temporada da série One Piece da Netflix

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A tripulação dos Chapéus de Palha acaba de ganhar um novo e poderoso aliado — e os fãs não poderiam estar mais animados. A Netflix confirmou que Xolo Maridueña, conhecido por seus papéis em Besouro Azul e Cobra Kai, será o responsável por dar vida a Portgas D. Ace na 3ª temporada da série One Piece. A notícia foi recebida com euforia nas redes sociais, principalmente entre os apaixonados pelo personagem, um dos mais queridos de todo o universo criado por Eiichiro Oda.

O anúncio chegou acompanhado de um clima de celebração entre os fãs, que já aguardavam a entrada de Ace desde o final da primeira temporada. Com seu carisma e presença marcante, Maridueña parece ser uma escolha natural para interpretar o irmão de Luffy — um personagem intenso, cheio de bravura, e com um coração que arde, literalmente, como fogo.

Além de Xolo, a Netflix também confirmou Cole Escola como o excêntrico Bon Clay, e prometeu revelar mais nomes do elenco em breve. As gravações da nova temporada acontecem ainda este ano, mais uma vez na Cidade do Cabo, na África do Sul, local que já serviu de base para as duas primeiras fases da série.

Um novo horizonte para a adaptação de sucesso

O live-action de One Piece surpreendeu até os mais céticos ao conquistar crítica e público com uma primeira temporada fiel, divertida e repleta de emoção. A segunda parte da série, intitulada “Rumo à Grand Line”, chega à plataforma em 10 de março de 2026 e promete ampliar a escala da aventura — com novos mares, desafios maiores e personagens lendários surgindo pelo caminho.

A confirmação de Ace na próxima temporada mostra que a Netflix está pronta para mergulhar em uma das fases mais emocionantes da história original. O personagem é peça fundamental na mitologia do mangá e anime, sendo conhecido tanto por sua força quanto pela ligação afetiva com Luffy, que sempre o teve como inspiração e exemplo de coragem.

De karateka a pirata: a trajetória de Xolo Maridueña

Aos 23 anos, Xolo Maridueña já coleciona uma carreira impressionante para alguém tão jovem. Nascido em Los Angeles, o ator é filho de uma família com raízes mexicanas, cubanas e equatorianas — uma mistura que ele carrega com orgulho. Seu nome vem da divindade asteca Xólotl, símbolo de transformação e proteção, o que parece combinar perfeitamente com o caminho que ele vem trilhando em Hollywood.

Xolo começou cedo na televisão, aparecendo em produções como Parenthood, e conquistou o público mundial como Miguel Diaz, o protagonista de Cobra Kai. Seu talento e carisma chamaram a atenção de estúdios de cinema, e em 2023 ele deu um salto enorme ao protagonizar o filme Besouro Azul, interpretando o jovem herói Jaime Reyes, da DC Comics.

Mas o ator não se limita às telas. Ele também é streamer na Twitch, onde conversa com os fãs e joga sob o nome Xolo Crunch. Sempre bem-humorado, o ator demonstra uma autenticidade rara em Hollywood — algo que os fãs de One Piece já consideram o ingrediente perfeito para viver Ace.

Um papel feito sob medida

Para muitos, Xolo parece ter nascido para esse papel. Ace é um personagem que mistura intensidade e leveza, carisma e tragédia, e é justamente essa dualidade que torna o irmão de Luffy tão inesquecível. “Ele tem fogo no coração e propósito nos olhos”, comentou um fã nas redes sociais logo após o anúncio.

E de fato, há algo de simbólico nessa escolha. Assim como Ace, Xolo Maridueña representa uma nova geração de atores que não têm medo de explorar personagens profundos, de carregar emoção nas entrelinhas e de se conectar com o público de forma genuína.

O que vem por aí

Com a estreia da 2ª temporada marcada para 10 de março de 2026, a série segue firme como um dos projetos mais ambiciosos da Netflix. A produção, uma parceria entre a Shueisha, a Tomorrow Studios e a própria plataforma, promete expandir o universo criado por Eiichiro Oda com o mesmo cuidado e coração que fizeram da primeira temporada um fenômeno global.

Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba Castelo Infinito ganha novo pôster durante painel da franquia na San Diego Comic Con 

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Desde o primeiro episódio de Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba, o público foi cativado por uma história que une ação intensa, laços familiares e uma jornada de superação. O crescimento de Tanjiro Kamado, um jovem que se torna um exterminador de demônios após o massacre de sua família e a transformação de sua irmã Nezuko, serviu como fio condutor para um universo repleto de dor, esperança e batalhas épicas. Com a chegada de Castelo Infinito, a franquia se aproxima de sua conclusão, adaptando um dos arcos mais densos e aguardados do mangá de Koyoharu Gotouge. A promessa é clara: essa será uma experiência cinematográfica que deixará marcas profundas na audiência, tanto emocional quanto visualmente.

O que esperar do novo filme?

Demon Slayer: Castelo Infinito marca uma mudança de tom e escopo na saga. Ao contrário dos filmes anteriores — Mugen Train, To the Swordsmith Village e Hashira Training — que funcionavam como compilações ou transições de temporadas, este novo longa é uma adaptação inédita do arco final, com cenas originais, ritmo cinematográfico e desenvolvimento emocional aprofundado. A trama se passa imediatamente após os eventos do Treinamento dos Hashira, quando Muzan Kibutsuji, o vilão supremo da história, ataca a sede do Esquadrão de Exterminadores de Demônios e lança os heróis dentro do castelo que dá nome ao filme. O Infinity Castle é um espaço distorcido, labiríntico e aterrador, onde o confronto final se desenrolará. A ambientação sombria, aliada ao peso narrativo desse momento da história, cria um cenário de pura tensão, onde cada luta pode significar vida ou morte.

Emoção ao vivo: SDCC consagra a grandiosidade do filme

Durante o painel no Hall H da San Diego Comic-Con 2025, o público presente pôde sentir um pouco da intensidade que virá com Castelo Infinito. A presença do dublador Natsuki Hanae (voz de Tanjiro Kamado) trouxe à tona lembranças da construção emocional do personagem. Mas o ápice do evento foi a apresentação da cantora LiSA, que interpretou ao vivo duas canções da saga — incluindo a poderosa “Shine in the Cruel Night”, música-tema do novo filme. O público se emocionou, e a energia da performance contagiou até mesmo os membros da equipe técnica. O painel serviu como uma celebração da trajetória da franquia, relembrando os altos e baixos vividos por Tanjiro e seus companheiros, enquanto deixava claro que Castelo Infinito não será apenas uma continuação — mas um verdadeiro ápice emocional da saga.

Recapitulando os arcos: uma maratona gratuita antes do clímax

Para permitir que os fãs revisitem a jornada de Tanjiro e para atrair novos espectadores, a Crunchyroll liberou gratuitamente os principais arcos da série por períodos limitados. Essa estratégia de aquecimento oferece não apenas uma imersão narrativa, mas também um convite à emoção acumulada ao longo das temporadas. O Arco do Trem Infinito, que marcou a primeira grande perda da equipe com a morte de Rengoku, está disponível de 21 de julho a 03 de agosto. Em seguida, o Arco do Distrito do Entretenimento (04 a 17 de agosto) apresenta as lutas intensas ao lado de Tengen Uzui. O Arco da Vila dos Ferreiros (18 a 31 de agosto) aprofunda os conflitos pessoais dos Hashira Muichiro e Mitsuri. Já o Arco do Treinamento dos Hashira (01 a 14 de setembro) prepara o terreno psicológico e físico para o clímax. A ação da plataforma reforça o laço da comunidade com a história, permitindo que a ansiedade pela estreia se transforme em uma celebração coletiva da saga.

Um vilão que transcende o medo

Muzan Kibutsuji, antagonista central de Kimetsu no Yaiba, é mais que um vilão poderoso: ele representa a origem e o ápice da ameaça demoníaca. Com sua aparência serena e elegante, esconde uma crueldade ancestral, capaz de destruir tudo em seu caminho com frieza calculada. Em Castelo Infinito, Muzan deixa de agir nos bastidores e parte para o ataque direto, invadindo a Mansão Ubuyashiki e levando os exterminadores para o território mais perigoso da série. A transformação do vilão, de manipulador distante a ameaça palpável e presente, intensifica a tensão da narrativa. Os fãs que acompanharam sua trajetória desde os primeiros episódios agora verão o demônio em sua forma plena, desafiando os Hashira e revelando a magnitude de seu poder. A luta contra Muzan não será apenas física — será um teste moral e espiritual para Tanjiro e sua geração.

Giyu, Tanjiro e Akaza: a batalha que o mundo aguarda

Entre os embates mais aguardados desta nova fase, o confronto entre Giyu Tomioka e Akaza promete ser o mais emocionalmente devastador. Akaza é o demônio que assassinou Kyojuro Rengoku — o Hashira das Chamas que conquistou o coração dos fãs em Mugen Train. Agora, o reencontro com Giyu e Tanjiro representa mais do que vingança: é um acerto de contas com o passado e um passo decisivo na jornada dos protagonistas. Giyu, sempre reservado e metódico, revela em combate sua força interior, utilizando a 11ª Forma da Respiração da Água: Calmaria, técnica que o torna praticamente invisível para os demônios. O duelo será marcado por dor, respeito, e também compaixão — elementos que sempre diferenciaram Demon Slayer de outras obras de ação. Tanjiro, ao lado de Giyu, enfrentará o dilema entre a raiva e a empatia, consolidando seu amadurecimento como guerreiro e ser humano.

Uma superprodução pensada para o cinema

A Ufotable, estúdio responsável pela adaptação da obra, transformou Demon Slayer em sinônimo de qualidade visual e narrativa. Com técnicas de animação híbridas, que mesclam 2D tradicional com efeitos digitais, o estúdio entrega uma experiência sensorial que rivaliza com grandes produções de Hollywood. Em Castelo Infinito, a proposta é elevar ainda mais esse padrão. Com duração estimada de mais de duas horas, o longa terá sequências de ação ininterruptas, mudanças de cenário em tempo real — já que o castelo muda de forma constantemente — e coreografias de luta inspiradas em artes marciais reais. Além disso, a trilha sonora composta por Yuki Kajiura e Go Shiina promete envolver emocionalmente cada momento crucial. A narrativa será construída para funcionar como um filme autônomo, mas com a densidade dramática que os fãs do mangá esperam. Será, portanto, um espetáculo cinematográfico com alma, técnica e coração.

Lançamento e expectativas mundiais

No Japão, o filme estreia em 18 de julho de 2025, com distribuição pela Aniplex e Toho. No Brasil, a data oficial é 11 de setembro, com distribuição internacional feita pela Crunchyroll em parceria com a Sony Pictures Releasing. A expectativa de público é altíssima. A bilheteria de Mugen Train superou US$ 500 milhões globalmente, tornando-se o filme de anime mais lucrativo da história até hoje. Agora, com um arco narrativo mais carregado e emocionalmente decisivo, Castelo Infinito tem potencial para superar essas marcas. O fandom internacional, especialmente no Brasil, demonstra entusiasmo ininterrupto. Redes sociais, comunidades de fãs e influenciadores já estão promovendo contagens regressivas, teorias e reações ao pôster e trailer divulgados na Comic-Con. Tudo indica que o lançamento será um dos eventos culturais mais marcantes de 2025 para o público jovem-adulto.

Vozes que deram vida ao épico

O elenco de dubladores originais de Kimetsu no Yaiba retorna em peso para o novo longa, reforçando a continuidade emocional da história. Natsuki Hanae volta a interpretar Tanjiro com sua voz firme e compassiva, enquanto Akari Kitō dá vida à doçura e à força de Nezuko. Hiro Shimono, como Zenitsu, e Yoshitsugu Matsuoka, como Inosuke, equilibram com humor e bravura a intensidade dos combates. Giyu Tomioka, um dos focos deste filme, ganha ainda mais profundidade na voz de Takahiro Sakurai. Outros destaques incluem Saori Hayami como Shinobu Kocho, Kana Hanazawa como Mitsuri Kanroji e Kenichi Suzumura como Obanai Iguro. A trilha vocal da saga sempre foi um elemento essencial na criação de vínculos com os personagens. Esses intérpretes, com suas entonações, pausas e emoções, ajudam a tornar cada cena mais real e impactante.

“O Comando” é atração do Cine Aventura na Record TV deste sábado (19): Ação explosiva com drama psicológico e redenção!

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Neste sábado, 19 de julho, às 15h, a Record TV exibe no Cine Aventura o eletrizante “O Comando” (The Commando), um thriller que vai além das balas e perseguições para tocar em questões profundas como culpa, trauma psicológico e os limites da justiça. Dirigido por Asif Akbar e estrelado por Michael Jai White, o filme entrega não apenas ação de tirar o fôlego, mas também um retrato contundente da fragilidade humana por trás do uniforme.

Uma missão, um erro, um abismo

James Baker (Michael Jai White) é um agente de elite da DEA acostumado a enfrentar o perigo, mas tudo muda quando uma operação contra um cartel mexicano termina em tragédia. No tiroteio, Baker acidentalmente mata três reféns inocentes: uma mãe e suas duas filhas. O que era para ser mais uma missão bem-sucedida se transforma em um pesadelo que o agente não consegue esquecer. Diagnosticado com transtorno de estresse pós-traumático (TEPT), ele é afastado das operações e enviado para casa — mas os verdadeiros combates ainda estão por vir.

Uma família em perigo e um passado que retorna

Enquanto tenta reconstruir sua vida com a esposa Lisa (Aris Mejía) e as filhas adolescentes, Baker enfrenta alucinações, insônia e crises existenciais. A situação ganha um novo contorno quando suas filhas descobrem, escondido dentro da casa, US$ 3 milhões em dinheiro vivo. O dinheiro pertence ao criminoso Johnny (Mickey Rourke), antigo dono da residência e ex-parceiro de um xerife corrupto, que agora quer tudo de volta — e não se importa com quem esteja no caminho.

Quando o lar se torna campo de batalha

A tensão explode quando Baker percebe que o sistema, mais uma vez, não está ao seu lado. Um mandado de prisão sem assinatura e ameaças veladas escancaram que a justiça pode ser manipulada. Isolado, desacreditado e ainda lidando com os traumas da guerra, ele precisa tomar uma decisão difícil: recuar ou proteger sua família com tudo o que tem — mesmo que isso o leve a ultrapassar seus próprios limites.

Muito além do gênero

“O Comando” oferece o que os fãs de ação esperam — confrontos, adrenalina, emboscadas —, mas também reserva espaço para uma reflexão delicada sobre as marcas invisíveis que a violência deixa na alma. Michael Jai White interpreta Baker com intensidade emocional e vulnerabilidade raramente vistas em protagonistas do gênero, criando um personagem que é tão humano quanto heróico.

Antes mesmo da estreia da 2ª temporada, “Wandinha” é renovada para a 3ª — e prova que o gótico nunca sai de moda

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Diga o que quiser sobre tendências passageiras da cultura pop. Pode falar dos hits que explodem num dia e evaporam no outro, das séries que lotam as timelines e desaparecem na semana seguinte. Mas há algo em Wandinha que escapou disso tudo — como se ela, com seu olhar gelado e passos calculados, tivesse atravessado a bagunça ruidosa do streaming e nos lembrado de algo essencial: o estranho, quando é verdadeiro, toca fundo.

Essa é, talvez, a melhor explicação para o anúncio inesperado (ou não tanto assim) feito pela Netflix: Wandinha foi renovada para sua terceira temporada antes mesmo da estreia da segunda, marcada para os dias 6 de agosto e 3 de setembro de 2025, em duas partes.

E quer saber? Essa renovação precoce nem soa como aposta — soa como consequência. Porque o fenômeno Wandinha não é hype. É identidade.

Uma garota sombria e um espelho invertido da cultura pop

Lá em 2022, quando a primeira temporada estreou, poucos previam que uma adolescente gótica, que raramente sorri, se tornaria uma das figuras mais reconhecíveis e queridas do entretenimento mundial.

Mas bastaram algumas semanas — e um punhado de frases afiadas — para que a personagem, vivida por Jenna Ortega, invadisse nossas telas, nossos feeds, nossas playlists, nosso guarda-roupa.

Sim, estamos falando de uma série que acumula mais de 1 bilhão de horas assistidas em menos de um mês, que liderou por semanas os rankings globais da Netflix, que superou até Stranger Things e Bridgerton. Mas mais do que um sucesso numérico, Wandinha se tornou um símbolo cultural. Um desses momentos em que a arte encontra o espírito do tempo — e o traduz em preto e branco (com um toque de sangue).

A anti-heroína que todos queriam, mas ninguém esperava

Há algo de profundamente libertador em assistir alguém como Wandinha ocupar o centro da narrativa. Ela não está interessada em ser boazinha. Não quer se apaixonar. Não precisa da aprovação de ninguém. E ainda assim (ou por causa disso), ela se conecta com milhões.

É como se, ao recusarmos os sorrisos forçados, a empatia automática e os finais felizes enlatados, estivéssemos abrindo espaço para uma verdade mais crua, mais autêntica. Wandinha é essa verdade. Ela é o incômodo necessário. A contradição viva. O silêncio eloquente.

E nesse silêncio, muita gente se viu. Gente que sempre se sentiu “demais” — ou “de menos”. Gente que aprendeu a sobreviver nas margens. Gente que nunca foi convidada pro baile da escola, mas que dançou sozinha no quarto até tarde da noite.


O DNA sombrio da série: Burton, Elfman e uma estética que é personagem

Parte do fascínio de Wandinha vem da sua atmosfera — que não é só visual, é sensorial. Quando os créditos sobem, a gente sente que respirou o mesmo ar gelado da Escola Nunca Mais. Que caminhou pelas florestas da Romênia. Que ouviu os estalos dos corredores antigos e o ranger de portões enferrujados.

O toque de Tim Burton, que dirigiu os quatro primeiros episódios e assinou a produção, é mais do que reconhecível — é visceral. A estética gótica, os enquadramentos excêntricos, o humor desconcertante… tudo remete àquele universo burtoniano que brinca com o macabro como quem serve chá.

A trilha sonora, claro, fica por conta de Danny Elfman. E ela não só embala, como assombra. A música de Wandinha é quase um feitiço — daquelas melodias que você ouve e já sente a temperatura cair uns três graus.

Enid, Thornhill, Tio Chico: por que o elenco também é uma dança de opostos

Se Wandinha é o núcleo, o elenco ao redor dela é a órbita. E cada personagem contribui com camadas que enriquecem o universo da série.

Temos Enid, a colega de quarto colorida e expansiva, interpretada com doçura por Emma Myers. O contraste entre as duas — o preto-e-branco versus o arco-íris — gera uma das dinâmicas mais cativantes da série. É quase como se fossem duas metades de uma mesma inquietação adolescente.

Christina Ricci, que viveu Wandinha nos anos 90, retorna agora como a misteriosa professora Thornhill. É mais do que uma participação especial: é uma ponte entre gerações. Um aceno afetuoso aos fãs mais antigos, sem depender da nostalgia fácil.

No papel de Tio Chico, Fred Armisen rouba a cena com uma mistura deliciosa de esquisitice e afeto. Catherine Zeta-Jones como Morticia e Luis Guzmán como Gomez reimaginam o casal icônico com uma latinidade calorosa e um humor sinistro, mas sempre apaixonado.

E não dá para esquecer dos estudantes da Escola Nunca Mais: Xavier, Bianca, Tyler… todos habitando um mundo onde o estranho é norma, e a normalidade, uma aberração.

Segunda temporada: o que esperar de Wandinha versão 2025?

A nova temporada já nasce com a responsabilidade de manter (ou superar) o padrão altíssimo da anterior. Mas ao que tudo indica, não faltam planos ambiciosos.

A segunda temporada será dividida em duas partes. Uma estreia no dia 6 de agosto, a outra, no 3 de setembro. A estratégia visa prolongar o envolvimento do público e, claro, gerar mais teorias, fanarts e especulações.

Nas palavras dos criadores Al Gough e Miles Millar, a nova leva de episódios mergulhará ainda mais fundo nos segredos da Escola Nunca Mais, nas catacumbas da família Addams, e nos conflitos internos de Wandinha. Mais mistério, menos romance — como a própria Jenna Ortega já havia sugerido.

E por falar nela…

Jenna Ortega: a atriz que virou ícone — e que carrega Wandinha com a alma

A escolha de Jenna Ortega para o papel principal pode ter parecido ousada num primeiro momento. Mas hoje, soa como destino.

Com sua entrega milimétrica, seu olhar penetrante e sua postura que mistura vulnerabilidade e dureza, Jenna construiu uma Wandinha tridimensional. Não é uma caricatura. É uma adolescente complexa, com feridas, intuições e um senso de justiça próprio.

O fato de a atriz ter feito questão de participar ativamente da construção da personagem — inclusive coreografando a icônica dança do episódio 4 — diz muito sobre sua conexão com o papel.

Jenna não está apenas interpretando Wandinha. Ela é Wandinha. E o mundo, ao que tudo indica, está feliz com isso.

Terceira temporada confirmada: o que ainda pode ser contado?

A Netflix anunciou a renovação da série para a 3ª temporada mesmo antes de a segunda ir ao ar. É o tipo de decisão rara — e reveladora. Porque não se trata apenas de audiência. É uma aposta na longevidade de um universo narrativo que ainda tem muito a oferecer.

O que vem por aí? Ninguém sabe ao certo. Mas as pistas apontam para mais segredos da família Addams, novos vilões sobrenaturais e dilemas emocionais que vão testar os limites de Wandinha — inclusive os dela consigo mesma.

Fala-se em novos parentes, em novos professores, em mais lendas sinistras escondidas nas sombras da Escola Nunca Mais. E, claro, em mais sarcasmo, mais silêncio e mais frases cortantes que nos farão rir sem culpa.

Muito além do entretenimento: o impacto cultural de Wandinha

Você pode ver Wandinha como uma série de mistério adolescente. Ou como uma sátira gótica. Ou até como uma homenagem a Tim Burton. Mas o que talvez a torne tão especial é que ela também é um sinal dos tempos.

Em um mundo em que ser diferente ainda é motivo de exclusão, Wandinha representa a coragem de ser quem se é — mesmo que isso assuste os outros. Ou talvez, justamente por isso.

Ela virou figurinha de WhatsApp. Tema de festa. Look de Halloween. Letra de música indie. Página de diário. Referência fashion. Inspiração para quem achava que não pertencia.

E tudo isso sem nunca forçar a barra. Sem lição de moral. Sem discurso pronto. Só sendo… ela mesma.

A força do estranho — e por que precisamos disso agora

Vivemos numa época de ruído constante, onde tudo parece urgência, polidez ensaiada e sorrisos de filtro. E então surge Wandinha: quieta, firme, afiada.

Ela nos lembra que o silêncio também fala. Que o estranho pode ser belo. Que não precisamos nos encaixar em nada para merecer estar aqui.

Talvez por isso, essa série tenha se tornado um fenômeno global. Não porque agrada a todos. Mas porque acolhe quem nunca se sentiu agradado por ninguém.

Enquanto a nova temporada não chega…

Reveja aquela cena da dança. Repare nos detalhes da Escola Nunca Mais. Ouça a trilha sonora num dia nublado. Vista preto com mais convicção. Escreva uma carta com sarcasmo afetuoso. Ou apenas sinta-se à vontade na sua própria esquisitice.

Porque Wandinha não é só uma série que assistimos. É um lugar simbólico para onde fugimos quando o mundo parece idiota demais. É um lembrete de que somos muitos — e estamos acordando.

E agora que sabemos que ela volta para uma terceira temporada, podemos respirar aliviados.

Mesmo que Wandinha não o faça.

Distopia Amazônica: O Último Azul, novo filme de Gabriel Mascaro, ganha teaser e inicia jornada por 13 festivais internacionais

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Gabriel Mascaro retorna ao cinema com uma obra que promete ser tão poética quanto incômoda: “O Último Azul”, que acaba de ganhar seu primeiro teaser, mergulhando o público em um Brasil amazônico distorcido pelo tempo — ou pela política.

O filme, que estreia em junho no prestigiado Sydney Film Festival, na Austrália, já começa a circular pelo mundo com fôlego de estreia mundial. Antes disso, foi anunciado como destaque fora de competição no IndieLisboa, um dos principais festivais de Portugal. E a jornada internacional está só começando: 13 festivais já estão confirmados no circuito, com passagens por China, Islândia, México, Polônia, República Tcheca, Reino Unido, Taiwan, Uruguai, entre outros.

Uma ficção que escancara o real

Ambientado em uma Amazônia de contornos quase oníricos, mas atravessada por políticas distópicas, “O Último Azul” apresenta um Brasil onde o governo desloca idosos para colônias isoladas sob a justificativa de “bem-estar na terceira idade”. Mas a promessa de cuidado logo se transforma em silêncio, exclusão e esquecimento.

O elenco reúne grandes nomes: Denise Weinberg lidera a história com sensibilidade pungente, acompanhada por Rodrigo Santoro, Adanilo e a atriz cubana Miriam Socarrás. Em cena, eles transitam entre a resistência e a resignação, cercados por uma floresta que parece testemunhar — e absorver — o abandono humano.

Cinema como denúncia e contemplação

Com uma estética carregada de simbolismo e densidade emocional, Mascaro mais uma vez constrói uma obra em que política, paisagem e memória se entrelaçam. Conhecido por títulos como Boi Neon e Divino Amor, o diretor reafirma seu olhar inquieto sobre o presente — mesmo quando projeta o futuro.

A estreia comercial no Brasil está prevista para o segundo semestre, com distribuição da Vitrine Filmes. Enquanto isso, o teaser já dá uma amostra do que está por vir: imagens contemplativas, uma trilha hipnótica e uma atmosfera que mistura beleza, desamparo e resistência.

“O Último Azul” não é apenas um filme. É um retrato de como um país pode apagar seus próprios espelhos — e de como o cinema ainda insiste em devolvê-los.

“Stick” | Comédia esportiva da AppleTV+ é renovada para a 2ª temporada com Owen Wilson à frente

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Foto: Reprodução/ Internet

Na contramão dos clichês de superação esportiva, Stick chegou ao catálogo da AppleTV+ no início de junho de 2025 como quem não queria nada — com um humor seco, uma trilha sonora suave e uma trama sobre fracassos pessoais mais do que sobre vitórias no green. Mas bastaram poucos episódios para que o público se afeiçoasse a Pryce Cahill, o ex-jogador de golfe vivido com precisão melancólica por Owen Wilson, e ao mundo disfuncional, cômico e tocante que a série apresenta.

Agora, para alegria dos fãs, Stick acaba de ser renovada para a segunda temporada. O anúncio veio justamente na semana do último episódio da primeira leva, o que fez com que a comoção nas redes se transformasse em celebração. As informações são do Variety.

“Acho que todos nós nos divertimos muito fazendo isso”, disse Owen Wilson em comunicado. “É muito bom ver a série se conectar com as pessoas e saber que temos a chance de continuar a história.”

Uma comédia sobre falhas — e como conviver com elas

Criada por Jason Keller, Stick não tenta pintar o golfe como um campo de glórias, e sim como um espaço de confrontos interiores. Logo no primeiro episódio, somos apresentados a Pryce Cahill, um ex-atleta que já esteve nos holofotes, mas hoje vive à sombra de seus próprios erros e lutos. Vendedor de tacos de golfe em uma loja mediana e com um humor amargo, ele é uma figura entre o cômico e o patético — o retrato de alguém que caiu do pedestal e ainda está tentando entender o que fazer no chão.

A série, no entanto, evita qualquer tentativa óbvia de redenção. É nas entrelinhas, nos silêncios, nos olhares e nas relações quebradas que Stick encontra sua força dramática. A chegada de Santi Wheeler (Peter Dager), um jovem golfista prodígio que desistiu do esporte após traumas familiares, estabelece a dupla improvável no centro da trama. Pryce vê em Santi a chance de resgatar não só uma carreira, mas também um sentido para a vida.

Não se trata de mentor e aprendiz nos moldes clássicos, mas de dois homens tentando se reconstruir — cada um à sua maneira. Enquanto Santi lida com as feridas deixadas por um pai ausente, Pryce tenta encontrar redenção pela perda de seu filho Jett, uma dor que ainda ecoa em cada flashback, cada conversa atravessada, cada momento de silêncio desconfortável.

A leveza que vem do amargo

O humor da série é um dos seus trunfos. Stick acerta ao inserir pitadas de comédia onde menos se espera, usando o sarcasmo de Pryce, os tropeços sociais dos personagens e as situações absurdas que surgem entre uma tacada e outra para quebrar o drama com naturalidade.

Personagens como Zero (Lilli Kay), uma barman de espírito livre, e Mitts (Marc Maron), o ex-caddie e parceiro de derrotas de Pryce, oferecem uma camada extra de humanidade à trama. Cada um carrega suas dores, seus dilemas, suas fraturas — mas ninguém se leva a sério demais. É como se todos estivessem apenas tentando sobreviver, com um taco de golfe na mão e uma piada pronta na ponta da língua.

Owen Wilson em sua melhor forma

Famoso por papéis cômicos, muitas vezes excêntricos, Owen Wilson entrega aqui uma de suas performances mais densas e contidas. Pryce não é um herói. Tampouco um vilão. É apenas um homem quebrado tentando juntar os cacos com os recursos que tem — o cinismo, a ironia, a dor mal resolvida e uma nostalgia que nunca cessa.

A atuação de Wilson equilibra perfeitamente humor e vulnerabilidade, o que torna o personagem fascinante mesmo nos momentos mais controversos. Ao lado de Peter Dager, que brilha com sutileza e intensidade como o jovem Santi, ele constrói uma das duplas mais complexas e emocionantes da atual televisão americana.

O elenco que dá alma à série

Além de Wilson e Dager, o elenco de Stick é um espetáculo à parte. Mariana Treviño emociona como Elena, a mãe solo que tenta manter Santi em uma linha tênue entre esperança e frustração. Lilli Kay, como a espirituosa Zero, ilumina cada cena com sua presença descomplicada e libertária.

Entre os rostos recorrentes, Judy Greer rouba a cena como Amber-Linn, a ex-mulher de Pryce, enquanto Timothy Olyphant surge com charme e rivalidade no papel de Clark Ross, antigo parceiro de jogos e atual espinho no sapato do protagonista.

As participações especiais — como as de jogadores reais de golfe e comentaristas — conferem um toque de realismo e autenticidade aos torneios exibidos na série, como o fictício ReadySafe Invitational.

Uma história de luto, legado e reinvenção

O que torna Stick tão especial é que, por trás do pano de fundo esportivo, existe uma história sobre luto. Sobre paternidades falhadas. Sobre relações que precisam ser desenterradas, lavadas e remendadas. É sobre o peso do que não foi dito — e o esforço constante para encontrar uma nova forma de existir.

A figura do filho falecido de Pryce, Jett Cahill, é um fantasma silencioso que ronda toda a série. Interpretado por três atores em diferentes idades, o personagem aparece em lembranças fragmentadas, em sonhos, em vislumbres emocionais que nunca são explícitos, mas sempre profundos. É nesse subtexto que a série mais comove.

AppleTV+ aposta na continuidade

A renovação para a segunda temporada vem como resposta à boa recepção da crítica e do público. Embora o golfe seja o pano de fundo, a trama consegue atravessar as barreiras esportivas e emocionar até quem nunca segurou um taco na vida.

A AppleTV+ vem apostando em produções que mesclam originalidade e sensibilidade — e Stick é um exemplo claro dessa curadoria cuidadosa. Com uma abordagem moderna, personagens tridimensionais e um roteiro que valoriza o não-dito, a série conquistou um espaço próprio na plataforma.

O que esperar da segunda temporada?

Embora detalhes sobre a nova temporada ainda não tenham sido divulgados, a renovação abre portas para aprofundar os conflitos familiares de Santi, os fantasmas de Pryce e os desafios futuros no circuito profissional.

Será interessante ver como a parceria entre mentor e pupilo se desenvolve agora que os papéis estão menos claros. Pryce, afinal, também precisa ser salvo. E Santi talvez seja sua única chance real de encontrar paz — ou pelo menos, perdão.

Além disso, os desdobramentos com Amber-Linn, os atritos com Clark Ross e as questões não resolvidas com Elena prometem ganhar mais força.

Lee Jung-jae e Lim Ji-yeon encantam em pôsteres de Nice to Not Meet You, k-drama original do Prime Video

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O universo dos k-dramas continua a surpreender fãs de todo o mundo, e 2025 promete um lançamento que já gera grande expectativa: Nice to Not Meet You. O drama reúne duas estrelas de peso: Lee Jung-jae, que conquistou fama internacional com Round 6, e Lim Ji-yeon, reconhecida por sua atuação em A Lição. Abaixo, confira os primeiros pôsteres oficiais divulgados pelo Prime Video.

Dirigido por Kim Ga-ram e roteirizado por Jung Yeo-rang, s série se apresenta como uma história contemporânea que mistura investigação, jornalismo e complexidades das relações humanas. A trama acompanha Lim Hyun-joon (Lee Jung-jae), um ator especializado em papéis de detetive que, apesar do sucesso, sente que perdeu o propósito que o levou à carreira artística. Ao seu lado, Wi Jeong-shin (Lim Ji-yeon) é uma repórter talentosa cuja trajetória foi interrompida após um escândalo de corrupção de grande repercussão. Juntos, eles embarcam em uma jornada inesperada de autodescoberta, reconciliação pessoal e dilemas éticos, enquanto lidam com os desafios do passado e do presente.

O elenco de apoio traz nomes renomados da indústria sul-coreana. Kim Ji-hoon (Cidade Invisível, Kingdom) interpreta Lee Jae-hyung, ex-jogador de beisebol e atual presidente da revista esportiva Sports Eunseong, adicionando camadas corporativas e mediáticas à história. Seo Ji-hye (Crash Landing on You, Gourmet) assume Yoon Hwa-young, jovem chefe do departamento de entretenimento da revista, prometendo tramas de ambição e estratégias nos bastidores.

Complementando o time, Choi Gwi-hwa (Signal, Kingdom 2), Na Young-hee (The World of the Married, Secret Boutique), Kim Hyun-jin (Move to Heaven, Sweet Home) e Jin Ho-eun (All of Us Are Dead, Love Alarm) dão corpo ao núcleo familiar e de apoio. Kim Hyun-jin interpreta Lim Seon-woo, irmão de Hyun-joon, enquanto Jin Ho-eun vive Wi Hong-shin, irmão mais novo de Jeong-shin. Esses personagens aprofundam a narrativa, mostrando como relações familiares e experiências passadas influenciam escolhas, conflitos e conexões emocionais.

O processo de produção do drama começou a se desenhar em março de 2024, com a leitura completa do roteiro, etapa essencial para a compreensão das personagens e avaliação da química entre os atores. As filmagens principais tiveram início ainda na primeira metade do ano, sob supervisão rigorosa de Kim Ga-ram. Lee Jung-jae decidiu assumir o papel após analisar a complexidade emocional do personagem, enquanto Lim Ji-yeon se mostrou entusiasmada com a oportunidade de explorar camadas de força e vulnerabilidade em Jeong-shin.

A imprensa especializada destacou o envolvimento de todos os integrantes do elenco. O anúncio da participação de Lee Jung-jae em novembro de 2024 causou grande repercussão, consolidando o drama como um dos mais esperados do ano. Nos meses seguintes, confirmações de Choi Gwi-hwa, Kim Hyun-jin, Jin Ho-eun e Na Young-hee mantiveram o interesse do público elevado, reforçando a expectativa por uma produção de alta qualidade, com elenco equilibrado entre experiência e química natural.

Programada para estrear na segunda metade de 2025, a série será exibida na tvN às segundas e terças-feiras, com episódios também disponíveis para streaming no Amazon Prime Video em territórios selecionados. A estratégia reflete a internacionalização crescente dos k-dramas, que conquistam audiência global graças às plataformas digitais. Para os fãs, é uma oportunidade de acompanhar performances intensas e nuances dramáticas, unindo o talento de Lee Jung-jae e Lim Ji-yeon em uma história que promete misturar tensão, emoção e humanidade.

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