Hollywood aposta alto! “Vingadores: Doutor Destino” surge como forte candidato à maior bilheteria de 2026

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Uma análise recente publicada pela Bloomberg acendeu o sinal verde para um possível fenômeno de bilheteria em 2026. De acordo com a reportagem, Vingadores: Doutor Destino aparece como o filme mais cotado para liderar as arrecadações globais do próximo ano. A projeção não nasce do entusiasmo isolado de fãs, mas de um amplo estudo que reuniu a avaliação de mais de 700 profissionais da indústria cinematográfica, entre executivos, analistas de mercado, distribuidores e especialistas em exibição. As informações são do Omelete.

O consenso entre os entrevistados é que o novo longa da Marvel Studios reúne características que raramente aparecem juntas em um mesmo projeto. Peso de marca, apelo nostálgico, ambição narrativa e uma estratégia clara de reposicionamento do estúdio após um período de recepção mais morna do público. Para muitos, Doutor Destino não é apenas mais um capítulo do MCU, mas uma tentativa consciente de recuperar o status de “evento cultural” que marcou a franquia na década passada.

A escolha dos irmãos Anthony e Joe Russo para a direção reforça essa leitura. Responsáveis por alguns dos filmes mais bem-sucedidos da Marvel, como Guerra Infinita e Ultimato, os cineastas retornam ao universo que ajudaram a consolidar. O roteiro fica a cargo de Michael Waldron e Stephen McFeely, dupla experiente em histórias de grande escala e narrativas que envolvem múltiplos personagens e linhas temporais, algo essencial para a complexidade que o novo filme propõe.

Outro elemento central para o entusiasmo do mercado é o elenco. O filme reúne um número impressionante de personagens de diferentes núcleos do MCU, além de integrar figuras vindas do antigo universo dos X-Men da 20th Century Fox. Estão confirmados nomes como Chris Hemsworth, Anthony Mackie, Sebastian Stan, Letitia Wright, Paul Rudd, Florence Pugh, Simu Liu, Tom Hiddleston e Winston Duke, entre muitos outros. A presença de atores associados aos X-Men clássicos, como Patrick Stewart, Ian McKellen, James Marsden e Rebecca Romijn, amplia ainda mais o alcance geracional do projeto.

No centro dessa engrenagem está uma decisão que surpreendeu o mercado: o retorno de Robert Downey Jr. ao Universo Marvel, agora em um papel oposto ao que o consagrou. O ator assume o manto de Victor Von Doom, o Doutor Destino, um dos vilões mais complexos e emblemáticos dos quadrinhos. Para os analistas ouvidos pela Bloomberg, essa escolha tem um peso simbólico e comercial enorme. Downey Jr. foi o rosto da ascensão do MCU, e vê-lo agora como antagonista cria uma curiosidade imediata, capaz de mobilizar públicos dentro e fora da base tradicional de fãs.

Narrativamente, Vingadores: Doutor Destino se propõe a ser um grande ponto de convergência. A trama reúne Vingadores, Wakandanos, Quarteto Fantástico, Novos Vingadores e os X-Men em uma aliança forçada contra uma ameaça que ultrapassa fronteiras políticas, científicas e até dimensionais. Esse encontro, aguardado há anos pelos fãs, é tratado como um dos principais motores de interesse do filme e um dos motivos para as altas expectativas de bilheteria.

O caminho até essa nova configuração, no entanto, foi marcado por mudanças significativas nos bastidores. Em 2022, a Marvel havia anunciado The Kang Dynasty e Secret Wars como os filmes que encerrariam a Fase Seis e a Saga do Multiverso. O vilão Kang, interpretado por Jonathan Majors, era o eixo central desse planejamento. Com o passar do tempo, mudanças criativas e problemas externos levaram o estúdio a rever completamente essa estratégia.

A saída de Destin Daniel Cretton da direção, a troca de roteiristas e, posteriormente, o desligamento de Majors fizeram a Marvel recalcular sua rota. Em julho de 2024, veio a reformulação definitiva: o retorno dos irmãos Russo, a entrada de Stephen McFeely no roteiro e a redefinição do foco narrativo com a introdução de Doutor Destino como grande antagonista da saga. Para o mercado, a decisão foi interpretada como uma tentativa de restaurar confiança e coesão criativa.

As filmagens tiveram início em abril de 2025 no tradicional Pinewood Studios, na Inglaterra, e se estenderam até setembro. Além do Reino Unido, a produção também passou pelo Bahrein, reforçando a escala internacional do projeto. O tamanho do elenco e a logística envolvida evidenciam a ambição do estúdio em entregar um espetáculo cinematográfico de grandes proporções.

Com estreia marcada para 18 de dezembro de 2026 nos Estados Unidos, Vingadores: Doutor Destino ocupará uma das janelas mais disputadas do calendário, tradicionalmente associada a grandes sucessos de bilheteria. Já Vingadores: Secret Wars, sua continuação direta, está prevista para dezembro de 2027 e deve funcionar como o desfecho dessa nova etapa do MCU.

Crítica – A Grande Inundação é um ensaio sensível sobre tecnologia e a fragilidade humana

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A Grande Inundação é um filme que não se contenta em contar uma história linear ou oferecer respostas fáceis. A obra aposta em uma narrativa densa, carregada de simbolismos e reflexões, que se desdobra como um estudo sobre as relações humanas em um mundo cada vez mais mediado pela tecnologia. Com uma abordagem ambiciosa, o longa se lança sem receios em temas existenciais e contemporâneos, buscando compreender o papel do afeto, da consciência e da empatia em uma sociedade que avança rapidamente rumo à automação emocional.

Desde seus primeiros minutos, o filme estabelece um tom contemplativo. A narrativa se constrói com ritmo deliberadamente cadenciado, convidando o espectador a observar, mais do que simplesmente acompanhar. Essa escolha pode afastar parte do público acostumado a estruturas tradicionais, mas se revela coerente com a proposta da obra, que exige atenção, paciência e envolvimento emocional. A Grande Inundação não se explica por completo; ele sugere, provoca e instiga.

No centro da trama está a tentativa de compreender o que nos define enquanto seres humanos quando até mesmo sentimentos, decisões e memórias passam a ser atravessados pela inteligência artificial. O filme não trata a tecnologia como vilã nem como solução definitiva. Pelo contrário, apresenta a IA como um reflexo de nossas próprias contradições, desejos e limites. Ao atribuir às máquinas a capacidade de aprender, interpretar e até simular emoções, o longa levanta questionamentos inquietantes sobre autenticidade, livre-arbítrio e a natureza do amor.

Um dos grandes méritos de A Grande Inundação está em sua recusa a simplificar o afeto humano. O amor, aqui, não é apresentado como algo romântico ou idealizado, mas como uma força complexa, muitas vezes contraditória, difícil de definir e ainda mais difícil de controlar. Em um mundo onde algoritmos tentam prever comportamentos e decisões, o filme reforça a ideia de que o amor permanece como um território instável, imprevisível e profundamente humano. É justamente essa imprevisibilidade que o torna essencial para dar sentido à existência.

As relações entre os personagens são construídas com cuidado e densidade emocional. Os diálogos evitam explicações didáticas e optam por silêncios, olhares e ações sutis, que revelam conflitos internos e dilemas morais. Cada interação carrega camadas de significado, funcionando como extensão das questões centrais do filme. A conexão entre humanos e sistemas artificiais, por exemplo, nunca é tratada como uma curiosidade futurista, mas como uma consequência direta de uma sociedade que busca conforto, controle e pertencimento.

Do ponto de vista técnico, o longa-metragem se apoia em uma direção segura e consciente de sua proposta. A mise-en-scène valoriza espaços amplos e, ao mesmo tempo, opressivos, sugerindo um mundo à beira do colapso emocional e ético. A fotografia contribui para essa sensação, com escolhas de iluminação que reforçam o contraste entre o frio da tecnologia e a fragilidade das emoções humanas. A trilha sonora surge de forma discreta, mas eficaz, acompanhando os momentos mais introspectivos sem manipular a emoção do espectador.

O roteiro demonstra maturidade ao articular debates complexos sem recorrer a discursos explicativos. A inteligência artificial é discutida a partir de suas implicações sociais e filosóficas, e não apenas como ferramenta narrativa. O filme questiona até que ponto delegar decisões às máquinas pode esvaziar a experiência humana e se, ao fazer isso, não estamos abrindo mão de aspectos fundamentais da nossa identidade. Ainda assim, evita um tom alarmista, reconhecendo que a tecnologia também nasce do desejo humano de compreender e melhorar o mundo.

É importante destacar que A Grande Inundação não busca consenso. Sua estrutura aberta e suas escolhas narrativas deixam espaço para interpretações diversas, o que pode gerar leituras distintas sobre suas mensagens. Essa ambiguidade é parte essencial da experiência proposta. O filme entende que respostas definitivas não existem quando se trata de sentimentos, ética e futuro, e transforma essa incerteza em motor dramático.

No panorama atual do cinema, marcado por produções cada vez mais orientadas ao consumo rápido, o filme se destaca por sua coragem em desacelerar e provocar reflexão. Trata-se de uma obra que exige envolvimento intelectual e emocional, oferecendo em troca uma experiência que permanece com o espectador após os créditos finais. Ao abordar a inteligência artificial não como um fim em si, mas como um espelho das nossas próprias escolhas, o filme reafirma a centralidade do afeto e da empatia em um mundo em constante transformação.

Cine Aventura Especial deste sábado (27) aposta em ficção científica com suspense e dilemas éticos em “57 Segundos”

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O Cine Aventura Especial deste sábado, 27 de dezembro de 2025, leva ao ar na Record o filme 57 Segundos, uma produção americana de ficção científica com suspense lançada em 2023. Dirigido por Rusty Cundieff e escrito por ele em parceria com Macon Blair, o longa é inspirado no conto “Fallen Angel”, de E. C. Tubb, e aposta menos em efeitos grandiosos e mais em conflitos humanos, decisões difíceis e consequências irreversíveis. No centro da história estão Josh Hutcherson e Morgan Freeman, dois personagens de gerações distintas, conectados por um artefato capaz de alterar o curso do tempo e, principalmente, a vida de quem o utiliza.

De acordo com a sinopse do AdoroCinema, a trama começa a se desenhar a partir da dor de Franklin Fausti, vivido por Josh Hutcherson. Ele é um blogueiro de tecnologia que construiu sua presença na internet denunciando práticas abusivas de grandes empresas, especialmente do setor farmacêutico. Essa militância não nasceu do acaso. Franklin carrega uma ferida aberta que nunca cicatrizou: a morte de sua irmã gêmea, Natalie. Ela se tornou dependente de um analgésico chamado Zonastin, um medicamento amplamente divulgado como seguro, mas que escondia efeitos devastadores. O vício levou Natalie a um caminho sem volta, deixando Franklin com a sensação constante de que alguém precisa ser responsabilizado.

Essa perda transforma o protagonista em alguém obstinado, inquieto e emocionalmente exausto. Não se trata apenas de expor uma empresa poderosa, mas de tentar dar sentido à própria dor. Para Franklin, derrubar os responsáveis pelo Zonastin é a única forma de honrar a memória da irmã e, talvez, encontrar algum tipo de paz. O principal alvo dessa cruzada é Sig Thorensen, interpretado por Greg Germann, um executivo influente, acostumado a manipular informações e pessoas para proteger sua imagem e seus lucros.

O rumo da história muda quando Franklin consegue algo que parecia improvável: uma entrevista com Anton Burrell, personagem de Morgan Freeman. Burrell é um magnata da tecnologia conhecido por investir em soluções inovadoras para a área da saúde. Diferente dos executivos tradicionais, ele se apresenta como alguém preocupado em melhorar a vida das pessoas, usando ciência e tecnologia de forma direta e prática. Às vésperas de um grande evento, Burrell se prepara para apresentar ao mundo o Tri Band 5, um dispositivo de pulso que promete controlar doenças como diabetes, hipertensão e até dependência química por meio de neurotecnologia avançada, sem a necessidade de medicamentos convencionais.

Durante a apresentação do Tri Band 5, o clima de celebração é interrompido por uma tentativa de assassinato. Um homem armado invade o local e tenta matar Burrell. Em um impulso inesperado, Franklin intervém e consegue salvar a vida do empresário. Esse ato muda completamente o destino dos dois. O blogueiro deixa de ser apenas um espectador crítico e passa a fazer parte de algo muito maior, ainda que não compreenda isso de imediato.

No meio da confusão, Franklin encontra um anel que Burrell deixa cair. O objeto, à primeira vista comum, guarda um segredo extraordinário. Ao colocá lo no dedo, Franklin descobre que o anel permite voltar exatamente 57 segundos no tempo. Não são horas, dias ou anos. São apenas 57 segundos. Esse limite específico dá ao filme uma identidade própria, pois obriga o personagem a lidar com decisões rápidas e consequências quase imediatas.

No início, Franklin encara o poder como um presente inesperado. Ele passa a testar os limites do anel em situações banais, usando a habilidade para ganhar dinheiro em apostas, corrigir pequenas falhas do cotidiano e até tentar se aproximar romanticamente de Jala, sua colega interpretada por Lovie Simone. Esses momentos revelam um lado mais leve da narrativa, mas também expõem algo essencial: como é fácil se acostumar à sensação de controle absoluto, mesmo que por poucos segundos.

Com o tempo, Franklin percebe que o uso constante do anel começa a moldar sua forma de pensar. Ele passa a agir com menos cautela, confiando que sempre poderá voltar atrás. Essa falsa segurança se transforma em um vício silencioso. O filme faz um paralelo claro entre o poder do anel e o próprio Zonastin, o remédio que destruiu a vida de Natalie. Ambos oferecem alívio imediato, mas cobram um preço alto a longo prazo.

Decidido a usar o poder para algo que realmente importe, Franklin volta sua atenção para Sig Thorensen. Com a ajuda do anel, ele consegue se infiltrar na empresa farmacêutica e reunir provas que vão muito além de suspeitas. Documentos internos revelam que a companhia sabia dos efeitos nocivos do Zonastin e, ainda assim, optou por mantê lo no mercado. A investigação também aponta o envolvimento direto da empresa na morte de Susan Miller, uma funcionária que ameaçava tornar públicas as irregularidades.

Com o apoio de seu amigo Andy, Franklin organiza as informações e as entrega à imprensa. A repercussão é imediata e devastadora para Thorensen, que vê sua imagem pública desmoronar. Sentindo o cerco se fechar, o executivo parte para uma atitude extrema: sequestra Franklin e tenta fugir do país em um avião particular. O desespero do vilão contrasta com a exaustão emocional do protagonista, que já não tem certeza se controlar o tempo vale todo o sofrimento que acumulou.

A fuga termina de forma trágica. A aeronave sofre uma falha após a intervenção policial e cai. Franklin sobrevive ao acidente, enquanto Thorensen morre, encerrando sua trajetória marcada por ganância e negligência. O desfecho não traz celebração, apenas um silêncio pesado, típico de histórias em que a justiça chega, mas deixa cicatrizes profundas.

Após os acontecimentos, Anton Burrell procura Franklin e faz uma proposta tentadora. Ele o convida para integrar sua equipe de pesquisa e ajudar a desenvolver ainda mais a tecnologia ligada ao anel e à manipulação do tempo. Para qualquer outra pessoa, seria a oportunidade de uma vida. Para Franklin, porém, a experiência recente falou mais alto. Ele reconhece o perigo daquele poder, o risco de dependência e as consequências imprevisíveis de mexer no tempo.

Em uma decisão que define sua jornada, Franklin recusa a oferta e escolhe destruir o anel. O gesto simboliza maturidade, responsabilidade e a compreensão de que nem tudo o que é possível deve ser utilizado. Ao abrir mão do poder, ele aceita que algumas dores não podem ser apagadas, apenas enfrentadas.

Nos bastidores, 57 Segundos também carrega histórias interessantes. As filmagens começaram em abril de 2022, na cidade de Lafayette, na Louisiana. Durante o período de produção, Morgan Freeman esteve bastante envolvido com o projeto, chegando a contribuir com ideias para o roteiro e participando ativamente da escolha de locações. Sua presença ajudou a dar mais peso e consistência ao filme, tanto dentro quanto fora das telas.

Netflix divulga primeiro trailer de Apex, suspense de sobrevivência com Charlize Theron e Taron Egerton

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A Netflix divulgou nesta semana o primeiro trailer de Apex, seu novo filme de ação e suspense que promete prender a atenção do público do início ao fim. Estrelado por Charlize Theron e Taron Egerton, o longa aposta em uma narrativa intensa de sobrevivência ambientada na natureza selvagem da Austrália e já desponta como uma das apostas mais fortes da plataforma para 2026. O trailer, que já está disponível, antecipa uma história marcada por tensão psicológica, perseguição implacável e personagens levados ao limite.

Segundo a sinopse oficial, o filme acompanha uma mulher em luto que decide testar seus próprios limites em meio à paisagem hostil do interior australiano. O que começa como uma jornada solitária de enfrentamento emocional rapidamente se transforma em um pesadelo quando ela se vê envolvida em um jogo mortal com um predador humano. Esse predador é um serial killer, interpretado por Taron Egerton, que transforma a imensidão da natureza em um território de caça.

Charlize Theron assume o papel da protagonista e também atua como produtora do projeto, reforçando sua presença cada vez mais forte nos bastidores de grandes produções. Conhecida por personagens intensos e fisicamente exigentes, a atriz volta a explorar o gênero de ação e suspense, agora em um contexto mais cru e psicológico. O trailer sugere uma personagem marcada pela dor da perda, mas também pela força necessária para sobreviver em um ambiente onde não há regras claras, apenas instinto.

Já Taron Egerton surge em um papel bem diferente de seus trabalhos mais populares. Longe do carisma de personagens heroicos ou carismáticos, o ator interpreta um assassino frio, calculista e extremamente perigoso. A prévia indica um antagonista silencioso, que usa o terreno a seu favor e parece sempre um passo à frente, ampliando a sensação de ameaça constante. O embate entre os dois personagens promete ser o coração emocional e narrativo de Apex.

O elenco ainda conta com Eric Bana, cuja participação adiciona ainda mais peso dramático à produção. Embora detalhes sobre seu personagem ainda não tenham sido totalmente revelados, sua presença sugere um papel importante na dinâmica da história, seja como aliado, figura ambígua ou parte do passado dos protagonistas.

A direção fica por conta de Baltasar Kormákur, cineasta conhecido por seu trabalho em filmes de sobrevivência e histórias ambientadas em cenários extremos. Produções anteriores do diretor já demonstraram sua habilidade em transformar paisagens naturais em elementos centrais da narrativa, quase como personagens vivos, e essa característica parece estar fortemente presente no novo longa da Netflix. O roteiro é assinado por Jeremy Robbins, que constrói uma trama focada menos em explicações e mais em tensão crescente, decisões difíceis e consequências brutais.

A Netflix garantiu os direitos do filme em fevereiro de 2024, apostando desde cedo no potencial do projeto. A produção reúne nomes de peso da indústria, como Ian Bryce e a Chernin Entertainment, além da RVK Productions, de Kormákur. Charlize Theron também atua como produtora ao lado de Dawn Olmstead, AJ Dix e Beth Kono, reforçando o envolvimento criativo da atriz em todas as etapas do filme. Peter Chernin, Jenno Topping e David Ready completam o time de produtores.

O projeto foi ganhando forma ao longo de 2024 e 2025. Taron Egerton entrou oficialmente para o elenco em novembro de 2024, enquanto Eric Bana foi confirmado em janeiro de 2025. Pouco depois, as filmagens principais tiveram início, em fevereiro de 2025, com locações em Sydney e em diversas regiões de Nova Gales do Sul, na Austrália. O cenário natural, marcado por vastas áreas isoladas, clima imprevisível e paisagens imponentes, promete ser um dos grandes destaques visuais do filme.

Promessa do drama esportivo, Olympo é cancelada após apenas uma temporada

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A série espanhola Olympo não vai mesmo continuar na Netflix. Após meses de incerteza, a plataforma de streaming decidiu cancelar oficialmente a produção, encerrando a história ainda em sua primeira temporada. A informação foi divulgada pelo portal TVLine e confirmada pela Netflix em dezembro de 2025, frustrando parte do público que acompanhou a estreia recente da atração.

Lançada em 20 de junho de 2025, a produção chegou ao catálogo com uma proposta ambiciosa. A série apostava em um universo pouco explorado nas produções juvenis: o esporte de alto rendimento. A trama se passava no fictício Centro de Alto Rendimento Pirineus, uma escola de treinamento de elite que reúne jovens atletas considerados as maiores promessas do país. Ali, cada treino, cada competição e cada decisão podia definir o futuro profissional dos personagens.

Mais do que mostrar o esforço físico e a disciplina exigidos pelo esporte, Olympo focava nos conflitos humanos por trás da busca pelo sucesso. Os episódios exploravam relações de amizade, rivalidade, romances e disputas de ego, tudo potencializado pela pressão constante por resultados. O grande objetivo dos alunos era conquistar contratos de patrocínio com a Olympo, uma poderosa marca global de moda esportiva dentro da narrativa, símbolo máximo de prestígio e ascensão social.

No entanto, apesar da premissa atrativa, a série não conseguiu alcançar o impacto esperado. A recepção da crítica foi discreta e, em alguns casos, negativa. No site Rotten Tomatoes, Olympo registrou 43% de aprovação, com base em sete avaliações. Entre os principais apontamentos estavam o ritmo irregular da história e o desenvolvimento superficial de alguns personagens, fatores que podem ter dificultado uma maior conexão com o público.

O elenco reunia nomes jovens e promissores da dramaturgia espanhola, como Clara Galle, Nira Osahia, Agustín Della Corte e Nuno Gallego. Também integravam a produção Maria Romanillos, Andy Duato, Najwa Khliwa, Juan Perales, Martí Cordero, Jesús Rubio e Melina Matthews, formando um grupo diverso que representava diferentes modalidades esportivas e realidades sociais. Mesmo com boas atuações individuais, a série acabou não se firmando como um dos grandes destaques do catálogo.

O cancelamento da trama reflete uma política cada vez mais rígida da plaforma de streaming em relação às renovações. Atualmente, a empresa analisa com cuidado dados como audiência inicial, engajamento do público e taxa de conclusão dos episódios. Produções que não atingem esses indicadores costumam ser interrompidas rapidamente, mesmo quando deixam ganchos narrativos ou apresentam potencial para evoluir em temporadas futuras.

Para quem acompanhou a série desde a estreia, a decisão deixa um gosto amargo. A primeira temporada terminou com diversas histórias em aberto, incluindo rivalidades esportivas e conflitos pessoais que prometiam ganhar mais profundidade. Nas redes sociais, fãs comentaram que Olympo precisava de mais tempo para amadurecer e encontrar sua identidade, algo que nunca chegou a acontecer.

SISU: Estrada da Vingança chega ao streaming e transforma luto em fúria em sequência ainda mais brutal

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Sem passar pelos cinemas brasileiros, SISU: Estrada da Vingança já está disponível para aluguel e compra nas principais plataformas digitais, marcando o retorno de um dos anti-heróis mais implacáveis do cinema de ação recente. Escrita e dirigida novamente por Jalmari Helander, a sequência expande o universo apresentado no cultuado SISU e aposta em uma narrativa mais pessoal, intensa e simbólica, sem abrir mão da brutalidade que consagrou o filme original.

O longa traz de volta Jorma Tommila no papel de Aatami Korpi, veterano do exército finlandês conhecido como o homem que se recusa a morrer. Após sobreviver aos horrores da guerra e desaparecer do mundo ao forjar a própria morte, Korpi tenta recomeçar sua vida longe da violência. Essa tentativa, no entanto, é frágil. O passado encontra uma forma cruel de ressurgir e o empurra novamente para um caminho de sangue, dor e confrontos inevitáveis.

Diferente do primeiro filme, que se concentrava na sobrevivência extrema em meio à brutalidade da Lapônia durante a Segunda Guerra Mundial, Estrada da Vingança nasce de um impulso mais íntimo. Ao retornar ao local onde sua família foi assassinada, Korpi toma uma decisão profundamente simbólica: desmontar completamente a antiga casa onde viveu com seus entes queridos. Cada parede, cada pedaço de madeira é cuidadosamente colocado em um caminhão. Mais do que reconstruir uma casa em outro lugar, o gesto representa a tentativa de preservar a memória daquilo que lhe foi arrancado à força, transformando o luto em movimento e dando ao filme um peso emocional constante.

Essa busca por paz, no entanto, dura pouco. Rumores de que Aatami Korpi ainda está vivo chegam aos ouvidos de Igor Draganov, ex-oficial do Exército Vermelho e responsável direto pela morte de sua família. Interpretado por Stephen Lang, Draganov surge como um antagonista movido pela obsessão. Para ele, Korpi não pode continuar existindo. O finlandês deixa de ser apenas um sobrevivente e passa a representar uma lenda viva, uma falha que precisa ser eliminada. A partir daí, o filme se transforma em uma perseguição implacável por estradas, vilarejos e paisagens devastadas, em um jogo mortal onde não há espaço para misericórdia.

Fiel ao espírito do original, o longa não economiza na violência nem nas sequências de ação criativas. Helander aposta em confrontos físicos intensos, soluções improvisadas e situações extremas, sempre retratando Korpi como uma força da natureza quase impossível de conter. A diferença está no peso dramático que acompanha cada cena. Aqui, cada golpe carrega significado. Korpi não luta apenas para sobreviver, mas para proteger aquilo que restou de sua história, fazendo com que a ação deixe de ser apenas espetáculo e passe a funcionar como extensão direta de seu trauma e resistência.

Produzido por Petri Jokiranta, da Subzero Film Entertainment, e Mike Goodridge, da Good Chaos, com supervisão de Eric Charles para a Stage 6 Films, braço da Sony, o filme amplia seu alcance internacional. Ao contrário do primeiro SISU, ambientado na Lapônia finlandesa, a sequência foi filmada na Estônia, explorando novos cenários que reforçam a sensação constante de deslocamento e perseguição.

O longa teve sua estreia mundial no Fantastic Fest, em 21 de setembro de 2025, antes de chegar aos cinemas da Finlândia em 22 de outubro. Nos Estados Unidos, o lançamento ocorreu em 21 de novembro, pelas distribuidoras Sony Pictures Releasing, Stage 6 Films e Screen Gems. No Brasil, o público já pode conferir o filme por meio de aluguel ou compra digital, com preços a partir de R$ 29,90, nas plataformas Apple TV, Amazon Prime Video, Claro TV+, Google Play, Microsoft Films & TV (Xbox) e Vivo Play.

Tommy Shelby encara seu acerto final de contas em Peaky Blinders: O Homem Imortal, que revela primeiro teaser

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A lâmina voltou a brilhar. A Netflix divulgou o primeiro teaser oficial de “Peaky Blinders: O Homem Imortal, longa-metragem que encerra de vez a saga liderada por Tommy Shelby, personagem que transformou Cillian Murphy em um ícone global da dramaturgia contemporânea. Com legendas em português, a prévia não entrega grandes diálogos ou explicações, mas faz algo ainda mais poderoso: reconecta o público à atmosfera sombria, silenciosa e carregada de tensão que consagrou a série britânica ao longo de quase uma década.

O filme estreia em cinemas selecionados no dia 6 de março de 2026 e chega ao catálogo da Netflix em 20 de março do mesmo ano, apostando em uma estratégia híbrida que reforça o peso do projeto. Não se trata apenas de um “filme derivado”, mas do verdadeiro ponto final de uma história que atravessou guerras, crises políticas, disputas familiares e o colapso emocional de um homem que nunca soube viver longe do conflito.

O teaser de “O Homem Imortal” segue a cartilha que Peaky Blinders sempre dominou com maestria: imagens fortes, olhares vazios, ambientes enevoados e uma sensação constante de que algo está prestes a ruir. Não há exposição óbvia da trama, mas fica claro que o passado de Tommy Shelby continua sendo seu maior inimigo.

A prévia sugere um personagem mais envelhecido, marcado não apenas pelo tempo, mas pelo acúmulo de escolhas difíceis, perdas irreparáveis e inimigos que nunca deixaram de observá-lo. O título do filme, inclusive, parece carregar uma ironia cruel: Tommy pode ter sobrevivido a tudo, mas a que custo?

Desde sua estreia em 2013, Peaky Blinders se consolidou como um fenômeno cultural, e grande parte desse sucesso passa pela atuação de Cillian Murphy. Ao longo das seis temporadas, o ator construiu um protagonista complexo, distante de qualquer idealização clássica de herói. Tommy Shelby sempre foi brilhante, estratégico e carismático — mas também profundamente quebrado por dentro.

No longa, Murphy retorna para aquela que promete ser sua despedida definitiva do personagem. A expectativa é de um Tommy ainda mais introspectivo, lidando com as consequências de tudo o que construiu e destruiu. Se a série acompanhou sua ascensão, o filme parece interessado em explorar o peso final de seu legado.

Além de Murphy, o filme traz de volta nomes importantes da série, garantindo continuidade emocional e narrativa. Sophie Rundle, Ned Dennehy, Packy Lee, Ian Peck e Stephen Graham reprisam seus papéis, reforçando a sensação de fechamento para personagens que acompanharam o público por anos.

Ao mesmo tempo, “O Homem Imortal” apresenta novas adições de peso ao elenco, como Rebecca Ferguson, Tim Roth, Barry Keoghan e Jay Lycurgo. A presença desses atores indica que o filme não se limitará a resolver pendências antigas, mas também introduzirá novos conflitos, ameaças e dinâmicas de poder. Ainda que seus personagens estejam cercados de mistério, a escolha do elenco aponta para embates intensos, tanto psicológicos quanto políticos.

O roteiro é assinado por Steven Knight, criador da série, o que garante fidelidade total ao espírito de Peaky Blinders. Knight sempre deixou claro que a história de Tommy Shelby precisava de um encerramento mais amplo do que a televisão poderia oferecer, e o cinema surge como o espaço ideal para isso.

Na direção, Tom Harper assume a missão de traduzir para a linguagem cinematográfica tudo aquilo que fez da série um sucesso: fotografia estilizada, ritmo cadenciado, trilha sonora moderna contrastando com a ambientação histórica e uma narrativa que prefere sugerir a explicar. A promessa é de um filme visualmente ambicioso, sem perder o tom cru e humano que sempre definiu a obra.

As filmagens começaram em 30 de setembro de 2024, no Digbeth Loc Studios, em Birmingham, região que sempre serviu como base estética e simbólica da série. Outras gravações ocorreram em áreas de West Midlands e em St Helens, incluindo antigas instalações industriais, como as da Pilkington Watson Street.

Essas locações não são apenas cenários, mas extensões da narrativa. O ambiente industrial, frio e desgastado reforça o sentimento de decadência e tensão que acompanha a trajetória de Tommy Shelby desde o início. As filmagens foram concluídas em 13 de dezembro de 2024, marcando o fim de uma produção cercada de expectativa tanto por parte do público quanto da própria equipe.

Sessão da Tarde de Natal aposta em emoção e magia com “Genie – A Magia do Natal” nesta quarta (24)

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Na véspera de Natal, a Sessão da Tarde desta quarta-feira, 24 de dezembro, convida o público a desacelerar e refletir sobre o verdadeiro significado das festas de fim de ano com a exibição de Genie – A Magia do Natal. Mais do que uma fantasia leve, o filme propõe uma jornada sensível sobre escolhas, prioridades e a importância de valorizar o que realmente importa quando o tempo parece sempre insuficiente.

Lançado em 2023, o longa é dirigido por Sam Boyd e tem roteiro assinado por Richard Curtis, conhecido mundialmente por histórias que equilibram humor, afeto e humanidade. Ambientado em uma Nova York moderna e agitada, o filme atualiza um antigo conto natalino para os dilemas contemporâneos, especialmente aqueles vividos por quem se vê consumido pelo trabalho e pela busca incessante por sucesso.

O protagonista da história é Bernard, interpretado por Paapa Essiedu, um homem competente e ambicioso que trabalha em uma prestigiada casa de leilões. À primeira vista, sua vida profissional parece bem-sucedida, mas o preço cobrado é alto. Bernard vive sob pressão constante, tenta atender às exigências exageradas de seu chefe e acaba abrindo mão de momentos essenciais ao lado da família. O trabalho deixa de ser apenas uma ocupação e passa a dominar completamente sua rotina e seus pensamentos.

Esse desequilíbrio se torna evidente no aniversário de sua filha, Eve, quando Bernard chega atrasado, esgotado e sem sequer lembrar do presente prometido. O constrangimento daquele momento é mais do que um detalhe: ele simboliza a distância emocional que se formou entre pai e filha. Sua esposa, Julie, interpretada por Denée Benton, já cansada das ausências e promessas não cumpridas, se sente invisível dentro do próprio casamento. Pouco depois, a família se fragmenta, e Bernard se vê sozinho, tentando entender onde tudo começou a dar errado.

Como se não bastasse o colapso familiar, o protagonista também perde o emprego. A demissão surge como um golpe duro, mas necessário, desmontando a falsa sensação de segurança que ele acreditava ter construído. É nesse momento de fragilidade que o elemento fantástico surge de forma inesperada. Ao mexer em uma antiga caixa guardada em casa, Bernard liberta Flora, uma gênia com mais de dois mil anos de existência, interpretada com carisma por Melissa McCarthy.

Diferente da imagem clássica de gênios obedientes e silenciosos, Flora é expansiva, irônica, emotiva e cheia de personalidade. Ela explica que pode realizar desejos sem limites, mas deixa claro que a magia não substitui decisões conscientes. Ainda assim, Bernard, tomado pelo desespero de consertar tudo rapidamente, passa a usar os desejos de forma impulsiva, acreditando que soluções mágicas resolverão problemas construídos ao longo de anos.

Os resultados, como era de se esperar, nem sempre saem como o planejado. Alguns desejos acabam gerando situações caóticas e cômicas, criando momentos de humor que aliviam o tom dramático da narrativa. No entanto, por trás das trapalhadas, o filme constrói uma crítica clara à ideia de que felicidade pode ser alcançada por atalhos. Cada erro de Bernard reforça que não existe magia capaz de substituir presença, diálogo e responsabilidade emocional.

Com o passar do tempo, Bernard começa a enxergar além de seus próprios interesses. Ele se reaproxima da filha, passa a ouvir mais e a participar de pequenos momentos que antes ignorava. Paralelamente, decide usar alguns desejos para ajudar outras pessoas, realizando sonhos simples de Natal e oferecendo acolhimento a quem vive à margem da sociedade. Esses gestos, embora mágicos em sua execução, são profundamente humanos em sua intenção.

Flora também passa por uma transformação significativa. Após séculos sendo usada apenas como ferramenta para satisfazer vontades alheias, ela experimenta algo novo: pertencimento. Pela primeira vez, alguém demonstra preocupação genuína com seus sentimentos. A gênia desenvolve laços, cria conexões e até se permite viver um romance inesperado, mostrando que o desejo de amar e ser amada atravessa o tempo, a idade e até a imortalidade.

O ponto mais tocante da história acontece quando Bernard percebe que Flora carrega uma solidão silenciosa. Em um gesto de empatia e amadurecimento, ele faz um desejo que não beneficia diretamente a si mesmo: libertá-la. Esse momento marca a verdadeira mudança do personagem, que finalmente entende que amar também é saber abrir mão e pensar no bem do outro.

Mesmo após libertar Flora, Bernard ainda tem desejos restantes. Ao invés de buscar riqueza ou status, ele decide voltar no tempo e reviver um momento crucial: o aniversário da filha. Desta vez, faz escolhas diferentes. Abandona o emprego que o consumia, coloca a família em primeiro lugar e oferece à filha um presente simples, mas carregado de significado. O filme deixa claro que o valor daquele gesto não está no objeto, mas na intenção e no tempo dedicado.

Genie – A Magia do Natal encerra sua história com uma mensagem acolhedora e necessária, especialmente em tempos acelerados. O longa lembra que sucesso profissional perde o sentido quando não há alguém com quem compartilhá-lo e que o verdadeiro espírito natalino está nos encontros, no cuidado e na capacidade de recomeçar.

Undercover Miss Hong apresenta nova prévia e destaca retorno de Park Shin-hye

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Esdras Ribeiro
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O k-drama Undercover Miss Hong começa a se consolidar como um dos lançamentos mais aguardados da televisão sul-coreana em 2026. Estrelada por Park Shin-hye, a produção teve recentemente um novo trailer e pôster oficial divulgados, reforçando o tom dinâmico e sofisticado da série. O material promocional antecipa uma narrativa que combina investigação financeira e humor pontual.

Na trama, Park Shin-hye interpreta Hong Geum-bo, uma inspetora de elite do Serviço de Supervisão Financeira. Aos 35 anos, a personagem é reconhecida por sua disciplina e eficiência, vivendo quase exclusivamente para o trabalho. Sua missão mais delicada surge quando irregularidades financeiras levantam suspeitas dentro de uma grande corretora de valores. Para se aproximar do centro do esquema sem levantar desconfianças, Geum-bo assume uma identidade falsa e passa a atuar como uma funcionária júnior de 20 anos, aproveitando sua aparência jovem para sustentar o disfarce.

A partir dessa infiltração, a série constrói sua narrativa em torno do contraste entre a experiência da protagonista e o papel que ela precisa representar diariamente. Acostumada a decisões estratégicas e investigações complexas, Geum-bo se vê obrigada a lidar com tarefas básicas, hierarquias rígidas e a falta de reconhecimento, o que gera situações de leve comicidade sem comprometer o tom profissional da história. Esse recurso ajuda a humanizar a personagem e aproxima o público de sua jornada.

O ambiente corporativo é retratado como um espaço de constantes disputas internas, interesses ocultos e relações construídas sob pressão. Enquanto investiga movimentações financeiras suspeitas, a protagonista precisa administrar interações delicadas com colegas de trabalho, manter sua identidade em segredo e evitar qualquer deslize que possa comprometer a operação. O roteiro explora com cuidado as tensões do mundo financeiro, destacando como ambição e poder influenciam comportamentos e decisões.

Entre os personagens centrais está Shin Jeong-woo, o CEO da corretora investigada. Ambicioso e estrategicamente calculista, ele se torna uma peça-chave dentro da trama, tanto pelo papel que ocupa na empresa quanto pela relação indireta que desenvolve com Geum-bo. A dinâmica entre os dois adiciona camadas de tensão e expectativa à narrativa, sustentando parte do suspense da série.

A vida pessoal da protagonista também é abordada de forma pontual, especialmente por meio de sua relação com a irmã mais nova, Hong Jang-mi. Essa conexão familiar funciona como um contraponto emocional à frieza do ambiente corporativo e às exigências da missão, oferecendo breves momentos de intimidade e vulnerabilidade que aprofundam o retrato da personagem principal.

Undercover Miss Hong tem estreia marcada para 17 de janeiro de 2026 no canal tvN, com exibição aos sábados e domingos, às 21h10, no horário da Coreia do Sul. A escolha do horário nobre evidencia a confiança da emissora no potencial da produção e no apelo de Park Shin-hye como protagonista.

Netflix confirma Johan Renck como diretor da série live action de Assassin’s Creed

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Esdras Ribeiro
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A adaptação em live action de Assassin’s Creed para a Netflix começa a ganhar forma concreta e sinaliza uma abordagem ambiciosa desde seus primeiros anúncios. A plataforma confirmou que Johan Renck será o diretor responsável por conduzir a série. O cineasta sueco ficou mundialmente conhecido pelo trabalho em Chernobyl, minissérie elogiada pela crítica e pelo público por sua narrativa densa, rigor histórico e forte carga emocional. A informação foi divulgada pela revista Variety e reforça a intenção da Netflix de investir em uma produção de alto nível, capaz de ir além do entretenimento superficial.

A escolha de Renck não é apenas simbólica. Seu histórico demonstra uma atenção especial à construção de atmosferas, ao desenvolvimento psicológico dos personagens e ao tratamento sério de temas complexos. Esses elementos dialogam diretamente com o universo de Assassin’s Creed, que sempre se destacou por explorar conflitos morais, disputas ideológicas e consequências humanas de decisões tomadas ao longo da história. A série promete, portanto, adotar um tom mais maduro e reflexivo, sem abrir mão da ação e do apelo visual que consagraram a franquia.

O elenco inicial já confirmado também indica um projeto em expansão. Laura Marcus, Toby Wallace, Lola Petticrew e Zachary Hart estão entre os primeiros nomes anunciados, embora seus papéis ainda não tenham sido revelados. A expectativa é de que novos atores sejam divulgados nos próximos meses, ampliando o escopo narrativo da produção. A diversidade do elenco sugere uma trama que pode transitar por diferentes épocas, culturas e pontos de vista, algo essencial para capturar a essência da saga.

Assassin’s Creed nasceu em 2007 como uma série de jogos eletrônicos de ação e aventura com elementos de RPG, desenvolvida e publicada pela Ubisoft. Desde o início, a franquia se diferenciou por sua proposta narrativa, que mistura ficção histórica com eventos e personagens reais. No centro da história está o conflito milenar entre duas sociedades secretas. De um lado estão os Assassinos, defensores do livre arbítrio e da liberdade individual. Do outro, os Templários, que acreditam que a ordem absoluta é o caminho para alcançar a paz mundial. Essa rivalidade atravessa séculos e serve como base para todas as histórias da série.

Outro pilar fundamental do universo de Assassin’s Creed é a existência de uma civilização antiga que viveu antes dos humanos. Extremamente avançada, essa sociedade foi destruída por uma imensa tempestade solar, deixando para trás artefatos poderosos que influenciam o destino da humanidade. Esses objetos se tornam alvo da disputa entre Assassinos e Templários, adicionando uma camada de ficção científica à narrativa e conectando passado, presente e futuro.

A linha narrativa moderna da franquia começa em 2012, com Desmond Miles, um jovem que descobre ser descendente de importantes membros da Ordem dos Assassinos. Com o auxílio do Animus, uma máquina capaz de acessar memórias genéticas, Desmond passa a reviver as experiências de seus ancestrais. A partir desse recurso, o público é transportado para períodos históricos marcantes, como as Cruzadas, o Renascimento italiano, a Revolução Americana e o Egito Antigo. Essa estrutura permitiu à série revisitar momentos históricos sob uma perspectiva alternativa, mesclando fatos reais com elementos de ficção.

A origem criativa de Assassin’s Creed tem forte influência do romance Alamut, do escritor esloveno Vladimir Bartol, que aborda temas como fanatismo, manipulação ideológica e poder. Inicialmente, o projeto surgiu como um derivado da franquia Prince of Persia. O conceito original foi desenvolvido como uma ideia para Prince of Persia The Two Thrones, mas acabou evoluindo para uma nova propriedade intelectual. A equipe criativa optou por criar um universo próprio, ambientado no Oriente Médio e inspirado nos Assassinos islâmicos que atuaram durante o período das Cruzadas.

Com o passar dos anos, Assassin’s Creed se consolidou como uma das maiores franquias da indústria dos games. Os títulos foram lançados para uma ampla variedade de plataformas, incluindo diferentes gerações de consoles, computadores, dispositivos móveis e serviços de streaming. A maioria dos jogos principais foi produzida pela Ubisoft Montreal, com o apoio de outros estúdios da empresa em projetos paralelos, modos multijogador e versões portáteis. Essa expansão ajudou a manter a franquia relevante ao longo de quase duas décadas.

Além dos videogames, o universo de Assassin’s Creed também se expandiu para outras mídias. Livros, quadrinhos, produtos licenciados e um filme lançado em 2016 fazem parte desse ecossistema. Embora a adaptação cinematográfica tenha recebido críticas mistas, ela demonstrou o potencial da franquia fora dos consoles e abriu caminho para novas interpretações. A série da Netflix surge, assim, como uma oportunidade de explorar esse universo com mais profundidade, aproveitando o formato seriado para desenvolver personagens, conflitos e arcos narrativos de forma mais consistente.

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