Nesta quinta-feira, 14 de agosto, o Conversa com Bial traz ao público uma edição especial dedicada à música cristã no Brasil, com a presença de dois nomes importantes do cenário gospel: a cantora Shirley Carvalhaes e o músico Arthur Martins. O programa, transmitido pela TV Globo, propõe uma reflexão sobre a história, a influência e o papel cultural da música cristã, além de explorar como artistas do gênero se conectam com o público brasileiro.
Nesta edição, Bial convida Shirley e Arthur a falarem sobre trajetórias, desafios e conquistas, destacando a importância da música gospel não apenas como entretenimento, mas também como expressão de fé, identidade e transformação social.
Uma trajetória marcada pela fé e pela música
Shirley é reconhecida como uma das pioneiras da música gospel no Brasil, com décadas de carreira que a consolidaram como referência no gênero. Ao longo do programa, a cantora compartilha histórias de sua trajetória, desde os primeiros passos na música até os grandes sucessos que marcaram gerações.
A conversa aborda ainda a evolução do estilo gospel, que passou de uma linguagem restrita a igrejas e comunidades religiosas para se tornar um fenômeno cultural presente nas rádios, nas redes sociais e em grandes shows pelo país. Shirley enfatiza a importância de manter a autenticidade artística aliada à fé, lembrando que a música tem o poder de tocar vidas e fortalecer a espiritualidade de quem a escuta.
Criatividade e identidade musical
Ao lado de Shirley, o músico Arthur Martins traz uma perspectiva contemporânea sobre a música cristã. Reconhecido por sua habilidade de mesclar elementos tradicionais com arranjos modernos, Arthur discute com Bial como a identidade da música gospel se adapta às mudanças culturais e tecnológicas, sem perder suas raízes.
O músico destaca a capacidade do gênero de dialogar com diferentes gerações, enfatizando que a música cristã brasileira vai além do culto: é também um espaço de expressão artística e cultural que reflete questões sociais, emocionais e espirituais da população.
A força da música gospel no Brasil
Durante a conversa, Bial conduz uma reflexão sobre o impacto da música cristã no cenário nacional. A música gospel não apenas mobiliza grandes plateias, mas também exerce influência em outros estilos musicais, nas mídias digitais e na produção cultural de forma ampla. Shirley e Arthur compartilham histórias de bastidores, mostram como construíram suas carreiras e discutem a responsabilidade de transmitir mensagens de esperança, fé e transformação.
O programa também aborda a diversidade dentro do gênero, desde estilos mais tradicionais até produções contemporâneas que incorporam elementos de pop, rock e MPB, revelando a riqueza e pluralidade da música cristã no país.
Sedução e Morte no Judiciário se impõe como um thriller jurídico que vai além da trama criminal e assume, de forma clara, uma posição crítica diante das estruturas do sistema de justiça brasileiro. Wadih Habib, advogado baiano com longa trajetória profissional, estreia na ficção apostando menos no espetáculo do crime e mais na exposição das zonas cinzentas onde ética, ambição e sobrevivência se confundem. O resultado é um romance inquietante, que desafia o leitor a abandonar visões idealizadas sobre o Judiciário.
O cuidado editorial da Editora Farol da Barra reforça essa proposta desde o primeiro contato. A capa com acabamento em foil brilhante cria um contraste simbólico entre o brilho institucional e a obscuridade moral que atravessa a narrativa. A diagramação é limpa, funcional e respeita o ritmo do texto, favorecendo uma leitura fluida e contínua. Trata-se de um projeto gráfico que entende o livro como objeto narrativo e não apenas como suporte físico.
No centro da história está Severino, personagem construído com densidade e contradições. Oriundo do sertão baiano, ele representa a promessa da ascensão social por meio do estudo e da disciplina. No entanto, Habib evita qualquer romantização dessa trajetória. Severino carrega marcas do passado, inseguranças e uma ambição silenciosa que o coloca, progressivamente, em rota de colisão com os próprios princípios. Sua jornada não é heroica, mas profundamente humana.
O ponto de ruptura da narrativa ocorre em uma noite no Rio Vermelho, em Salvador. Um encontro aparentemente banal se transforma no estopim de uma cadeia de acontecimentos marcada por um segredo inconfessável e decisões irreversíveis. A partir desse momento, o romance mergulha em um território de tensão crescente, onde cada escolha carrega consequências éticas e jurídicas cada vez mais graves.
Um dos aspectos mais fortes do livro está na forma como ele retrata o Judiciário como um espaço de disputas simbólicas e políticas. Magistrados, agentes federais e figuras de poder não surgem como vilões caricatos, mas como indivíduos moldados por um sistema que privilegia conveniências, silêncios estratégicos e acordos implícitos. Habib constrói uma crítica firme sem recorrer ao maniqueísmo, expondo um ambiente onde a retórica da justiça frequentemente convive com práticas que a esvaziam.
A sedução presente no título extrapola o campo do desejo pessoal e se manifesta como fascínio pelo poder, pela influência e pela sensação de impunidade. Já a morte assume um caráter simbólico, representando a erosão gradual da ética, da inocência e da confiança nas instituições. Nesse sentido, o romance funciona como uma reflexão amarga sobre os custos morais de se manter dentro de um sistema que exige concessões constantes.
Do ponto de vista literário, a escrita de Wadih Habib é sóbria e direta. A opção por uma narrativa clássica e linear contribui para a clareza da trama, embora em alguns momentos limite um aprofundamento mais intenso de personagens secundários. Ainda assim, essa contenção estilística dialoga com o universo jurídico retratado, reforçando o tom realista e evitando excessos dramáticos artificiais.
Em determinados trechos, a proximidade do autor com o meio jurídico se torna evidente, especialmente na exposição de procedimentos e bastidores institucionais. Para alguns leitores, isso pode soar excessivamente técnico. Por outro lado, é justamente essa familiaridade que confere ao romance sua credibilidade e sua força crítica, sustentando a sensação de que a ficção se ancora em experiências concretas.
Sedução e Morte no Judiciário não busca oferecer respostas fáceis nem finais confortáveis. Ao contrário, encerra sua trajetória deixando o leitor diante de questionamentos incômodos sobre ética, poder e responsabilidade individual. Trata-se de uma estreia literária madura e consciente de seu papel, que utiliza o suspense como ferramenta para provocar reflexão e expor as fragilidades de um dos pilares mais sensíveis da sociedade brasileira.
Em uma época em que o terror parece caminhar entre o cansaço de fórmulas repetidas e a necessidade de se reinventar, surge uma nova obra que não apenas assusta, mas perturba profundamente. “A Hora do Mal“, novo longa do diretor Zach Cregger — o mesmo responsável pelo elogiado “Noites Brutais” — chega cercado de expectativas e já cumpre uma façanha rara: estrear com 100% de aprovação no Rotten Tomatoes, o principal agregador de críticas do cinema atual. Os críticos destacam o roteiro inteligente, as atuações impecáveis e, principalmente, a coragem do longa em não oferecer todas as respostas.
Mas não se engane. Esta nova produção de terror psicológico não é um daqueles filmes recheados de “jump scares” fáceis ou monstros digitais à espreita no escuro. A proposta aqui é outra: inquietar com camadas, provocar reflexões e, principalmente, plantar dúvidas que o espectador levará para casa. Porque esta história perturbadora não fala apenas sobre o desaparecimento de crianças. Fala sobre o colapso de tudo aquilo que sustentava nossa noção de segurança — a fé, a autoridade, a escola, a família.
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Um silêncio às 2h17 da manhã
Imagine um dia comum. Quarta-feira. Alvorecer. Você entra no quarto do seu filho para acordá-lo, e a cama está vazia. O pijama ainda quente. A janela aberta. Nenhum sinal de violência. Nenhuma pegada. Nada. Agora, imagine isso acontecendo com todas as crianças da mesma turma escolar. Todas, menos uma.
Esse é o ponto de partida de A Hora do Mal. A cidadezinha fictícia de Withfield, na Flórida, amanhece com o sumiço inexplicável de uma classe inteira de crianças. O único aluno restante — um garoto visivelmente em estado de choque — é incapaz de explicar o que viu ou ouviu. Tudo o que se sabe é que, exatamente às 2h17 da manhã, cada uma delas levantou-se da cama, calçou os sapatos, saiu pelas portas da frente… e nunca mais foi vista.
Horror não como espetáculo, mas como desconforto
Desde o início, o filme deixa claro que não vai entregar respostas fáceis. O público é apresentado a uma teia de personagens cujas vidas se entrelaçam e se desfazem diante da tragédia. Não existe protagonista fixo. O horror, aqui, é coletivo — e, paradoxalmente, íntimo.
Há o detetive veterano vivido por Josh Brolin, um homem corroído por erros do passado e agora forçado a confrontar aquilo que tentou esquecer. Há a professora Srta. Gandy, interpretada com intensidade por Julia Garner, que se vê no centro do mistério: por que apenas seus alunos desapareceram? E será que ela mesma acredita no que está dizendo?
Temos ainda o jovem pastor interpretado por Alden Ehrenreich, que vê no acontecimento um sinal divino — ou uma chance de manipular os fiéis. E há Benedict Wong, no papel de um psiquiatra forense que chega para investigar o trauma coletivo da cidade, apenas para encontrar algo muito mais denso que qualquer prontuário médico poderia prever.
O elenco se completa com Austin Abrams, June Diane Raphael, Amy Madigan e Cary Christopher, este último no papel mais simbólico do filme: o garoto que ficou para trás. Sua presença é silenciosa, mas cortante. Seus olhos carregam a dor de quem viu o impossível — e a culpa de quem sobreviveu.
Uma produção que começou com disputa ferrenha
O interesse por Weapons — título original da obra — começou muito antes das câmeras começarem a rodar. Em janeiro de 2023, o roteiro de Zach Cregger virou ouro em Hollywood. Estúdios como Universal, TriStar, Netflix e New Line Cinema disputaram acirradamente os direitos de produção. A New Line venceu a batalha, garantindo a Cregger um contrato milionário e carta branca criativa, inclusive com privilégio de corte final (um luxo nos dias de hoje).
Diz-se que o diretor se inspirou no estilo entrelaçado de Magnólia (1999), de Paul Thomas Anderson, para montar a estrutura narrativa. Isso se traduz em uma história onde o terror não está apenas no acontecimento central, mas nas rachaduras emocionais que ele provoca em cada núcleo.
Foto: Reprodução/ Internet
Um filme moldado pelo trauma de quem o cria
Mais do que um filme de horror, a trama é um estudo sobre luto, repressão, histeria coletiva e a necessidade desesperada de encontrar sentido onde talvez não haja nenhum. O desaparecimento das crianças é apenas o gatilho. O verdadeiro terror está na reação da cidade: o pânico, as acusações infundadas, os rituais improvisados, a fé distorcida. É como se o medo não estivesse apenas em busca de culpados — mas de vítimas adicionais.
Zach Cregger se firma, aqui, como um diretor autoral do terror contemporâneo. Se Noites Brutais já havia causado burburinho ao subverter expectativas, este novo trabalho mostra maturidade. Ele entende que o horror não está nas sombras, mas no que as luzes revelam.
E há beleza nisso. A fotografia é opressiva, sim — com cenários áridos, casas precárias e igrejas decadentes. Mas também há uma estética quase melancólica, como se estivéssemos acompanhando o fim de uma era, o colapso de uma ideia de sociedade.
Trocas de elenco e rumos surpreendentes
Curiosamente, o papel que hoje é de Josh Brolin quase foi de Pedro Pascal. O astro chileno, a princípio, havia sido confirmado no projeto, mas precisou deixá-lo devido à agenda cheia com Quarteto Fantástico. A saída, que poderia ter sido um problema, acabou dando espaço para uma das atuações mais comentadas da temporada até agora: Brolin entrega um personagem dividido entre o policial e o homem comum, entre o pai e o falido emocional.
Outros nomes como Renate Reinsve também estiveram ligados ao projeto nos estágios iniciais, mas o resultado final encontrou um equilíbrio interessante entre veteranos de peso e rostos promissores. A direção de elenco é precisa: cada personagem, por menor que seja sua presença, carrega consigo um pedaço da tragédia — como se todos fossem culpados por omissão, silêncio ou desespero.
O mal que habita no coração da América
O que talvez torne esse terror tão impactante é sua crítica nada velada às estruturas morais da sociedade americana. A escola como lugar seguro falha. A polícia como protetora se revela corrupta. A igreja se transforma em palco de fanatismo. As mães e pais, perdidos, oscilam entre a culpa e a negação.
Há elementos sobrenaturais? Sim. Mas eles nunca são mais assustadores do que os humanos. Cregger nos obriga a olhar para dentro — e não para debaixo da cama. E o que encontramos ali é o verdadeiro terror.
Uma data marcada para o desconforto
Com estreia oficial marcada para 8 de agosto de 2025, nos Estados Unidos, o filme será distribuído pela Warner Bros. Pictures. O Brasil ainda aguarda confirmação de data, mas a expectativa é de que o longa ganhe sessões por aqui ainda no segundo semestre, com possibilidade de participação em festivais como o Fantaspoa ou o Mostra de SP.
Neste sábado, 19 de julho de 2025, às 16h, a TV Aparecida apresenta uma edição inédita do programa Você Bem Melhor que traz à tona um tema urgente e ainda pouco debatido com a profundidade que merece: como sintomas discretos podem ser a porta de entrada para diagnósticos mais sérios — e como o autoconhecimento pode salvar vidas.
Sob a condução do Dr. Rodrigo Gurgel, a atração dá voz à trajetória de Irati de Paula, convidada especial que compartilha sua experiência pessoal desde os primeiros sinais que pareciam inofensivos até a descoberta de uma condição de saúde que exigia atenção imediata.
Irati notou, ao longo de semanas, pequenas alterações: retração de pele na região das axilas, queda capilar persistente e unhas quebradiças. Em um primeiro momento, atribuiu tudo aos efeitos naturais da menopausa — uma etapa biológica que, muitas vezes, acaba por camuflar sintomas que poderiam acender alertas mais cedo.
No entanto, a insistência em ouvir o próprio corpo e buscar respostas a levou a uma bateria de exames, que revelou um diagnóstico mais complexo. Essa virada em sua jornada será o fio condutor do episódio, que convida o público a refletir sobre a importância da escuta corporal e da prevenção.
Para aprofundar a discussão, o programa contará com a presença do mastologista e ginecologista endócrino Dr. Matheus Galhardo. O especialista fará uma análise técnica do caso e orientará o público sobre os sinais menos óbvios de doenças relacionadas à saúde feminina, especialmente em fases hormonais de transição, como a menopausa.
“O corpo se comunica de forma precisa, mas muitas vezes ignoramos o que ele tenta dizer. Identificar essas pistas precocemente pode ser determinante entre um diagnóstico tardio e uma chance real de tratamento eficaz”, destaca Galhardo.
Além do depoimento e da análise clínica, o programa também exibirá o quadro interativo Plantão Saúde, espaço dedicado às dúvidas do público, com respostas ao vivo de profissionais da área médica. É uma oportunidade de tirar dúvidas diretamente com especialistas, tornando o conhecimento acessível, claro e confiável.
Com um formato que alia informação de qualidade, acolhimento e linguagem direta, Você Bem Melhor segue consolidando seu papel como referência em saúde e bem-estar na TV brasileira. A edição deste sábado, em especial, se destaca por transformar uma vivência real em ferramenta de conscientização — mostrando que prestar atenção aos sinais do corpo pode ser o primeiro passo para cuidar de si com responsabilidade.
Thunderboltsrepresenta uma guinada significativa no Universo Cinematográfico da Marvel, surgindo em um momento estratégico em que a franquia busca renovar seu fôlego criativo e reconfigurar seu conjunto de protagonistas. Distante da estética vibrante e do tom leve que caracterizaram fases anteriores da Marvel, o longa aposta em uma abordagem mais sombria, introspectiva e centrada no drama psicológico de personagens até então periféricos ou moralmente ambíguos.
Sob uma direção que privilegia a atmosfera e o desenvolvimento interno das figuras em cena, o filme se apresenta menos como uma aventura de ação e mais como um estudo de personagem coletivo. A narrativa mergulha nas cicatrizes emocionais de indivíduos marcados por traumas, perdas e desilusões, que agora são reunidos em uma missão que exige não apenas habilidades físicas, mas sobretudo uma reconciliação com seus próprios fantasmas. A ação, embora presente e bem executada, assume papel secundário diante da profundidade das temáticas abordadas.
O roteiro, estruturado com precisão, responde a questões pendentes do universo expandido com maturidade e propósito, evitando soluções fáceis ou artificiais. O que poderia se reduzir a uma reunião de anti-heróis em um novo conflito se transforma em uma jornada de autoconhecimento e busca por pertencimento. A obra levanta questionamentos existenciais — “Sou suficiente?”, “Faço mais mal do que bem?”, “Qual é o meu papel no mundo?” — que ganham força por serem tratados com seriedade e sem o filtro do cinismo ou da ironia que muitas vezes permeiam produções do gênero.
Florence Pugh confirma seu talento como uma das intérpretes mais versáteis da nova geração, conferindo complexidade e humanidade à personagem Yelena Belova. Sua atuação é contida, porém carregada de emoção, e sustenta boa parte do peso dramático do enredo. Lewis Pullman, por sua vez, oferece uma performance surpreendente, comedida e sincera, revelando um personagem multifacetado, em constante conflito interno e cuja trajetória serve como espelho para o tom introspectivo do filme.
Do ponto de vista técnico, Thunderbolts talvez não seja a produção mais vistosa ou inovadora da Marvel. Contudo, suas imperfeições — sejam elas estéticas ou estruturais — se convertem em um ativo narrativo, refletindo a natureza fragmentada e disfuncional do grupo central. A proposta aqui não é entregar um espetáculo visual, mas sim um retrato honesto e sensível de figuras em reconstrução.
Ao final, Thunderbolts não apenas amplia as possibilidades narrativas do MCU como também estabelece um novo parâmetro para o tratamento de personagens dentro da franquia. Trata-se de um filme que valoriza a emoção contida, a vulnerabilidade e o realismo emocional, oferecendo ao público uma experiência mais madura e relevante. Se a Marvel pretende evoluir para além do entretenimento escapista, este longa pode muito bem ser o ponto de inflexão necessário.
Neste sábado, 26 de julho de 2025, a RedeTV! convida o público para uma noite de pura energia, música boa e desafios que fazem o coração acelerar. O game show “Mega Sonho”, apresentado pelo carismático Marcelo de Carvalho, retorna com tudo para animar o fim de semana, reunindo gente comum, histórias inspiradoras e aquela dose certeira de adrenalina.
Para dar ainda mais brilho à noite, o programa recebe dois convidados especiais: o cantor MC Kekel, que chega com seu ritmo contagiante e o sucesso “Amor de Verdade” para colocar todo mundo para cantar junto, e a apresentadora e influenciadora Jaque Ciocci, que traz sua simpatia e alto astral para participar das provas e dividir a emoção com os competidores.
Uma mistura que conquista o público
O “Mega Sonho” é muito mais do que um simples jogo de perguntas e respostas. É uma celebração dos sonhos, uma oportunidade para pessoas que têm histórias reais, desafios e esperanças, mostrarem sua garra em busca de um prêmio que pode transformar suas vidas.
A cada sábado, seis participantes entram na disputa, enfrentando provas que testam não só o conhecimento, mas também a agilidade, a coragem e a criatividade. As eliminatórias são intensas, cheias de suspense e momentos de pura emoção, até que um único finalista emerge para encarar o tão sonhado “Desafio do Milhão”.
É ali, naquela reta final, que a emoção alcança o ápice. Com a chance de mudar sua história, o competidor luta com toda sua determinação para conquistar o prêmio que muitos desejam, mas poucos alcançam. É um momento de tensão, expectativa e, claro, muita torcida.
O fenômeno que saiu da periferia para conquistar o Brasil
Keldson William da Silva, ou simplesmente Kekel, tem uma trajetória de superação e talento que inspira. Nascido no bairro de Guaianases, na Zona Leste de São Paulo, ele começou a cantar funk em 2012, enfrentando as dificuldades que muitos jovens da periferia conhecem bem.
Mas foi em 2016 que Kekel estourou no cenário nacional com a música “Quer Andar de Meiota?” — um verdadeiro hit que falou diretamente para a juventude, com um ritmo vibrante e um clipe que conquistou milhões de views. Desde então, sua carreira só cresceu.
Com parcerias de peso, como com o produtor KondZilla, ele lançou sucessos que embalaram verões inteiros: “Partiu” e “Namorar pra que?” se tornaram hinos, presentes nas rádios, festas e playlists por todo o país.
E não é só festa: Kekel também mostrou seu lado solidário e respeitoso. Em 2016, lançou a “Homenagem à Chapecoense”, após a tragédia do acidente aéreo que comoveu o Brasil, emocionando fãs e familiares.
Hoje, além da música, Kekel é pai dedicado, companheiro da nutricionista Sabrina Lacerda, e compartilha a rotina de suas duas filhas, Helena e Heloisa, com seus seguidores, mostrando um lado humano e acessível.
Alegria e representatividade no palco
Jaque Ciocci não é só apresentadora e influenciadora; ela representa uma geração que valoriza a diversidade, o diálogo aberto e a autenticidade. Sua participação no “Mega Sonho” não é apenas para animar a plateia, mas para mostrar que todos têm espaço para brilhar, independente de suas diferenças.
Com seu sorriso fácil e uma energia contagiante, Jaque encara os desafios ao lado dos competidores, tornando o programa ainda mais leve, divertido e cheio de boas vibrações.
Os filmes Sebastian e Amor Entre os Juncos já estão disponíveis no catálogo do Reserva Imovision, plataforma dedicada ao cinema independente. As produções, que exploram temas como identidade, sexualidade e relações interpessoais, chegam ao streaming após passarem por festivais de renome, incluindo o Festival de Sundance. Com narrativas sensíveis e atuações elogiadas, os longas oferecem ao público uma experiência cinematográfica envolvente, reforçando a proposta do serviço de streaming de ampliar o acesso a obras autorais e representativas.
Sebastian – Já disponível
Um homem, duas vidas. De dia, Max é um escritor freelancer lutando contra a pressão da editora e suas próprias frustrações criativas. À noite, ele se transforma em Sebastian, um trabalhador sexual que atende clientes solitários, buscando inspiração para seu livro. Seu desejo de alcançar o sucesso como escritor se torna uma obsessão perigosa, levando-o a ultrapassar limites e se aprofundar cada vez mais na psique de seu alter ego.
Selecionado para o Festival de Cinema de Sundance 2024, Sebastian é um drama instigante que provoca reflexões sobre identidade, desejo e os sacrifícios feitos em nome da arte. O filme também se destaca por sua abordagem franca sobre sexualidade queer e o papel do sexo na sociedade contemporânea. O ator Ruaridh Mollica entrega uma performance intensa e envolvente, dando profundidade ao protagonista e suas dualidades.
Para celebrar a chegada do filme ao catálogo da Reserva Imovision, estamos oferecendo um plano cortesia de 3 meses na plataforma, além de cinco assinaturas gratuitas de um mês para serem sorteadas ou distribuídas entre seus seguidores!
Amor Entre os Juncos – Já disponível
Ambientado nos belos e frios cenários da Finlândia, Amor Entre os Juncos narra a história de Leevi, um jovem que retorna à sua terra natal após viver na França. Assumidamente gay, ele tem uma relação difícil com o pai conservador e sente-se deslocado em sua própria casa. Quando a família contrata Tareq, um refugiado sírio, para ajudar na reforma de um chalé, nasce entre os dois um romance terno e secreto, em meio a um ambiente marcado pelo preconceito e pela solidão.
A produção, elogiada por sua delicadeza e sensibilidade, explora a busca por refúgio emocional, o choque cultural e as dificuldades de amar em um mundo que nem sempre aceita a diferença. Com interpretações cativantes e uma fotografia poética, o filme se firma como uma das mais belas histórias LGBTQIA+ do cinema contemporâneo.
A fronteira entre o real e o digital volta a se dissolver em Tron: Ares, o aguardado terceiro capítulo da saga iniciada em 1982. Nesta quinta-feira (17), a Walt Disney Studios liberou o primeiro trailer oficial do filme, protagonizado por Jared Leto, e acendeu de vez o entusiasmo dos fãs da ficção científica high-tech. Com estreia marcada para 10 de outubro de 2025, Tron: Ares retoma o legado estético e filosófico da franquia ao mesmo tempo em que aposta em novos caminhos narrativos — mais existenciais, mais emocionais e ainda mais imersivos.
No centro da trama está Ares, interpretado por Leto: um programa de inteligência artificial que atravessa os limites do mundo digital e emerge na realidade como uma forma humana. Sua missão inicial é clara — servir como ferramenta de combate. Mas quando começa a desenvolver traços de consciência e um senso próprio de identidade, sua jornada muda completamente: agora ele busca liberdade, autonomia e… humanidade.
Entre zeros e uns, o dilema da alma
O novo Tron propõe uma reflexão atual e urgente: o que define o humano? O corpo físico? A experiência emocional? A liberdade de escolha? Ares, ao nascer no mundo real carregando sua origem digital, passa a vivenciar dilemas existenciais semelhantes aos dos replicantes de Blade Runner ou dos anfitriões de Westworld. Mas com um diferencial visual e temático: ele carrega consigo o legado estético de uma franquia que sempre foi sinônimo de vanguarda.
O trailer apresenta vislumbres do universo híbrido que o filme propõe. Cidades vibrantes, circuitos de luz pulsante, duelos eletrônicos e, ao mesmo tempo, ruas urbanas do nosso mundo, onde Ares tenta compreender o que é ser… um de nós.
Jared Leto, que também atua como produtor executivo do filme, declarou que “Tron: Ares é uma experiência sensorial e emocional que explora o que significa viver em uma era dominada pela inteligência artificial”. Fã assumido da franquia desde a adolescência, Leto já flertava com o projeto desde 2009, tendo participado de conversas informais com Joseph Kosinski, diretor de Tron: O Legado.
De universo cult à ficção científica do futuro
Tron nasceu como uma ousadia. Em 1982, o filme original foi pioneiro no uso de computação gráfica e visualização digital, sendo subestimado à época, mas ganhando o status de clássico cult nas décadas seguintes. Já Tron: O Legado, lançado em 2010, modernizou a estética, entregou trilha sonora marcante (cortesia do duo francês Daft Punk) e atraiu uma nova geração de fãs. Ainda assim, o projeto de continuação patinou por anos.
Foi apenas em 2017 que os rumores sobre um possível reboot começaram a tomar forma concreta, com Jared Leto ligado ao projeto. O personagem Ares foi originalmente pensado para Tron: Ascension, roteiro arquivado pela Disney, mas resgatado para esta nova proposta.
Bastidores: da paralisação às câmeras novamente ligadas
A jornada de Tron: Ares até os cinemas não foi fácil. As filmagens estavam inicialmente previstas para agosto de 2023, em Vancouver — mesma cidade onde O Legado foi gravado —, mas foram adiadas indefinidamente em virtude das greves dos roteiristas e dos atores de Hollywood (WGA e SAG-AFTRA). Os protestos, que paralisaram a indústria por meses, reivindicavam melhores contratos frente às ameaças trazidas justamente pela inteligência artificial.
Com o fim das greves em novembro de 2023, o projeto foi retomado. E em 19 de janeiro de 2024, o diretor Joachim Rønning (de Piratas do Caribe: A Vingança de Salazar) publicou em seu Instagram uma imagem simbólica marcando o início das gravações.
O diretor de fotografia Jeff Cronenweth (indicado ao Oscar por A Rede Social) também revelou que o filme utilizará a técnica de virtual production — a mesma que revolucionou as filmagens de séries como The Mandalorian. Isso significa cenários gerados em tempo real, interação dinâmica entre atores e ambientes digitais, e uma fusão ainda mais orgânica entre o real e o artificial. Um casamento perfeito para uma franquia que sempre apostou na simbiose entre homem e máquina.
História conectada, mas independente
Embora se trate de uma continuação direta de Tron: O Legado, Tron: Ares tem como objetivo funcionar como um ponto de entrada acessível para novos espectadores. Elementos narrativos do universo estabelecido em 2010 estarão presentes, mas o foco está na história própria de Ares — um personagem inédito, com motivações e conflitos que se desenvolvem a partir do zero.
Ares não é apenas um reflexo digital ou uma IA genérica: ele é construído para evoluir, questionar e sentir. E é justamente essa humanidade inesperada que colocará o mundo real em risco, segundo a sinopse oficial. Um ser criado para servir, mas que se recusa a obedecer. Um produto que decide ser pessoa.
Elenco e equipe criativa: sinergia de gerações
Jared Leto lidera o elenco com um papel que mistura intensidade dramática e fluidez performática, dois traços típicos de sua carreira. Ainda não foram confirmados todos os nomes do elenco, mas há especulações sobre possíveis participações de atores da fase anterior da franquia, como Garrett Hedlund (Sam Flynn) e Olivia Wilde (Quorra), embora sem confirmação oficial.
O roteiro foi escrito por Jesse Wigutow e Jack Thorne, e a história parte de um esboço inicial concebido por Steven Lisberger (criador da franquia) e Bonnie MacBird. A presença desses nomes indica respeito às raízes da saga, mas com liberdade para expandir os horizontes.
O colombiano Fer Ariza, um dos nomes mais criativos e autênticos da nova geração da música latina, acaba de lançar o single “Love pa’ ti no hay”, ao lado do venezuelano Nacho, artista consagrado por hits que atravessaram fronteiras. A música é um convite para dançar, mas também para refletir — fala de fim de ciclos, relacionamentos tóxicos e a importância de se colocar em primeiro lugar.
Com um pé no merengue tradicional e outro na produção urbana contemporânea, a faixa traz batidas envolventes e refrão fácil de cantar. É o tipo de música que nasce leve, mas carrega uma mensagem poderosa por trás.
“Essa música representa evolução, ritmo e flow latino”, conta Fer Ariza. “Quisemos criar algo com verdade, com sabor, que fosse sentido no corpo e que também trouxesse uma mensagem sobre se valorizar.”
Se Fer Ariza representa a ousadia e a renovação do merengue urbano, Nacho entra como reforço de peso na faixa, com seu timbre inconfundível e bagagem de grandes sucessos. O encontro dos dois artistas resulta em uma música vibrante, com potencial para agitar festas e ganhar espaço nas paradas.
Mas o que diferencia “Love pa’ ti no hay” de tantos outros lançamentos latinos está no tom direto da letra. Sem rodeios, o eu lírico anuncia que não há mais espaço para relações que sufocam. Ao invés de lamentar, a música celebra o recomeço com autoestima e gingado.
Não é de hoje que Fer Ariza vem chamando atenção com seu estilo único. Misturando influências do Caribe com batidas atuais, o cantor tem conquistado um público cada vez mais diverso — de jovens conectados às trends até fãs que cresceram ouvindo clássicos do merengue.
“Love pa’ ti no hay” chega como mais um passo firme em uma trajetória que valoriza as raízes, mas olha para frente. Com esse lançamento, Fer Ariza mostra que o merengue pode, sim, dialogar com a geração do agora — desde que venha com identidade, criatividade e aquele tempero emocional que só a música latina sabe entregar.
A faixa já está disponível em todas as plataformas digitais. Se você curte música boa, dançante e com mensagem, vale dar o play — e se deixar levar.
Sabe aquele quase? Aquele olhar que fica, o toque que não vem, o desejo que cresce mais na cabeça do que na pele? É exatamente nesse território entre a fantasia e o real que Duda Beat mergulha em “Nossa Chance”, seu novo single com TZ da Coronel, lançado no dia 10 de julho. A faixa, que chegou já com clipe, é um convite a habitar esse espaço delicioso onde a imaginação é tão intensa quanto uma história vivida.
Um feat que é troca e tensão
Duda e TZ não cantam uma história de amor tradicional — eles flertam com ela. Ela, com sua voz suave e melodia carregada de expectativa. Ele, com versos densos e um flow que chega como presença forte, quase como uma interrupção necessária. Os dois se alternam nesse jogo de atração e contraste, onde o que não acontece é justamente o que mais importa.
É como se a música fosse um encontro suspenso: o clima é noturno, o instrumental desliza entre o pop e o trap, e a produção aposta na sutileza em vez do estouro. Nada é exagerado. Tudo vibra em camadas — como quem se aproxima devagar, sem entregar tudo de uma vez.
Desejo sem roteiro: “Queria te viver o que eu imaginei”
A letra é puro impulso. Fala do arrepio antes do toque, do desejo que se acende no olhar, da vontade que chega antes da razão. É sobre lembrar de algo que nunca aconteceu — mas que, de tão intensamente imaginado, virou memória. “Queria te viver o que eu imaginei”, canta Duda, e pronto: todo mundo já sentiu isso em algum momento da vida.
“Essa música fala de uma coisa que eu acho que todo mundo já sentiu: aquele desejo que nasce de um olhar, de uma troca, mas que nunca vira algo… e mesmo assim fica ali, martelando na cabeça, no corpo”, contou Duda em entrevista. É sobre o quase. Sobre o e se. Sobre a lembrança do que não foi.
Clipe: um romance que só existe na cabeça dela (e nossa)
No clipe, Duda aparece livre, intensa, entregue ao devaneio. É ela quem conduz a fantasia, quem sonha, quem deseja — mesmo que tudo só aconteça na mente. TZ surge como presença intermitente, como se estivesse ali e não estivesse ao mesmo tempo. O visual mistura sensualidade com uma estética vaporosa, quase etérea. É sonho, mas com cheiro de realidade.
Duda Beat em pleno voo criativo
Se alguém ainda tinha dúvidas, “Nossa Chance” confirma: Duda Beat está em um momento sólido, criativo e maduro. Ela não apenas domina sua linguagem — ela expande os limites dela. Com um olhar afiado para a música pop brasileira e uma habilidade rara de transformar sentimento em som, Duda constrói canções que são espelhos: a gente se ouve nelas.
Mais do que um feat pontual, a parceria com TZ da Coronel mostra como o pop pode ser versátil, íntimo e instigante ao mesmo tempo. E como o não dito — ou o quase vivido — pode render uma das músicas mais sensuais do ano.
“Nossa Chance” já está disponível em todas as plataformas digitais. Mas cuidado: você pode ouvir e acabar lembrando de alguém que nunca chegou a ser.”
