“Tijolo por Tijolo” | Uma história de força, afeto e reconstrução estreia nos cinemas em agosto

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Foto: Reprodução/ Internet

Por trás de cada parede construída com esforço e cada post compartilhado nas redes sociais, existe uma história que precisa ser contada. E é exatamente isso que faz o documentário “Tijolo por Tijolo”, que estreia nos cinemas brasileiros no dia 14 de agosto: transforma a luta cotidiana de uma mulher periférica em um potente retrato de resiliência, amor, maternidade e reconstrução.

Dirigido pela dupla Victória Álvares e Quentin Delaroche, o filme não se contenta em apenas observar de fora. Ele mergulha, com sensibilidade e intimidade, no cotidiano de Cris Martins, moradora do Ibura, periferia do Recife, que viu sua vida virar de cabeça para baixo durante a pandemia. Desemprego, uma nova gravidez, a casa em risco de desabamento e a incerteza sobre o futuro forçaram Cris a se reinventar. E foi justamente nesse momento de caos que ela começou a construir, literalmente e simbolicamente, uma nova vida — tijolo por tijolo.

Uma câmera na mão e o coração no peito

Não espere encontrar uma narrativa distante ou um olhar estereotipado sobre a periferia. Aqui, o que move a lente dos diretores é o respeito e o afeto. O filme acompanha Cris no seu cotidiano com a câmera quase como parte da família. Há cenas de intimidade, de humor, de cansaço, de superação. Há momentos em que a câmera parece até respirar junto com ela, tamanha é a proximidade com a protagonista.

A história de Cris Martins é, ao mesmo tempo, muito singular e absolutamente coletiva. Quando ela começa a compartilhar sua rotina nas redes sociais, dando dicas sobre maternidade, cuidados com a casa e desabafando sobre as dificuldades de criar filhos em um país tão desigual, ela se torna uma espécie de porta-voz de tantas outras mulheres como ela: mães solo, empreendedoras improvisadas, cuidadoras, batalhadoras.

E não é por acaso que o título do filme evoca a ideia de construção. Enquanto Cris grava vídeos e se engaja em projetos comunitários voltados ao empoderamento feminino, seu marido assume o desafio de ampliar a casa da família sozinho, aprendendo técnicas de construção civil por tutoriais do YouTube. Tudo isso com o cenário real e brutal da pandemia ao fundo, somando medos, privações e sonhos suspensos.

Quando o pessoal é político

O filme também não foge dos debates mais profundos que atravessam a vida de Cris. O longa se debruça sobre o direito à moradia, o acesso à saúde reprodutiva, o racismo ambiental e as violências institucionais que silenciam tantas famílias negras e periféricas no Brasil.

Um dos pontos mais marcantes é o desejo de Cris de realizar uma laqueadura, decisão pessoal e voluntária que, no entanto, encontra uma série de barreiras burocráticas e preconceituosas no sistema de saúde. Esse recorte, tão íntimo e corriqueiro na vida de milhares de mulheres, é tratado com um cuidado raro no cinema nacional — sem didatismo, sem voyeurismo. Apenas com verdade.

Aos poucos, o espectador percebe que a luta de Cris não é apenas por um teto. É pela dignidade de poder escolher, criar, sonhar. E é aí que o documentário brilha: ao mostrar que as transformações sociais nascem dos gestos miúdos e da coragem cotidiana.

Um filme que nasce do afeto

Victória Álvares e Quentin Delaroche assinam não apenas a direção, mas também o roteiro e a produção do longa. A relação dos cineastas com Cris e sua família vai muito além da câmera. “O filme é resultado de uma troca de afeto, confiança e cumplicidade. Não se trata apenas de contar uma história, mas de construir juntos um espaço de escuta e pertencimento”, afirmam eles.

E essa construção também teve seus desafios práticos: o processo de filmagem só começou após a vacinação contra a COVID-19, quando foi possível acompanhar a família de maneira mais segura. A pandemia, inclusive, não é pano de fundo — ela é parte ativa da trama, moldando comportamentos, decisões e sonhos interrompidos.

Cris: uma protagonista que não pede licença para brilhar

Se existe algo que torna “Tijolo por Tijolo” realmente inesquecível, é a força da sua protagonista. Cris Martins não é atriz, não é celebridade, mas rouba a cena como se fosse. Seu carisma, sua lucidez diante das adversidades e sua forma direta de se comunicar tocam o espectador profundamente.

Cris entende como usar as redes sociais a seu favor, não para criar uma imagem idealizada, mas para fazer barulho, dialogar e criar pontes. Sua conta no Instagram, @crismartinsventura, virou uma ferramenta de luta, visibilidade e afeto. Ela se fotografa, ensina, denuncia, agradece, aconselha — sempre com uma generosidade que transborda.

No filme, a maternidade aparece como centro, mas não de maneira romantizada. É uma maternidade real, exausta, cheia de sobrecargas e ao mesmo tempo profundamente amorosa. É nesse equilíbrio delicado entre dor e beleza que o documentário encontra sua força.

Um retrato do Brasil que a gente precisa ver

Produzido pela Revoada Filmes e distribuído pela Olhar Filmes, a produção já passou por diversos festivais no Brasil e no exterior, conquistando não só o público, mas também a crítica especializada. Não por ser “bonito”, mas por ser urgente. Por mostrar o que, muitas vezes, é invisibilizado nas grandes narrativas midiáticas: a potência da periferia, o protagonismo feminino e a complexidade de quem luta para existir com dignidade.

MasterChef Brasil 2025 – Daniela e Felipe B. são os finalistas da 12ª temporada

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A 12ª temporada do MasterChef Brasil chega ao seu momento mais aguardado: a grande final. Após semanas de desafios intensos, provas emocionantes e eliminações surpreendentes, Daniela e Felipe B. conquistaram suas vagas na decisão, enquanto Rodrigo e Gloria foram eliminados na semifinal. Esta edição do reality culinário, exibida na Band, trouxe novamente à tona o talento de cozinheiros amadores que combinam criatividade, técnica e paixão pela gastronomia, mantendo o público grudado na tela a cada episódio.

A semifinal, exibida na terça-feira, 26 de agosto, foi marcada por provas que desafiaram os limites dos competidores. Na primeira etapa, os semifinalistas precisaram criar pratos autorais utilizando técnicas de gastronomia molecular, como esferificação, espumas e gelificação. O objetivo era transformar ingredientes em experiências sensoriais únicas, exigindo precisão, criatividade e domínio técnico. Sob o olhar atento de Henrique Fogaça, Helena Rizzo e Érick Jacquin, os quatro cozinheiros – Daniela, Felipe B., Gloria e Rodrigo – enfrentaram a pressão máxima para garantir sua vaga na final.

O segundo desafio da noite trouxe uma releitura do tradicional turducken, desta vez em versão marítima. A prova consistiu na preparação de três tipos de peixes e frutos do mar, desossados, recheados e montados em camadas, exigindo habilidade avançada de corte, montagem e equilíbrio de sabores. A complexidade do prato elevou a tensão na cozinha, colocando à prova não apenas a técnica dos competidores, mas também sua capacidade de trabalhar sob pressão e tomar decisões rápidas.

Rodrigo foi o primeiro a ser eliminado na semifinal. Apesar de sua trajetória marcada por criatividade, técnica e versatilidade, o prato apresentado não convenceu totalmente os jurados, encerrando sua participação a um passo da grande final. A despedida foi emocionante, com abraços, lágrimas e palavras de incentivo de colegas e jurados, reconhecendo seu talento e dedicação ao longo da temporada. Pouco depois, Gloria também deixou o programa após uma performance que não atingiu o nível exigido pelos jurados para avançar à final, consolidando Daniela e Felipe B. como os grandes finalistas da temporada.

Daniela chega à final com uma trajetória marcada por consistência, precisão e pratos visualmente elegantes. Ao longo da temporada, conquistou os jurados não apenas pelo equilíbrio de sabores, mas também pela capacidade de se reinventar a cada desafio, mostrando criatividade e domínio das técnicas culinárias mais complexas. Sua participação na semifinal reforçou sua presença na decisão, demonstrando confiança, atenção aos detalhes e capacidade de manter a calma sob pressão, consolidando-a como uma das favoritas ao título.

Felipe B., por sua vez, chega à final mostrando ousadia, versatilidade e domínio técnico. Ele se destacou em provas individuais e coletivas ao longo da temporada, impressionando os jurados com combinações de sabores criativas e soluções inteligentes para desafios complexos. Sua consistência, aliada à coragem de experimentar e ousar, faz dele um finalista capaz de rivalizar de igual para igual com Daniela na grande decisão, prometendo uma final eletrizante e repleta de emoção.

Crítica – A Mulher no Jardim é uma beleza visual desperdiçada por um roteiro sem alma

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Ainda que A Mulher no Jardim não possa ser rotulado como um desastre completo, há uma sensação persistente de déjà vu ao longo de toda a experiência. A trama parece seguir caminhos já trilhados inúmeras vezes, e o roteiro — frágil em sua construção — não oferece novidades nem profundidade emocional suficientes para sustentar as ambições temáticas do longa.

A direção de Jaume Collet-Serra, por outro lado, é a grande força motriz da produção. Com domínio técnico e um olhar apurado para atmosferas densas, o cineasta constrói sequências visualmente impactantes, reforçadas por uma cinematografia elegante e por sustos eficazes, que remetem ao melhor do terror psicológico contemporâneo. Infelizmente, esse brilho técnico contrasta com o vazio narrativo que se impõe cada vez mais à medida que o filme avança.

Há uma tentativa clara de abordar o luto e a insatisfação com os papéis familiares — especialmente o da maternidade — como formas sutis, porém poderosas, de opressão emocional. Contudo, o resultado é confuso e até desconfortável. Ao transformar a doença mental em uma entidade antagonista, ligada diretamente à frustração de uma mulher que quer mais da vida do que apenas cuidar dos filhos, o filme cai em armadilhas narrativas perigosas. Em vez de explorar com empatia os conflitos internos da protagonista Ramona, a obra opta por uma personificação cruel e distorcida do sofrimento psíquico.

Os filhos da personagem principal pouco contribuem para a narrativa além de servirem como catalisadores de sua decadência emocional, sem jamais se desenvolverem como figuras com vida própria. Isso empobrece a dimensão dramática da história e compromete o peso emocional que o roteiro tenta, sem muito sucesso, sustentar.

No fim das contas, A Mulher no Jardim é um filme que impressiona pela forma, mas decepciona pelo conteúdo. Suas intenções são nobres, mas mal executadas; sua estética é refinada, mas aplicada a uma estrutura narrativa previsível, arrastada e emocionalmente desorientada. Não chega a ser uma total perda de tempo, mas tampouco é uma experiência que se recomende com entusiasmo.

Resumo da novela Tieta 22/04 a 25/04 (TV Globo)

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Capítulo 101 – terça-feira, 22 de abril

Tieta aconselha Tonha a refletir com calma sobre os últimos acontecimentos e a não tomar decisões precipitadas. Enquanto isso, Arturzinho deixa claro para seu pai que não tem intenção alguma de se casar com Tonha, frustrando as expectativas familiares. Milu revela a Tieta uma verdade chocante: Arturzinho é o verdadeiro responsável pela morte de Mirandinha.

Ascânio chega com uma notícia preocupante — pai e filho pretendem desapropriar Mangue Seco, mas ele conseguiu ganhar tempo e atrasar o processo. Em paralelo, Arturzinho tenta convencer Tonha de que Mangue Seco é insignificante diante do futuro promissor que ele promete para os dois. Ricardo assina uma procuração em favor de sua mãe, numa decisão que pode ter grandes consequências.

Tonha decide se afastar um pouco e vai passar uns dias na casa de Elisa, mas logo percebe que há algo estranho no ar. Em busca de esclarecimentos e talvez reconciliação, Tieta chama Osnar para uma conversa franca.

Tieta propõe a Osnar que reatem, mas ele a confronta, afirmando que ela só o procura por ter sido abandonada por Ricardo. Tonha se instala na casa de Elisa e Timóteo, que não conseguem impedir sua permanência. Enquanto isso, Silvana prepara o ambiente em sua casa para receber Dário.

Leonora conta a Tieta que mandou Ninete avisar Gladstone sobre a gravidez de Carmosina, causando alvoroço. Osnar surpreende Carol no trabalho e a leva para sua casa, em clima de sedução. Dário e Silvana se entregam ao desejo.

O clima esquenta quando Bafo de Bode insulta Tonha, e Arturzinho, em um impulso violento, o agride com um chicote. Mais tarde, Tieta flagra Osnar na cama com Carol, e a decepção é inevitável.


Capítulo 102 – quarta-feira, 23 de abril

Ascânio confronta Arturzinho e o chama de covarde por sua postura arrogante e violenta. Tonha, ainda abalada, começa a enxergar o lado obscuro do namorado após a agressão.

Tieta enfrenta Osnar, acusando-o de estar usando Carol apenas para deixá-la com ciúmes. A discussão vira um barraco entre as duas mulheres, que se unem para colocar Osnar contra a parede. Enquanto isso, Dário, apesar das expectativas, não consegue consumar a relação com Silvana.

Imaculada se declara para Ricardo, mas ao perceber que ele quer apenas usá-la, se afasta magoada. Perpétua entrega dinheiro a Cora para ajudá-la a comprar uma casa, mas impõe uma condição misteriosa.

Bebê leva Ricardo para o quarto, alimentando o clima de romance. Na calada da noite, a Mulher de Branco tenta atacar Arturzinho, mas ele consegue reagir a tempo e arranca o véu da figura enigmática, ficando cara a cara com o mistério.


Capítulo 103 – quinta-feira, 24 de abril

A cidade entra em polvorosa: várias mulheres voltam para casa mais tarde do que o habitual, despertando suspeitas. Tonha acolhe Bafo de Bode em sua casa, disposto a lhe dar abrigo e apoio. Ela promete ajudá-lo a largar o álcool e pergunta o que ele deseja de verdade. O mendigo faz uma confissão surpreendente.

Enquanto isso, Mirko se recorda de uma conversa intrigante que teve com a Mulher de Branco. Na casa de Elisa, Perpétua escuta escondida uma discussão entre ela e Timóteo sobre o motivo real de estarem morando juntos.

Amintas confidencia aos amigos que está apaixonado, mas ainda teme revelar para quem. Dário aparece em casa carregando um misterioso baú metálico, o que desperta curiosidade.

O momento mais tenso do capítulo vem quando Perpétua, tomada pela raiva e desespero, entra no quarto de Tieta e tenta sufocar quem acredita ser sua irmã com um travesseiro.


Capítulo 104 – sexta-feira, 25 de abril

Perpétua está prestes a cometer um crime quando escuta a voz de Tieta e percebe que, na verdade, está sufocando Araci. A confusão é desfeita quando Cora explica a Leonora e Araci como ela e Tieta conseguiram frustrar o plano sombrio da vilã.

Diante de tudo, Tieta decide que é hora de revisar seu testamento, dando um novo rumo ao futuro de seus bens. Tonha e Arturzinho se reconciliam após uma conversa sincera.

Aída revela a Modesto que Perpétua está impedindo Peto de ver Letícia e pede que ele intervenha. Enquanto isso, informações sigilosas sobre Tieta chegam às mãos de Mirko.

Tieta viaja para Aracaju acompanhada de Carmosina, deixando Santana em suspense. Em um encontro com Tonha, Perpétua revela o verdadeiro motivo da separação de Timóteo e Elisa e acusa Tieta de ter promovido a reconciliação apenas para enganar a todos.

Mirko discute com Ascânio e, tomado pela fúria, jura que vai destruí-lo. Já Dário e Laura compartilham com Silvana uma revelação bombástica: o baú de metal contém nada menos que o diário de Adolf Hitler.

Tonha finalmente escuta de Elisa e Timóteo que eles realmente estão separados. Timóteo decide voltar para a pensão. Modesto confronta Perpétua e a obriga a pedir desculpas a Letícia — ou revelará o segredo sobre a enigmática caixa branca.

Enquanto Mirko analisa o dossiê sobre Tieta, declara para o pai que agora tem em mãos tudo o que precisa para destruí-la.

Pré-venda de Invocação do Mal 4: O Último Ritual inicia hoje — Saiba tudo sobre o capítulo final da franquia de terror

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Foto: Reprodução/ Internet

O universo do terror sobrenatural nos cinemas se prepara para um dos lançamentos mais aguardados do ano. A Warner Bros. Pictures Brasil inicia nesta quinta-feira, 21 de agosto, a pré-venda de ingressos para Invocação do Mal 4: O Último Ritual, a nova produção que promete encerrar de forma aterrorizante a trajetória dos renomados investigadores paranormais Ed e Lorraine Warren. Com estreia marcada para 4 de setembro, o longa se apresenta como a conclusão de uma das franquias de horror mais icônicas da indústria cinematográfica, construída ao longo de quase uma década de sustos, mistérios e casos inspirados em eventos reais.

A expectativa é alta. Fãs da série já se mobilizam para garantir seus lugares nas sessões, ansiosos para testemunhar o que promete ser o capítulo mais perturbador da carreira dos Warrens. O filme acompanha um caso enigmático, considerado o mais impactante do casal, e apresenta novos elementos que aprofundam a mitologia da franquia, revelando detalhes que permaneciam até então nas sombras. Para entrar no clima do lançamento, a Warner Bros. também programou a exibição dos três primeiros filmes da saga entre os dias 21 e 27 de agosto, permitindo que o público relembre os eventos anteriores ou descubra pela primeira vez os horrores que marcaram cada investigação.

Uma franquia que redefiniu o terror contemporâneo

Desde a estreia de Invocação do Mal em 2013, a franquia se consolidou como um marco do terror contemporâneo. O primeiro filme, dirigido por James Wan, apresentou ao público a dupla Ed e Lorraine Warren, investigadores de fenômenos paranormais cuja carreira real é marcada por casos notórios de possessão, poltergeist e assombrações inexplicáveis. A fórmula de combinar narrativa ficcional com elementos baseados em eventos reais se mostrou um sucesso, resultando em uma franquia que se expandiu para múltiplos spin-offs, incluindo os filmes de Annabelle, The Nun e A Maldição da Chorona.

O longa-metragem chega para fechar a narrativa principal da saga, prometendo não apenas sustos, mas também uma exploração mais profunda da relação entre Ed e Lorraine, que equilibram sua vida familiar com os desafios sobrenaturais que enfrentam. Ao abordar o que é descrito como o caso mais perturbador do casal, o filme se destaca por trazer uma tensão psicológica intensa, aliada à estética clássica da franquia: ambientes escuros, trilha sonora marcante e efeitos cuidadosamente planejados para amplificar o medo sem depender de clichês exagerados.

Inspiração em eventos reais

O longa é baseado nas investigações reais dos Warrens relacionadas à assombração dos Smurl, um dos casos mais notórios de atividade paranormal dos anos 1980. A história acompanha Ed (Patrick Wilson) e Lorraine Warren (Vera Farmiga) enquanto enfrentam forças sobrenaturais de intensidade nunca antes vista, testando não apenas suas habilidades como investigadores, mas também seus limites pessoais e familiares. Além de lidar com entidades malignas, o casal precisa proteger sua filha Judy (Mia Tomlinson) e o namorado dela, Tony Spera (Ben Hardy), ampliando a dimensão emocional do filme e criando momentos de tensão que vão além do terror convencional.

A narrativa do filme combina elementos clássicos da série, como possessões e fenômenos inexplicáveis, com um enfoque mais psicológico. O espectador é convidado a mergulhar na mente dos personagens, acompanhando não apenas os eventos sobrenaturais, mas também a luta interna de cada um diante do desconhecido. Essa abordagem reforça o diferencial da franquia: o terror não é apenas externo, mas também emocional, explorando medos universais e pessoais.

Elenco: veteranos e novos rostos

O filme mantém a dupla principal, com Patrick Wilson e Vera Farmiga reprisando seus papéis como Ed e Lorraine Warren. A continuidade desses personagens é crucial para a narrativa, pois estabelece uma conexão direta com os eventos anteriores e mantém a coerência emocional da saga. Farmiga, em entrevistas anteriores, destacou o desafio de aprofundar o medo de forma orgânica: “É interessante, temos que aumentar o medo a cada filme. Demonologia já é tão aguda e operística”, afirmou a atriz, ressaltando o compromisso em manter o nível de tensão elevado.

Além dos protagonistas, o elenco traz novos nomes que adicionam frescor à história. Mia Tomlinson interpreta Judy Warren, a filha do casal, agora adulta e confrontando o legado familiar de investigação paranormal. Ben Hardy assume o papel de Tony Spera, namorado de Judy, cuja presença traz novas dinâmicas de relacionamento e tensão. Outros nomes confirmados incluem Rebeca Calder, Elliot Cowan, Kíla Lord Cassidy, Beau Gadsdon, Molly Cartwright, João Brotherton e Shannon Kook como Drew, contribuindo para um elenco diversificado que amplia a complexidade dos acontecimentos.

Produção e bastidores

O desenvolvimento do filme começou pouco após o lançamento de Invocação do Mal 3: A Ordem do Diabo em 2021. O diretor Michael Chaves, que retornou à franquia após dirigir o terceiro filme, comentou em entrevistas sobre a intenção de criar um desfecho único e impactante. “Este tem um final muito único para os filmes Invocação do Mal. Eu ficaria animado para ver onde isso poderia ir a partir daqui”, afirmou Chaves, destacando o desejo de encerrar a saga de forma satisfatória para os fãs.

O roteiro passou por diversas fases de desenvolvimento, inicialmente escrito por David Leslie Johnson-McGoldrick e posteriormente revisado por Ian Goldberg e Richard Naing, a partir de uma história original coautorada por James Wan e Johnson-McGoldrick. Essa colaboração garantiu que a essência da franquia fosse mantida, ao mesmo tempo em que novas ideias e abordagens foram incorporadas, criando um equilíbrio entre fidelidade à narrativa e inovação cinematográfica.

As filmagens ocorreram em Londres entre 17 de setembro e 22 de novembro de 2024, em locações que proporcionaram o clima sombrio necessário para o longa. A produção buscou recriar cenários autênticos de casas assombradas, ambientes claustrofóbicos e espaços que potencializam o suspense, mantendo a tradição visual da franquia. A direção de fotografia e o design de produção foram fundamentais para transmitir a atmosfera opressiva que caracteriza os filmes, garantindo que cada cena contribua para o medo crescente e a tensão narrativa.

Trilha sonora e elementos de tensão

A trilha sonora é assinada por Benjamin Wallfisch, substituindo Joseph Bishara, compositor dos três primeiros filmes. Wallfisch trabalhou para manter a identidade sonora da franquia, mas introduziu elementos novos que intensificam a experiência emocional e sensorial do espectador. A música desempenha papel central no desenvolvimento do suspense, guiando o público através de momentos de terror psicológico e elevando a dramaticidade das cenas mais impactantes. A colaboração entre trilha sonora, efeitos sonoros e direção visual reforça a imersão, fazendo com que cada cena seja sentida de forma intensa.

Pré-venda e maratona de filmes

Com a pré-venda iniciada em 21 de agosto, o público brasileiro tem agora a oportunidade de garantir os ingressos antecipadamente e evitar filas no lançamento. A Warner Bros. também promoveu uma maratona dos três primeiros filmes da franquia entre os dias 21 e 27 de agosto, permitindo que os espectadores revisitassem os casos anteriores ou conhecessem a história desde o início. Essa estratégia não apenas aumenta a expectativa para o quarto filme, mas também reforça a imersão no universo dos Warrens, oferecendo contexto emocional e narrativa para os eventos que culminam em O Último Ritual.

A maratona representa uma oportunidade única para fãs novos e antigos. Quem acompanha a saga desde o início pode reviver os momentos icônicos, enquanto novos espectadores terão uma introdução completa aos horrores enfrentados pelos investigadores paranormais. O cuidado com a continuidade narrativa demonstra o compromisso da Warner Bros. em oferecer uma experiência completa e envolvente, tornando o lançamento do capítulo final ainda mais significativo.

Chespirito: Sem Querer Querendo promete revelar o homem por trás do mito de Chaves e Chapolin em série biográfica com estreia marcada para junho

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Vamos embarcar em uma viagem emocionante aos bastidores de uma das maiores lendas do humor latino-americano. A série Chespirito: Sem Querer Querendo, produção original da plataforma Max, acaba de ganhar um novo trailer que revela cenas inéditas e intensas sobre a vida e carreira de Roberto Gómez Bolaños, criador dos icônicos Chaves e Chapolin Colorado. A estreia está marcada para 5 de junho.

Misturando drama, bastidores e nostalgia, a série não se limita apenas a enaltecer o legado do artista — ela também mergulha nas tensões criativas e relacionamentos turbulentos que marcaram a produção dos programas. Do nascimento das ideias à explosão de sucesso, passando por brigas nos bastidores, a narrativa busca retratar com profundidade o homem por trás da figura pública adorada por milhões.

No papel de Roberto, está o ator Pablo Cruz Guerrero, enquanto Paula Dávila interpreta Margarita Ruíz, personagem inspirada na atriz Florinda Meza — intérprete da Dona Florinda e parceira de vida de Bolaños, cujo nome verdadeiro foi alterado na série, reflexo dos conflitos judiciais e pessoais em torno da obra de Chespirito.

A produção ainda conta com Juan Lecanda como Carlos Villagrán/Marcos Barragán (o eterno Quico), Miguel Islas como Ramón Valdés (o querido Seu Madruga) e Andrea Noli vivendo Angelines Fernández (a inesquecível Bruxa do 71).

Essas mudanças de nomes, aliás, não são apenas artifícios criativos, mas refletem as disputas legais que se desenrolaram após a morte de Bolaños, envolvendo direitos autorais e a imagem dos personagens e intérpretes — uma trama à parte que também ganha espaço na narrativa da série.

Chaves: um fenômeno atemporal que conquistou o coração de gerações

Lançada originalmente em 1973, El Chavo del Ocho — ou simplesmente Chaves, como ficou conhecido no Brasil — se tornou um dos maiores marcos da televisão latino-americana. Criado e protagonizado por Roberto Gómez Bolaños, o seriado narrava as desventuras de um menino órfão que vivia dentro de um barril em uma vila, cercado de vizinhos caricatos, broncas, barracos e muitos tapas de humor.

Ao lado de personagens inesquecíveis como Seu Madruga, Quico, Dona Florinda, Chiquinha e Professor Girafales, o programa abordava, com leveza e carisma, temas como amizade, pobreza, respeito e empatia — tudo isso com piadas simples e roteiros acessíveis, mas incrivelmente eficazes.

No Brasil, Chaves foi exibido pelo SBT a partir da década de 1980 e logo se tornou parte da rotina de milhões de lares. O sucesso foi tanto que outros canais como Multishow, Cartoon Network, Boomerang e TBS também transmitiram a série, apresentando-a a novas gerações. Mesmo após décadas de sua criação, a produção segue viva na cultura popular, em memes, produtos licenciados e eventos temáticos.

É impossível medir com exatidão o impacto emocional de Chaves, mas o carinho coletivo por seus personagens e frases marcantes (“foi sem querer querendo”, “ninguém tem paciência comigo”) prova que o programa transcendeu barreiras linguísticas e sociais. Trata-se de uma obra que, mesmo feita com recursos modestos, se firmou como um verdadeiro patrimônio afetivo do público latino-americano.

Crítica – Zootopia 2 entrega maturidade narrativa e aprofunda debates sociais com sensibilidade e coragem

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Zootopia 2 chega aos cinemas carregando o peso de suceder uma das animações mais marcantes da última década. O filme original, lançado em 2016, conquistou o público ao combinar humor, aventura e uma crítica social ampla, situando seus personagens em uma metrópole vibrante onde conviviam diversidade e tensão. Agora, a continuação retoma esse universo de forma mais complexa, emocionalmente mais elaborada e disposta a expandir discussões que permanecem urgentes. A nova trama acompanha Judy Hopps e Robert Wilde em um ponto delicado de suas jornadas, revelando como feridas antigas influenciam não apenas o vínculo entre eles, mas a maneira como cada um encara suas convicções mais profundas.

A história ganha novo fôlego com a introdução da influente Família Lynxley, guardiã do Diário de Fundação, peça histórica que preserva a versão oficial das origens da cidade. Quando o artefato é roubado por Gary, uma cobra pertencente a uma espécie historicamente marginalizada após um episódio distorcido e mal interpretado, o filme deixa de lado qualquer expectativa de aventura convencional. O roubo funciona como catalisador para uma investigação maior: uma reflexão sobre memória, apagamento e a forma como versões oficiais moldam identidades coletivas. Nada é apresentado como mera coincidência; cada gesto aponta para feridas abertas e disputas por narrativas que definem quem pertence e quem permanece à margem.

Nibbles, especialista em répteis e relações interespécies, surge para equilibrar o enredo com frescor e profundidade. Sua presença cria conexões onde antes existiam muros, instigando Judy, Robert e o próprio público a enxergar além das tensões superficiais. Mais do que uma coadjuvante, ela funciona como mediadora em um debate sobre convivência e responsabilidade histórica. O grupo formado por Judy, Robert, Gary e Nibbles ressignifica o filme como uma travessia de escuta e reconciliação, destacando que conflitos sociais raramente são fruto de indivíduos isolados, mas sim de estruturas que perpetuam silêncios e desigualdades.

Apesar de lidar com temas densos, Zootopia 2 mantém o humor afiado que caracteriza a franquia. As cenas cômicas surgem no momento certo, oferecendo respiro emocional sem comprometer o impacto do drama. E é justamente no drama que o filme encontra seu núcleo mais pulsante, discutindo ancestralidade, identidades reprimidas, políticas de coexistência e a necessidade de revisar o passado com honestidade. A narrativa não idealiza a história da cidade; pelo contrário, questiona ativamente quem construiu essas memórias e por que algumas vozes foram excluídas.

Ao invés de tentar superar o primeiro filme em grandiosidade, a continuação opta por amadurecer. Reconhece que seu público cresceu e ajusta o tom para acompanhar essa evolução. A obra abraça silêncios, incertezas e recomeços, entendendo que histórias verdadeiras se fortalecem quando enfrentam suas próprias sombras. É um filme que se permite desacelerar para aprofundar, ao invés de acelerar para impressionar.

No desfecho, a continuação se revela não apenas competente, mas necessária. Judy e Robert emergem mais complexos e vulneráveis, enquanto Gary e Nibbles ampliam o escopo emocional e político da trama com novas perspectivas. Zootopia, sempre vibrante, mostra que ainda possui muito a aprender sobre si mesma. A obra reafirma que memórias não devem ser apagadas, mas revisitadas e reconstruídas com responsabilidade. O resultado é um filme que não se limita a continuar uma história, mas a expandi-la com propósito e sensibilidade.

Dica no Viki: “O Brilho dos Seus Olhos” é um drama sobre recomeços, conexões e o que acontece quando a fama já não basta

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Há algo de profundamente tocante em histórias sobre recomeços. Talvez porque todos nós, em algum momento, tenhamos sentido que algo estava desmoronando — um sonho, uma relação, uma identidade. É justamente esse sentimento que pulsa no centro de O Brilho dos Seus Olhos, série disponível no streaming Viki. Com uma narrativa sutil, performances envolventes e uma atmosfera de descoberta afetiva, o drama cativa por sua sensibilidade ao retratar a vida de um ex-ídolo que se vê diante de uma segunda chance — não apenas na carreira, mas, talvez, no amor.

Um ex-ídolo no limbo

Pei Jia (vivido de forma comovente por Chen Ye Sheng) é um nome que, anos atrás, fazia multidões gritarem. Um ídolo amado, com fãs devotos e contratos promissores. Mas o tempo foi implacável. A fama murchou, as críticas se tornaram mais duras que elogiosas e o mercado, cruel como costuma ser, o descartou como ultrapassado. Em um momento de baixa, quando tudo parece perdido, uma simples carta de fã reacende algo dentro dele: talvez ainda haja espaço para um novo começo. E essa fagulha o leva a aceitar um papel em uma produção inesperada.

Um parceiro improvável, uma química que surpreende

É aí que entra Su Yi (interpretado com charme e entrega por Huang Xiao), um novato inexperiente, ambicioso e cheio de brilho nos olhos. Su Yi é o tipo de pessoa que pode tanto fascinar quanto irritar alguém como Pei Jia — e de início, o desconforto é mútuo. O jovem ator é primo do roteirista do projeto, e seu envolvimento parece mais nepotismo do que talento. Mas o que começa como desconfiança logo vira curiosidade.

Su Yi quer mais que fama. Ele quer entender, se conectar. E para isso, começa a buscar uma aproximação com Pei Jia que vai além do roteiro. O olhar que ele lança sobre o ex-ídolo é de alguém que enxerga o homem por trás do brilho apagado — alguém ferido, mas com muito a oferecer. A química que surge entre os dois, primeiro como colegas de cena e depois como algo indefinido, é o coração pulsante da história.

Entre bastidores e bastidores da alma

Mas o caminho não é simples. Há um produtor (Wei Ming Jia) misterioso e controlador, que parece disposto a manter Pei Jia distante de qualquer conexão real. A presença desse antagonista silencioso dá à trama um leve toque de tensão psicológica. Quem manipula quem nos bastidores? E o que há por trás da insistência em manter Pei Jia isolado?

A série, dirigida por Wai Wai e Yuan Yuan, evita cair em clichês fáceis. Ela não apressa as emoções, mas constrói lentamente uma relação marcada por pequenos gestos, silêncios que dizem muito e olhares que revelam vulnerabilidades. Os episódios funcionam como um espelho para o espectador: é impossível não se questionar sobre os próprios bloqueios, medos e desejos.

Amor, afeto e novas possibilidades

O Brilho dos Seus Olhos é, no fim das contas, sobre aquilo que nos faz continuar. Sobre enxergar o outro além das aparências. Sobre curar antigas feridas com novas conexões. E sobre como a arte — seja ela o cinema, a música ou o teatro — pode se tornar o palco onde nossos sentimentos mais verdadeiros ganham voz.

A atuação de Chen Ye Sheng é especialmente digna de nota. Com um olhar melancólico e gestos contidos, ele compõe um Pei Jia introspectivo, quase sempre em conflito interno. Já Huang Xiao imprime ao seu Su Yi uma doçura impaciente e vibrante, como quem tem muito a provar — para os outros, mas principalmente para si.

Completam o elenco Shao Hong Fei, também em um papel chave na produção que une os dois protagonistas, e Wei Ming Jia como o tal produtor de intenções ambíguas. A direção aposta em planos delicados, muitas vezes silenciosos, que deixam o espectador sentir junto, sem precisar dizer tudo em palavras.

Por que assistir?

Se você gosta de histórias sobre recomeços, afetos que florescem devagar e personagens que precisam reaprender a confiar, O Brilho dos Seus Olhos vai te tocar. É uma série sobre fama e solidão, mas também sobre escuta, cuidado e conexão inesperada. Nada nela é forçado — até mesmo o romance, que surge como possibilidade, é tratado com delicadeza e ambiguidade, deixando o espectador livre para sentir com os personagens.

Entre momentos de dor, ternura e esperança, a série nos convida a olhar de novo — não só para o outro, mas também para nós mesmos.

Talvez, no fim, a gente perceba que o brilho dos olhos de alguém é, muitas vezes, o reflexo da luz que conseguimos despertar nele. E isso, por si só, já vale a jornada.

Disponível no Viki. Assista com o coração aberto.

Jurassic World: Recomeço consagra Scarlett Johansson como estrela mais rentável de Hollywood

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Foto: Reprodução/ Internet

A nova era jurássica começou com força total — e não apenas nas bilheteiras. O lançamento de Jurassic World: Recomeço não só levou milhões aos cinemas como também coroou Scarlett Johansson como a atriz mais lucrativa da história de Hollywood, um feito que une espetáculo visual e impacto de carreira em um mesmo pacote.

🌍 Um mundo inóspito e três criaturas lendárias

Sob a direção de Gareth Edwards (Rogue One) e roteiro assinado por David Koepp (Jurassic Park, Missão: Impossível), o novo longa se passa cinco anos após os eventos de Domínio. O planeta mudou drasticamente, e os poucos dinossauros sobreviventes agora habitam zonas tropicais isoladas, onde o clima remete à era em que eles dominavam a Terra.

É nesse ambiente hostil que uma equipe destemida embarca em uma missão de alto risco: coletar amostras de DNA das três criaturas mais colossais do planeta — do céu, da terra e do mar. O objetivo? Desenvolver um medicamento capaz de salvar incontáveis vidas humanas. Mas a jornada logo se transforma em uma corrida contra o tempo, enfrentando forças da natureza que não se curvam a protocolos ou tecnologias.

⭐ Johansson quebra recorde e entra para a história

O sucesso do filme também consolidou um feito histórico. Segundo dados da bilheteria norte-americana, Scarlett Johansson atingiu a marca de US$ 14,8 bilhões arrecadados em toda sua carreira cinematográfica, superando ninguém menos que Samuel L. Jackson (US$ 14,6 bilhões), seu antigo colega de universo Marvel.

A nova marca é resultado não só da força do lançamento jurássico, mas também da trajetória da atriz em blockbusters de peso, como a franquia Vingadores, Homem de Ferro 2, História de um Casamento, entre outros. Com Recomeço ainda em exibição nos cinemas e projeções indicando uma arrecadação global que pode se aproximar do bilhão, Johansson pode ampliar ainda mais essa liderança histórica.

🔬 Aventura, ciência e um novo ciclo

Mais do que uma sequência de ação, o filme se apresenta como um marco de transição na franquia derivada de Jurassic Park. Com Jonathan Bailey (Bridgerton) e Mahershala Ali (Moonlight, Green Book) completando o elenco principal, o novo capítulo mistura suspense, ficção científica e reflexão ecológica — trazendo de volta o fascínio por criaturas pré-históricas, agora envolvidas em um dilema biotecnológico que dialoga com o presente.

The Love School – Escola do Amor deste sábado (25) aborda superação e reconstrução do amor com Túlio e Carolina

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Foto: Reprodução/ Internet

Neste sábado, 25 de outubro, o The Love School – Escola do Amor, apresentado por Renato e Cristiane Cardoso, traz uma edição especial com o tema “Tentando Calar a Dor”, abordando a importância de enfrentar sentimentos dolorosos e reconstruir relacionamentos a partir da superação pessoal. O programa apresenta a inspiradora história de Túlio e Carolina, um casal que transformou sofrimento em aprendizado, resiliência e amor verdadeiro.

Túlio cresceu em um ambiente familiar desestruturado, onde desafios e conflitos marcaram sua infância e adolescência. Ao longo da vida, ele enfrentou diversas dificuldades, mas a perda de seu filho recém-nascido no primeiro casamento foi um ponto de ruptura que deixou marcas profundas em sua vida emocional. O luto intenso o levou a buscar refúgio em vícios, bebidas e distrações, tentando silenciar a dor e preencher o vazio interno que parecia impossível de curar.

Mesmo com estratégias momentâneas para escapar do sofrimento, Túlio continuava se sentindo perdido. Cada novo desafio só reforçava o sentimento de vazio, tornando evidente que paliativos externos nunca seriam suficientes para restaurar sua paz interior. Foi nesse período de fragilidade que ele encontrou no The Love School um espaço de reflexão e transformação. Através das palestras e ensinamentos de Renato e Cristiane, Túlio começou a compreender a importância de enfrentar suas dores, ressignificar o passado e reconstruir sua vida de forma consciente.

No caminho da recuperação, Túlio conheceu Carolina, que se tornou não apenas sua companheira, mas também uma parceira na construção de uma relação baseada em amor, compreensão e apoio mútuo. Juntos, eles desenvolveram um casamento estruturado e saudável, mostrando que é possível transformar experiências traumáticas em aprendizados valiosos. A história do casal é um exemplo de resiliência emocional e da força do amor quando aliado à consciência, paciência e diálogo.

Além de compartilhar momentos emocionantes e histórias de superação, esta edição do The Love School traz reflexões sobre como lidar com sentimentos difíceis, fortalecer a autoestima e construir relações saudáveis mesmo diante de adversidades. Renato e Cristiane destacam a importância de reconhecer a dor, em vez de apenas tentar escondê-la, e de transformar experiências negativas em oportunidades de crescimento pessoal e conjugal.

O episódio também reforça valores essenciais para qualquer relacionamento: comunicação, empatia, respeito e compromisso com a própria evolução. Ao acompanhar a trajetória de Túlio e Carolina, os espectadores são convidados a refletir sobre suas próprias vidas, seus desafios emocionais e a forma como se relacionam com parceiros, familiares e amigos.

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