Marty Supreme faz história e coloca a A24 no topo! A estreia mais lucrativa do estúdio até hoje

0

A A24 acaba de alcançar um marco histórico no cinema independente. Marty Supreme, novo filme dirigido por Josh Safdie e estrelado por Timothée Chalamet, estreou com impressionantes US$ 28,3 milhões em seu primeiro fim de semana nos Estados Unidos, tornando-se a maior bilheteria de abertura da história do estúdio. O feito é ainda mais simbólico quando se considera o catálogo da A24, que abriga alguns dos filmes mais celebrados e influentes da última década. As informações são do Omelete.

Com esse resultado, Marty Supreme superou a estreia de títulos que ajudaram a construir a identidade do estúdio no mercado americano, como Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo, Guerra Civil, Joias Brutas e Lady Bird: A Hora de Voar. Não se trata apenas de números: o filme consolida a A24 em um novo patamar comercial, sem abrir mão da ousadia estética e narrativa que virou sua marca registrada.

Dirigido por Josh Safdie, que assina o roteiro ao lado de Ronald Bronstein, Marty Supreme é uma comédia dramática esportiva ambientada nos anos 1950 e vagamente inspirada na vida do lendário jogador americano de tênis de mesa Marty Reisman. O longa mistura esporte, ambição, ego, decadência e humanidade em uma narrativa caótica e vibrante, típica do cinema de Safdie, agora apresentada em uma escala maior e com forte apelo popular.

O grande destaque do filme é Timothée Chalamet, que também atua como coprodutor. Segundo a crítica especializada, esta pode ser a atuação mais intensa, complexa e memorável de sua carreira até agora. Chalamet interpreta Marty Mauser, um vendedor de sapatos em Nova York que leva uma vida dupla como jogador profissional de pingue-pongue, sonhando em transformar o esporte em um verdadeiro espetáculo para o público americano.

A história começa em 1952, quando Marty decide que precisa vencer o Aberto Britânico para chamar atenção para o tênis de mesa nos Estados Unidos. Sem recursos, ele se envolve em situações moralmente duvidosas para financiar sua viagem, dando início a uma jornada marcada por escolhas impulsivas, relações instáveis e uma busca quase obsessiva por reconhecimento. O roteiro não tenta transformar Marty em herói, mas em alguém profundamente falho, ambicioso e humano.

Em Londres, o filme ganha novos contornos com a entrada de Kay Stone, uma ex-atriz vivida por Gwyneth Paltrow, e de seu marido, o empresário Milton Rockwell. A relação entre Marty e Kay é intensa, desequilibrada e cheia de interesses cruzados, refletindo o espírito do protagonista, sempre em busca de atalhos para alcançar o sucesso. O roteiro transita com naturalidade entre o humor ácido, o drama e o desconforto, mantendo o espectador constantemente em alerta.

A virada esportiva acontece quando Marty é derrotado por Koto Endo, um jogador japonês que utiliza uma inovadora raquete de esponja, simbolizando o choque entre tradição e modernidade. A partir daí, o filme se transforma em uma espécie de road movie caótico, com Marty viajando pelo mundo, se envolvendo em negócios questionáveis e se afastando cada vez mais de qualquer senso de estabilidade.

O segundo ato mergulha ainda mais fundo no caos emocional do personagem. De volta a Nova York, Marty enfrenta problemas com a justiça, reencontros mal resolvidos com pessoas do passado e uma sequência de eventos absurdos que beiram o surreal, mas nunca perdem o pé na realidade. Josh Safdie conduz tudo com uma edição frenética e uma trilha sonora pulsante, elementos que foram amplamente elogiados pela crítica.

Apesar do tom muitas vezes excessivo, Marty Supreme encontra seu equilíbrio ao mostrar as consequências das escolhas de seu protagonista. O filme não glamouriza a autodestruição, mas também não a julga. Ele observa Marty de perto, deixando que o público tire suas próprias conclusões sobre ambição, ego e o preço do sucesso.

A recepção crítica foi extremamente positiva desde sua estreia no Festival de Cinema de Nova York, em 6 de outubro de 2025. Muitos veículos destacaram a maturidade do roteiro, a ousadia da direção e a forma como o filme transforma um esporte pouco explorado no cinema em palco para uma história universal. Não à toa, o longa foi eleito um dos dez melhores filmes de 2025 pelo National Board of Review e pelo American Film Institute.

O reconhecimento também chegou às premiações. Marty Supreme recebeu três indicações ao 83º Globo de Ouro: Melhor Filme – Musical ou Comédia, Melhor Ator para Timothée Chalamet e Melhor Roteiro para Josh Safdie e Ronald Bronstein. As indicações reforçam a sensação de que o filme não é apenas um sucesso comercial, mas também um forte candidato a marcar presença na temporada de prêmios.

Segredos e um verão inesquecível: Por que “Luca” é a escolha perfeita da Tela Quente desta segunda (29)

0

Nesta segunda-feira, 29 de dezembro, a Tela Quente aposta em um filme que foge do óbvio e entrega algo raro: aconchego. Luca, animação da Pixar exibida pela TV Globo, é daquelas histórias que parecem simples à primeira vista, mas que, aos poucos, vão ganhando camadas emocionais e ficando com a gente mesmo depois dos créditos finais. Não é só um filme infantil. É uma lembrança de infância, um abraço de verão e uma metáfora delicada sobre crescer, se descobrir e pertencer.

De acordo com a sinopse do AdoroCinema, a trama nos apresenta Luca Paguro, um jovem monstro marinho curioso, daqueles que vivem olhando para o horizonte e se perguntando o que existe além. Ele mora no fundo do mar com os pais superprotetores e a avó, que reforçam constantemente uma regra inegociável: nada de chegar perto da superfície. O mundo dos humanos, segundo eles, é perigoso, hostil e mortal para criaturas como eles. Mas Luca, como todo bom protagonista sonhador, sente que existe algo lá em cima que ele precisa conhecer.

Tudo muda quando ele cruza o caminho de Alberto Scorfano, um monstro marinho completamente diferente dele. Destemido, impulsivo e cheio de ideias malucas, Alberto revela um segredo que vira o mundo de Luca de cabeça para baixo: fora da água, monstros marinhos se transformam em humanos. É a partir desse momento que Luca se transforma em uma deliciosa aventura de verão, daquelas cheias de descobertas, pequenos medos e grandes sonhos.

Ao subir à superfície, Luca e Alberto chegam a Portorosso, uma pequena cidade litorânea na Riviera Italiana, nos anos 1950. O lugar parece ter saído de um cartão-postal: ruas coloridas, cheiro de massa fresca no ar, bicicletas cortando a praça e moradores que vivem em um ritmo tranquilo. É nesse cenário que eles conhecem Giulia Marcovaldo, uma garota humana determinada, inteligente e cheia de personalidade. O trio forma uma amizade improvável, mas extremamente verdadeira, daquelas que só acontecem quando a gente é jovem e acredita que o verão pode durar para sempre.

O grande charme de Luca está justamente nessas relações. A amizade entre Luca, Alberto e Giulia é construída de forma natural, com conflitos, ciúmes, risadas e momentos de silêncio. Luca, aos poucos, começa a se sentir parte de algo maior. Ao mesmo tempo, carrega o medo constante de ser descoberto, rejeitado ou expulso por ser diferente. Esse sentimento, tratado com tanta delicadeza pelo filme, é um dos motivos pelos quais Luca conversa tão bem com públicos de todas as idades.

Dirigido por Enrico Casarosa, o filme nasce de uma memória afetiva muito pessoal. O cineasta se inspirou na própria infância em Gênova, na Itália, para criar Portorosso e toda a atmosfera do longa. Isso fica evidente em cada detalhe: no jeito como as crianças vivem intensamente cada dia, na importância das pequenas coisas e naquela sensação única de que o verão é um período de transformação. Luca é, acima de tudo, um filme sobre crescer e perceber que o mundo é maior — e mais complexo — do que a gente imaginava.

Visualmente, a animação foge do padrão ultra-realista que muita gente associa à Pixar. Aqui, o traço é mais suave, quase artesanal. As influências vão do cinema italiano clássico ao estilo poético de Hayao Miyazaki, criando um visual acolhedor e cheio de personalidade. Portorosso não parece um cenário artificial, mas um lugar onde dá vontade de morar, mesmo que só por algumas horas.

As vozes do elenco original ajudam a dar vida a esse universo. Jacob Tremblay entrega um Luca sensível e genuíno, enquanto Jack Dylan Grazer faz de Alberto um personagem carismático, que usa a bravata como forma de esconder suas próprias inseguranças. Emma Berman, como Giulia, traz equilíbrio ao trio, representando coragem, curiosidade e empatia. Juntos, eles formam um conjunto que funciona de maneira orgânica e emocionante.

Por trás da fantasia e do humor leve, o longa-metragem fala sobre temas muito reais. A ideia dos monstros marinhos que precisam esconder quem realmente são funciona como uma metáfora poderosa sobre se sentir diferente, deslocado ou fora do padrão. O filme aborda aceitação, medo do julgamento, amadurecimento e a importância de encontrar pessoas que nos enxerguem de verdade. Tudo isso sem discursos pesados ou explicações óbvias — Luca prefere mostrar, sentir e deixar que o público interprete.

A trilha sonora de Dan Romer acompanha esse tom com precisão. As músicas ajudam a criar o clima italiano e reforçam as emoções da história, sem nunca roubar a cena. É o tipo de trilha que você talvez não perceba conscientemente o tempo todo, mas que faz toda a diferença na experiência.

Lançado originalmente em 2021, em meio à pandemia, o filme acabou chegando direto ao streaming em muitos países, onde rapidamente se tornou um fenômeno. Foi o filme mais assistido do ano nas plataformas digitais e recebeu elogios da crítica, além de indicações ao Globo de Ouro e ao Oscar de Melhor Animação. Com o tempo, ganhou relançamento nos cinemas e até um curta derivado, Ciao Alberto, mostrando que o público realmente se conectou com aquele universo.

Domingo Maior aposta em suspense intenso com “Aqueles Que Me Desejam a Morte” na noite de hoje (28)

0

O Domingo Maior de hoje, 28 de dezembro, aposta em um suspense intenso e atmosférico com a exibição de Aqueles Que Me Desejam a Morte, produção que coloca o espectador no centro de uma caçada implacável em meio à natureza selvagem. Estrelado por Angelina Jolie (Malévola, Sr. & Sra. Smith), o filme combina ação, drama psicológico e elementos de neo-western em uma história marcada pela sobrevivência, culpa e redenção.

De acordo com a sinopse do AdoroCinema, a trama acompanha um adolescente que se torna a única testemunha de um assassinato envolvendo interesses poderosos. A partir daí, ele passa a ser perseguido por assassinos profissionais dispostos a tudo para silenciá-lo. Para protegê-lo, surge Hannah, uma experiente especialista em sobrevivência que vive isolada em uma torre de observação florestal. Assombrada por erros do passado, ela vê nessa missão uma chance de se redimir — mesmo sabendo que o perigo é maior do que qualquer coisa que já enfrentou.

Enquanto a perseguição avança, um incêndio florestal de grandes proporções se espalha rapidamente, transformando a floresta de Montana em um labirinto mortal. O fogo deixa de ser apenas pano de fundo e passa a atuar como uma força narrativa constante, aumentando a sensação de urgência e claustrofobia, mesmo em um cenário aberto.

Dirigido por Taylor Sheridan (A Qualquer Custo, Yellowstone), o longa se destaca por tratar seus personagens com profundidade emocional. Hannah está longe de ser uma heroína tradicional: suas fragilidades e medos são expostos em cada decisão, tornando sua jornada mais humana e crível. Sheridan aposta menos em explosões gratuitas e mais em tensão contínua, construída a partir do silêncio, da paisagem e das escolhas morais.

O elenco de apoio reforça o peso dramático da história. Nicholas Hoult (Mad Max: Estrada da Fúria, X-Men) interpreta um dos antagonistas com frieza calculada, enquanto Jon Bernthal (The Walking Dead, O Justiceiro) traz intensidade a um personagem marcado por conflitos internos. Aidan Gillen (Game of Thrones, Peaky Blinders) completa o time com uma presença ameaçadora, e Finn Little (Yellowstone) entrega uma atuação sensível como o jovem em fuga, equilibrando vulnerabilidade e coragem.

Baseado no romance homônimo de Michael Koryta, o filme teve sua produção anunciada em 2019 e foi rodado no Novo México, cenário escolhido para potencializar a aridez e a sensação de isolamento da narrativa. A trilha sonora composta por Brian Tyler (Velozes e Furiosos, Os Mercenários) intensifica o suspense e acompanha de forma precisa os momentos mais críticos da trama.

Eu Contei ao Pôr do Sol Sobre Você | O drama tailandês que transformou sentimentos em fenômeno internacional

0

Lançada em 2020, a série tailandesa Eu Contei ao Pôr do Sol Sobre Você rapidamente ultrapassou fronteiras e se consolidou como uma das produções asiáticas mais sensíveis e elogiadas dos últimos anos. Disponível no Viki, o drama conquistou público e crítica ao apostar em uma narrativa intimista, focada em emoções contidas, conflitos internos e na complexidade das relações humanas.

A história acompanha Teh (Billkin Putthipong Assaratanakul) e Oh Aew (PP Krit Amnuaydechkorn), amigos de infância que tiveram sua relação interrompida por um desentendimento marcante. Anos depois, já em uma fase decisiva da juventude, os dois se reencontram em uma aula de chinês. O que começa como um encontro desconfortável logo se transforma em um processo delicado de reconexão, no qual sentimentos antigos ressurgem e novos questionamentos ganham espaço.

Mais do que um romance, a série aborda temas como amadurecimento, identidade, insegurança e o medo de não ser suficiente — questões universais, especialmente presentes no período de transição entre a adolescência e a vida adulta. A relação entre Teh e Oh Aew é construída de forma gradual, sem exageros ou atalhos narrativos, respeitando o tempo das emoções e a complexidade do passado que os une.

Escrita e dirigida por Boss Naruebet Kuno, a produção se destaca pela linguagem visual cuidadosa. A fotografia valoriza paisagens naturais, silêncios e expressões sutis, criando uma atmosfera quase poética. Cada detalhe, do enquadramento à trilha sonora, contribui para intensificar a experiência emocional do espectador, tornando a série mais contemplativa do que convencional.

As atuações de Billkin e PP Krit são frequentemente apontadas como um dos maiores trunfos da obra. Com interpretações contidas e extremamente naturais, os atores conseguem transmitir conflitos internos profundos sem a necessidade de grandes diálogos, apostando em gestos, olhares e pausas carregadas de significado.

O impacto de Eu Contei ao Pôr do Sol Sobre Você foi imediato. A série gerou grande repercussão nas redes sociais, impulsionou a carreira de seus protagonistas e ajudou a ampliar a visibilidade das produções tailandesas no mercado internacional. Além disso, tornou-se referência dentro do gênero BL (Boys’ Love), justamente por fugir de estereótipos e tratar o romance com sensibilidade, respeito e profundidade emocional.

Ao transformar uma história simples em uma experiência emocional intensa, Eu Contei ao Pôr do Sol Sobre Você prova que grandes narrativas não dependem de excessos, mas de verdade. É uma série que convida o público a sentir, refletir e, sobretudo, lembrar que algumas conexões, mesmo marcadas por dores do passado, podem ganhar novas chances quando há coragem para encarar os próprios sentimentos.

Titanic retorna à TV! Um romance eterno em meio à maior tragédia dos mares na Temperatura Máxima deste domingo (28)

0

Neste domingo, 28 de dezembro, a TV Globo exibe em sua tradicional Temperatura Máxima um dos filmes mais marcantes de todos os tempos: Titanic. Lançado em 1997 e dirigido por James Cameron, o longa é muito mais do que um relato sobre um naufrágio histórico. Trata-se de uma história sobre amor, liberdade, escolhas e memória, temas que continuam atravessando gerações e tocando o público como se fosse a primeira vez.

Ambientado no início do século XX, o filme nos leva à viagem inaugural do imponente RMS Titanic, símbolo máximo de luxo, progresso e arrogância humana. Entre salões grandiosos, jantares sofisticados e promessas de um futuro brilhante, está Rose DeWitt Bukater (Kate Winslet), uma jovem da alta sociedade que, apesar de todo o conforto, se sente sufocada por uma vida que não escolheu. Pressionada pela mãe e comprometida com Cal Hockley (Billy Zane), um homem rico e controlador, Rose carrega um vazio silencioso que ninguém ao seu redor parece perceber.

É nesse cenário que surge Jack Dawson (Leonardo DiCaprio), um artista pobre, carismático e livre, que embarca no Titanic quase por acaso. Jack vive o oposto de Rose: não tem dinheiro, nem status, mas carrega uma leveza contagiante e uma vontade imensa de aproveitar cada instante. O encontro entre os dois muda tudo. O que começa como uma amizade improvável logo se transforma em um romance intenso, capaz de atravessar barreiras sociais e desafiar regras rígidas impostas por uma sociedade profundamente desigual.

James Cameron constrói essa história de amor como uma ponte emocional entre o público e a tragédia real do Titanic. Ao acompanhar Jack e Rose, o espectador se conecta não apenas com o casal, mas com todos os passageiros que embarcaram acreditando que nada poderia dar errado. Quando o navio colide com o iceberg, o impacto não é apenas visual — é emocional. A sensação de segurança se desfaz, e o luxo dá lugar ao caos, ao medo e à luta desesperada pela sobrevivência.

A narrativa do filme é contada a partir de um olhar sensível e melancólico. No presente, uma expedição liderada por Brock Lovett (Bill Paxton) busca nos destroços do Titanic o lendário diamante conhecido como Coração do Oceano. A descoberta de um antigo desenho leva até Rose Dawson Calvert, agora idosa, interpretada por Gloria Stuart, que decide revisitar suas memórias e revelar sua verdadeira história. É através desse relato que o passado ganha vida, transformando lembranças em imagens carregadas de emoção.

Um dos grandes méritos de Titanic é mostrar que o naufrágio não foi apenas uma tragédia técnica, mas humana. O filme evidencia como classe social, poder e privilégios continuaram determinando quem tinha mais chances de sobreviver, mesmo diante da morte iminente. Cameron não suaviza o horror do desastre, mas também não perde de vista a humanidade presente em pequenos gestos de coragem, amor e sacrifício.

A produção do filme foi tão grandiosa quanto a história que ele conta. Cameron mergulhou nos destroços reais do Titanic, construiu uma réplica quase em escala real do navio e combinou efeitos práticos com tecnologia digital de ponta para recriar o naufrágio com impressionante realismo. Na época, o orçamento de cerca de 200 milhões de dólares assustou Hollywood, mas o resultado se transformou em um sucesso histórico.

Quando chegou aos cinemas, Titanic se tornou um fenômeno cultural. O filme conquistou o público, dominou as bilheteiras e entrou para a história ao vencer 11 Oscars, incluindo Melhor Filme e Melhor Diretor, além de arrecadar mais de 2 bilhões de dólares mundialmente. Por anos, foi o filme de maior bilheteria de todos os tempos, consolidando James Cameron como um dos diretores mais bem-sucedidos da indústria.

No Brasil, o impacto também foi gigantesco. Exibido pela TV aberta em diferentes ocasiões, Titanic sempre reuniu milhões de espectadores diante da televisão, tornando-se um verdadeiro evento popular. A história de Jack e Rose atravessou gerações, emocionando quem viu o filme nos cinemas, quem o descobriu em VHS, DVD ou streaming, e agora quem o reencontra nas tardes de domingo.

Rever Titanic hoje é perceber como ele continua atual. A busca de Rose por liberdade, o desejo de Jack de viver sem amarras e a reflexão sobre o orgulho humano diante da natureza permanecem relevantes. Mais do que um romance trágico, o filme fala sobre aproveitar a vida, fazer escolhas verdadeiras e deixar marcas que vão além do tempo.

O começo do adeus! Teaser do episódio final de Stranger Things prepara fãs para a batalha definitiva

0

A contagem regressiva começou de vez para os fãs de Stranger Things. No último sábado, 27 de dezembro, a Netflix apresentou um novo teaser do episódio final da série, movimentando as redes sociais e trazendo um misto de ansiedade, nostalgia e emoção. O capítulo derradeiro será lançado no dia 31 de dezembro, às 22h, marcando não apenas o fim de uma temporada, mas o encerramento de uma das histórias mais queridas da televisão moderna. Depois de quase uma década acompanhando os mistérios de Hawkins, o público se prepara para dizer adeus a personagens que cresceram junto com ele.

Criada, escrita e dirigida pelos irmãos Matt e Ross Duffer, Stranger Things nasceu como uma homenagem ao cinema dos anos 1980, mas rapidamente se transformou em um fenômeno global. Misturando ficção científica, terror, suspense e drama adolescente, a série encontrou um equilíbrio raro entre o fantástico e o emocional. Ao longo dos anos, a produção também contou com Shawn Levy e Dan Cohen como produtores executivos, ajudando a consolidar o projeto como um dos maiores sucessos da Netflix.

Desde sua estreia, em julho de 2016, a série apresentou ao mundo a pequena cidade fictícia de Hawkins, onde o desaparecimento do jovem Will Byers desencadeia uma sequência de eventos sobrenaturais. A chegada de Onze, uma garota com poderes telecinéticos que foge de experimentos secretos do governo, muda completamente o destino de Mike, Dustin, Lucas e de toda a cidade. O que parecia apenas uma busca por um amigo perdido se transforma em um confronto direto com o aterrador Mundo Invertido, um reflexo sombrio da realidade que passa a ameaçar tudo e todos.

A cada temporada, a série cresceu em escala e maturidade. A segunda fase mostrou que sobreviver nem sempre significa estar salvo, especialmente para Will, que carrega sequelas profundas de sua experiência no outro mundo. Já a terceira temporada levou os personagens para o verão de 1985, misturando romances adolescentes, conflitos familiares e uma conspiração russa escondida sob a fachada de um shopping center. A série deixava claro que, apesar do tom nostálgico, as consequências eram cada vez mais reais.

Esse amadurecimento atingiu seu ponto máximo na quarta temporada, lançada em 2022. Dividida em dois volumes, ela apresentou Vecna, o vilão mais cruel e perturbador da história da série, responsável por mortes chocantes e pela revelação de segredos fundamentais sobre a origem do Mundo Invertido. O desfecho deixou Hawkins literalmente partida ao meio, com fendas abertas e a sensação de que o pior ainda estava por vir. Desde então, ficou claro que a quinta temporada precisaria ser grandiosa — e definitiva.

A história final se passa em novembro de 1987, com Hawkins sob quarentena militar após a abertura das fendas. A cidade está isolada, ferida e dominada pelo medo. Enquanto isso, o grupo de amigos se reúne mais uma vez com um único objetivo: encontrar e derrotar Vecna, que desapareceu misteriosamente. O governo intensifica a perseguição a Onze, forçando-a a se esconder novamente, enquanto o aniversário do desaparecimento de Will se aproxima, trazendo à tona um medo antigo e familiar. A promessa é de uma batalha final mais sombria, perigosa e emocional do que qualquer outra enfrentada até aqui.

O teaser do episódio final reforça exatamente essa atmosfera. Sem revelar grandes detalhes, ele aposta em silêncios, olhares tensos e imagens que sugerem perdas, sacrifícios e decisões irreversíveis. A sensação é de que não se trata apenas de vencer um vilão, mas de sobreviver ao impacto emocional dessa despedida. Para acabar com o pesadelo, todos precisarão estar unidos, uma última vez, como no início de tudo.

Parte essencial desse sucesso é o elenco que conquistou o público desde o primeiro episódio. Winona Ryder, David Harbour, Millie Bobby Brown, Finn Wolfhard, Gaten Matarazzo, Caleb McLaughlin, Noah Schnapp, Natalia Dyer, Charlie Heaton, Joe Keery, Cara Buono e Matthew Modine formam o núcleo central da história. Ao longo das temporadas, novos personagens interpretados por Sadie Sink, Dacre Montgomery, Sean Astin, Paul Reiser, Maya Hawke, Priah Ferguson e Brett Gelman ampliaram o universo da série e aprofundaram seus conflitos emocionais, tornando a despedida ainda mais difícil.

Antes de ganhar o nome Stranger Things, o projeto se chamaria Montauk e seria ambientado em Nova Iorque, explorando teorias da conspiração e experimentos secretos do governo durante a Guerra Fria. Com o tempo, os irmãos Duffer decidiram abraçar de vez a estética dos anos 1980, recheando a série de referências a filmes, músicas, videogames e obras que marcaram época. As influências de Steven Spielberg, John Carpenter e Stephen King ajudaram a moldar o clima nostálgico e assustador que se tornou a marca registrada da produção.

Nas sombras do poder! Liam Neeson encara conspiração e redenção em “Agente das Sombras” no Cine Maior deste domingo (28)

0

Neste domingo, 28 de dezembro de 2025, o Cine Maior Especial, da Record TV, leva ao ar Agente das Sombras, um thriller de ação e suspense que mergulha em conspirações governamentais, dilemas morais e no desgaste emocional de quem passou a vida servindo a um sistema que já não reconhece. Lançado em 2022 e dirigido por Mark Williams, o filme traz Liam Neeson em mais um papel que dialoga diretamente com sua fase mais madura no cinema: a de homens cansados, marcados pelo passado e em busca de algum tipo de redenção.

Mesmo cercado por críticas negativas e um desempenho decepcionante nas bilheteiras, Agente das Sombras ganha um novo fôlego ao chegar à televisão aberta. Longe das expectativas do circuito comercial, o longa se apresenta como um entretenimento tenso e reflexivo, que propõe questionamentos incômodos sobre abuso de poder, segredos de Estado e os limites da obediência.

Liam Neeson interpreta Travis Block, um veterano da Guerra do Vietnã que trabalha de forma extraoficial para o FBI. Ele não aparece em crachás, não participa de coletivas de imprensa e não recebe medalhas. Travis é acionado quando algo precisa ser resolvido rapidamente, fora das regras e longe da opinião pública. É um “homem das sombras”, alguém que existe apenas para proteger a imagem da instituição.

No entanto, ao contrário de outros personagens de ação, Travis não demonstra orgulho do que faz. Pelo contrário: ele carrega no corpo e no olhar o peso de anos vivendo à margem, resolvendo problemas que nunca poderiam vir à tona. Seu maior desejo é simples e profundamente humano: se aposentar, deixar para trás a violência e aproveitar o tempo com a filha Amanda e a neta Natalie. Esse sonho, porém, parece cada vez mais distante.

A história toma um rumo decisivo com o assassinato da ativista política Sofia Flores, morta em um atropelamento claramente planejado após discursar em defesa da igualdade racial e de gênero em Washington, D.C. O crime, brutal e silencioso, levanta suspeitas desde o início, principalmente quando o FBI trata o caso com rapidez excessiva e poucas explicações.

É nesse cenário que Travis recebe mais uma missão de seu superior, Gabriel Robinson, diretor do FBI vivido por Aidan Quinn. Robinson ordena que ele capture Dusty Crane, um agente infiltrado que passou a agir por conta própria. Dusty, interpretado por Taylor John Smith, não é apenas um fugitivo: ele representa a consciência que começa a despertar dentro de um sistema acostumado a agir sem questionamentos.

Dusty decide procurar a imprensa e entra em contato com a jornalista Mira Jones, personagem de Emmy Raver-Lampman. Ele afirma ter provas de uma operação ultrassecreta chamada Operação Unity, um programa interno do FBI responsável por eliminar civis considerados ameaças ideológicas ao governo. Entre essas vítimas estaria a própria Sofia Flores.

Enquanto Travis tenta cumprir sua missão, ele começa a perceber que algo não está certo. Dusty não age como um criminoso comum, mas como alguém desesperado para expor uma verdade perigosa. O encontro marcado entre Dusty e Mira em um museu, seguido de uma nova fuga e da execução do agente, marca um ponto de virada definitivo para o protagonista.

Antes de morrer, Dusty revela a Travis que foi o próprio Robinson quem ordenou o assassinato de Sofia. A partir daí, o filme deixa de ser apenas uma história de perseguição e assume um tom mais político e crítico, colocando em xeque a estrutura de poder que Travis ajudou a sustentar por anos.

A personagem de Mira Jones ganha força conforme a trama avança. Determinada a publicar a verdade, ela enfrenta resistência, ameaças veladas e o medo constante de ser silenciada. Seu editor, Drew, decide seguir com a investigação, mas acaba pagando o preço mais alto: ele é assassinado em um falso acidente de carro, da mesma forma que Sofia e Dusty.

Esses eventos reforçam o clima de paranoia e deixam claro que ninguém está seguro. Nem mesmo Travis. Pouco depois, sua filha e sua neta desaparecem, colocando o protagonista diante de um dilema devastador: continuar obedecendo ordens ou enfrentar o sistema para salvar quem ama.

Consumido pela culpa e pela revolta, Travis decide agir por conta própria. Com a ajuda de Mira, ele descobre que Robinson mantém um cofre em casa com segredos do governo. O confronto entre os dois é um dos momentos centrais do filme, não apenas pela ação, mas pelo embate moral entre quem acredita estar acima da lei e quem finalmente decide não fechar mais os olhos.

Dentro do cofre, Travis encontra provas concretas da Operação Unity. Um tiroteio se inicia, agentes tentam silenciá-lo, mas, pela primeira vez, ele luta não para proteger a instituição, e sim para expor seus crimes. A vitória de Travis não é celebrada com euforia, mas com alívio. É o fim de um ciclo de obediência cega.

Com as provas em mãos, Travis força Robinson a se entregar às autoridades. A conspiração vem à tona, Mira conclui sua reportagem revelando o acobertamento governamental, e o FBI é colocado sob escrutínio público. Amanda e Natalie reaparecem, protegidas até então por um programa de testemunhas, permitindo que Travis finalmente se aposente e retome uma vida que parecia perdida.

O final não é triunfal no sentido clássico dos filmes de ação. Não há discursos grandiosos ou promessas de um mundo melhor. Há, sim, a sensação de que a verdade, mesmo tardia, ainda tem valor — e que escolhas difíceis podem, de alguma forma, trazer paz.

Agente das Sombras enfrentou duras críticas em seu lançamento. Com orçamento estimado em US$ 43 milhões e arrecadação global em torno de US$ 16 milhões, o filme foi considerado um fracasso comercial. Muitos críticos apontaram falhas no roteiro, na direção e na construção das cenas de ação, além de classificarem o longa como um dos trabalhos mais fracos da carreira recente de Liam Neeson.

O que podemos esperar da 2ª temporada de Heated Rivalry? Série retorna focada nas consequências do amor e da carreira fora do gelo

0

A segunda temporada de Heated Rivalry chega cercada de grandes expectativas após uma estreia que conquistou público e crítica. O drama romântico esportivo rapidamente se transformou em um fenômeno, especialmente entre os fãs de histórias intensas ambientadas no universo do hóquei. Agora, a série retorna com a promessa de aprofundar emoções, conflitos e escolhas que vão muito além da rivalidade dentro do gelo.

Inspirada no livro The Long Game, a nova fase da produção apresenta Shane Hollander e Ilya Rozanov em um momento mais maduro de suas vidas. Se na primeira temporada o foco estava no romance secreto, marcado por encontros impulsivos e pela tensão constante entre dois rivais, os novos episódios devem explorar as consequências desse relacionamento construído ao longo dos anos. O amor continua presente, mas agora dividido com questões mais complexas, como carreira, exposição pública, expectativas externas e o peso emocional de decisões que não podem mais ser adiadas.

O showrunner Tierney comentou recentemente que o processo criativo da segunda temporada ainda está em desenvolvimento, mas deixou claro o entusiasmo em retornar a esse universo. Segundo ele, a riqueza do material original permite expandir a narrativa de forma mais profunda, explorando sentimentos, dilemas internos e conflitos que não se limitam apenas ao romance. A ideia é entregar uma temporada menos impulsiva, mais reflexiva e emocionalmente densa, acompanhando a evolução natural dos personagens.

Mesmo com a possibilidade de ampliar o universo da série e dar mais espaço para personagens secundários, Tierney reforçou que Heated Rivalry continua sendo, acima de tudo, a história de Shane e Ilya. A nova temporada deve investir em momentos mais íntimos, revelando inseguranças, medos e o desafio constante de equilibrar uma carreira altamente competitiva com um relacionamento que precisa resistir à pressão do mundo exterior.

Os protagonistas, vividos por Hudson Williams e Connor Storrie, foram um dos grandes destaques da primeira temporada. A química entre os dois foi amplamente elogiada e considerada essencial para o sucesso da série. Esse fator, aliado a um roteiro sensível e a uma direção cuidadosa, ajudou Heated Rivalry a alcançar números impressionantes, tornando-se a produção original mais assistida da história da Crave e garantindo reconhecimento internacional.

Lançada inicialmente no Canadá em novembro de 2025 e distribuída rapidamente para outros países, a série conquistou fãs ao abordar temas como sexualidade, identidade, ambição profissional e afeto de maneira honesta e envolvente. Ao retratar personagens complexos e reais, a série conseguiu ir além do rótulo de romance esportivo e se firmar como um drama emocionalmente relevante.

“Avatar: Fogo e Cinzas” ultrapassa meio bilhão de dólares e reafirma o domínio de James Cameron nas bilheteiras

0

Mesmo após mais de uma década desde o lançamento do primeiro Avatar, o universo criado por James Cameron segue demonstrando um fôlego raro no cinema contemporâneo. O terceiro capítulo da franquia, Avatar: Fogo e Cinzas, já ultrapassou a marca de US$ 500 milhões em arrecadação mundial, consolidando mais um desempenho expressivo para a saga ambientada em Pandora. Segundo dados do Box Office Mojo, o filme acumula US$ 544 milhões desde sua estreia nos cinemas.

Desse total, aproximadamente US$ 153 milhões foram registrados no mercado doméstico, enquanto a bilheteria internacional responde por cerca de US$ 390 milhões, confirmando o forte apelo global da franquia. O longa estreou oficialmente em 19 de dezembro e rapidamente se posicionou entre os maiores lançamentos do período, repetindo um padrão já conhecido dos filmes assinados por Cameron.

Distribuído pela 20th Century Studios e produzido pela Lightstorm Entertainment, Fogo e Cinzas é a continuação direta de Avatar: O Caminho da Água (2022) e amplia ainda mais o escopo narrativo da série. James Cameron, diretor e idealizador da franquia, segue no comando criativo do projeto, reforçando sua assinatura autoral marcada por ambição técnica e narrativa, como já visto em títulos como Titanic (1997), O Exterminador do Futuro (1984) e Aliens, o Resgate (1986).

O elenco reúne nomes que se tornaram indissociáveis do universo de Pandora. Sam Worthington retorna como Jake Sully (Fúria de Titãs, Até o Último Homem), enquanto Zoe Saldaña reprisa o papel de Neytiri (Guardiões da Galáxia, Star Trek). Stephen Lang volta como o implacável Quaritch (Don’t Breathe, Terra Nova), e Sigourney Weaver segue presente na franquia após sua trajetória icônica em filmes como Alien e Os Caça-Fantasmas.

Também retornam Kate Winslet (Titanic, O Leitor), Giovanni Ribisi (Ted, O Resgate do Soldado Ryan), Joel David Moore (Dodgeball, Grandma’s Boy), CCH Pounder (The Shield, The Good Wife), Edie Falco (Família Soprano, Nurse Jackie) e Cliff Curtis (Fear the Walking Dead, O Piano). Entre os personagens mais jovens, o filme conta com Britain Dalton, Trinity Bliss, Jack Champion e Bailey Bass, reforçando o foco na nova geração da família Sully.

A principal novidade do elenco é Oona Chaplin (Game of Thrones, Taboo), que assume um papel central como Varang, líder do Povo das Cinzas. A personagem surge como uma figura decisiva no novo conflito de Pandora, trazendo uma presença ameaçadora e ampliando o leque cultural das tribos Na’vi apresentadas até aqui.

O sucesso de Fogo e Cinzas é resultado de um planejamento iniciado ainda em meados de 2006, quando Cameron já expressava o desejo de expandir o universo de Avatar, caso o primeiro filme fosse bem recebido. Após o sucesso histórico do longa de 2009, as sequências foram oficialmente anunciadas em 2010. O terceiro filme, inicialmente previsto para 2015, acabou sendo adiado diversas vezes.

Os atrasos ocorreram principalmente devido à decisão de transformar Avatar em uma saga de cinco filmes e ao desenvolvimento de tecnologias inéditas, especialmente para a captura de movimento subaquática em larga escala. Esse avanço técnico exigiu anos de pesquisa e testes, impactando diretamente o cronograma, mas também elevando o padrão visual da franquia.

As filmagens do longa-metragem começaram em 25 de setembro de 2017, na Nova Zelândia, e ocorreram simultaneamente às de O Caminho da Água. O processo de produção se estendeu até o final de dezembro de 2020, totalizando mais de três anos de trabalho. Com orçamento estimado em US$ 400 milhões, o filme figura entre as produções mais caras já realizadas, refletindo a escala e a complexidade do projeto.

A estreia mundial aconteceu em 1º de dezembro de 2025, no Dolby Theatre, em Hollywood. O lançamento comercial ocorreu em Portugal no dia 17 de dezembro e no Brasil em 18 de dezembro, com forte presença em salas premium, como IMAX e Dolby Cinema, formatos pensados para potencializar a experiência visual e sonora característica da franquia.

Na narrativa, a história se passa um ano após a consolidação de Jake e Neytiri junto ao Clã Metkayina. A família Sully enfrenta o luto pela morte de Neteyam, enquanto um novo conflito começa a se formar em Pandora. O surgimento do Povo das Cinzas, uma tribo Na’vi agressiva liderada por Varang, altera o equilíbrio do planeta. A aliança dessa nova facção com Quaritch intensifica a guerra e leva a consequências profundas e devastadoras.

Com Bill Murray, “Um Santo Vizinho” é o destaque da Sessão de Sábado de hoje (27) na TV Globo

0

A Sessão de Sábado de hoje, 27 de dezembro, exibe na TV Globo o filme Um Santo Vizinho, uma comédia dramática sensível e tocante que encontra beleza justamente onde menos se espera. Lançado em 2014, o longa dirigido e escrito por Theodore Melfi conquistou público e crítica ao contar uma história simples, mas profundamente humana, sobre amizade, solidão e a capacidade de enxergar bondade além das aparências.

A trama acompanha Maggie, interpretada por Melissa McCarthy, uma mãe solo que se muda com o filho Oliver para o Brooklyn em busca de um recomeço. Enfrentando dificuldades financeiras e uma rotina exaustiva de trabalho, Maggie se vê sem alternativas quando precisa de alguém para cuidar do menino após a escola. É nesse contexto que surge Vincent MacKenna, o vizinho da porta ao lado, vivido por Bill Murray, um homem que, à primeira vista, parece tudo menos confiável. (Via: AdoroCinema)

Vincent é um aposentado ranzinza, beberrão, endividado e socialmente inadequado. Sua postura grosseira e seu jeito nada acolhedor fazem com que seja visto como alguém a ser evitado. Ainda assim, motivado mais pelo dinheiro do que por empatia, ele aceita tomar conta de Oliver. O acordo informal entre os dois começa de forma desajeitada, marcada por situações pouco convencionais e escolhas questionáveis por parte de Vincent.

Oliver, interpretado por Jaeden Lieberher, é um garoto de apenas 10 anos, tímido, inteligente e em processo de adaptação a uma nova escola e a uma nova realidade. Ele sofre bullying dos colegas e sente falta de estabilidade emocional, algo comum para uma criança que vive apenas com a mãe e enfrenta constantes mudanças. É justamente nessa vulnerabilidade que a amizade entre ele e Vincent começa a se formar.

Apesar de levar Oliver a lugares nada apropriados para sua idade, como bares, corridas de cavalos e até encontros com Daka, uma prostituta grávida interpretada por Naomi Watts, Vincent acaba se tornando uma figura importante na vida do garoto. Aos poucos, Oliver passa a enxergar além da superfície e descobre que, por trás da fachada áspera, existe um homem solitário, marcado por perdas e frustrações, mas ainda capaz de gestos sinceros de cuidado.

O grande mérito de Um Santo Vizinho está em não romantizar seus personagens. Vincent não é transformado em herói clássico, nem Oliver surge como um salvador ingênuo. A relação entre os dois se constrói a partir de falhas, erros e aprendizados mútuos. Oliver encontra em Vincent alguém que o trata como igual, sem condescendência, enquanto Vincent passa a lidar com sua própria solidão ao se permitir criar laços novamente.

Melissa McCarthy entrega uma atuação contida e emocionalmente honesta, fugindo do tom exagerado de algumas de suas comédias mais conhecidas. Maggie é retratada como uma mulher cansada, mas determinada, que tenta equilibrar trabalho, maternidade e as próprias dores. Já Naomi Watts surpreende em um papel delicado e cheio de humanidade, dando profundidade a uma personagem que poderia facilmente cair em estereótipos.

Bill Murray, por sua vez, é o coração do filme. Sua interpretação de Vincent mistura humor ácido, melancolia e fragilidade, criando um personagem que provoca risos e incômodo na mesma medida. Murray constrói um homem falho, longe de qualquer ideal de perfeição, mas extremamente real. É justamente essa imperfeição que torna Vincent tão cativante.

O roteiro de Theodore Melfi se destaca por tratar temas delicados com leveza e respeito. Questões como abandono, envelhecimento, solidão, julgamento social e empatia são abordadas de forma acessível, sem discursos moralistas. O título do filme ganha sentido ao longo da narrativa, quando a ideia de “santidade” é apresentada não como perfeição, mas como a capacidade de fazer o bem, mesmo carregando inúmeros defeitos.

As filmagens tiveram início em julho de 2013 e foram realizadas majoritariamente no Brooklyn, em Nova York, cenário que contribui para o tom acolhedor e cotidiano da história. A ambientação urbana reforça o contraste entre a dureza da vida adulta e a sensibilidade do olhar infantil de Oliver.

Para quem deseja assistir a Um Santo Vizinho além da exibição na TV, o filme também está disponível no formato SVOD, por streaming, no catálogo da Amazon Prime Video.

almanaque recomenda