A espera finalmente acabou para os fãs do universo DC: a Warner Bros. Pictures lançou um novo trailer eletrizante de Superman, primeiro filme do novo DC Studios sob a direção de James Gunn (Guardiões da Galáxia). O vídeo inédito não só apresenta cenas jamais vistas como também entrega um vislumbre mais claro do tom emocional, da estética visual e da carga dramática que prometem redefinir o legado do maior super-herói de todos os tempos. Abaixo, confira o novo trailer:
No material divulgado, podemos ver mais da nova abordagem do personagem — agora interpretado por David Corenswet — em meio a sequências de ação intensas, conflitos pessoais e uma atmosfera épica que mistura esperança, coragem e responsabilidade. Gunn, que também assina o roteiro, parece apostar numa fusão entre o clássico e o contemporâneo, equilibrando o peso mítico do Superman com dilemas humanos mais palpáveis. O novo universo da DC não quer apenas impactar: quer emocionar.
Ação global transforma o metrô de São Paulo em palco heroico
Para marcar o lançamento do trailer, a Warner orquestrou uma campanha de mídia Out Of Home (OOH) que chamou atenção em várias partes do mundo. No Brasil, a ação ganhou destaque na Estação da Sé, no coração do metrô paulistano. Quem passou por lá nos últimos dias foi surpreendido por uma ambientação poderosa: os telões exibiram o icônico escudo vermelho e amarelo do Superman, além de teasers e a data de lançamento do trailer, gerando grande expectativa entre os passageiros.
No dia do lançamento oficial, a estação virou quase uma pré-estreia antecipada, com fãs e curiosos parando para registrar o momento. A ação, que faz parte de uma campanha global coordenada em diversos países — como Reino Unido, Itália, Canadá, Japão e França —, reforça o apelo universal do personagem e coloca Superman de volta ao centro da cultura pop mundial.
Novo pôster destaca o herói em sua essência
As novidades da semana não pararam por aí. Na terça-feira (13), um novo pôster oficial do filme também foi divulgado, trazendo o protagonista em sua pose clássica: ereto, imponente, com o olhar voltado para o horizonte — um símbolo de esperança em meio ao caos. A imagem remete diretamente ao arquétipo do herói, ao mesmo tempo em que reforça o novo visual e identidade desse Superman da nova geração.
Um novo começo para a DC nos cinemas
Superman estreia no Brasil em 10 de julho, com sessões também em versões acessíveis, incluindo audiodescrição, legendas descritivas e Libras — uma iniciativa importante para garantir que todos possam viver a emoção de ver o Homem de Aço em ação nas telonas.
Esse será o primeiro capítulo oficial do novo universo DC nos cinemas, agora sob a liderança criativa de James Gunn e Peter Safran. A proposta? Reconstruir o legado de personagens icônicos com narrativas mais coesas, emocionalmente profundas e conectadas. E nada melhor do que começar com o herói que representa tudo isso.
Prepare-se para reencontrar Clark Kent em um novo mundo, onde o peso de salvar a humanidade se mistura com o desafio de encontrar seu lugar entre os homens. O Superman de 2025 não voa apenas pelos céus — ele atravessa gerações, inspira coragem e convida o público a acreditar, mais uma vez, que a esperança é indestrutível.
Cena do filme Hellboy e o Homem Torto. Foto: Divulgação/ Imagem Filmes
Após meses de silêncio em torno do polêmico desempenho de Hellboy e o Homem Torto, o ator Jack Kesy, que assumiu o papel-título no quarto longa da franquia, finalmente se pronunciou sobre o fracasso do projeto. Em entrevista concedida ao canal de YouTube Jack Wielding, o ator adotou um tom honesto e direto, reconhecendo as limitações da produção e o que, segundo ele, poderia ter sido diferente.
O filme, lançado discretamente em 2023, arrecadou apenas US$ 2 milhões nas bilheteiras globais e sequer chegou aos cinemas dos Estados Unidos, sendo disponibilizado diretamente no streaming — uma estratégia que, para muitos, selou o destino do projeto antes mesmo de sua estreia. Ainda assim, Kesy não parece carregar mágoas.
“Foi uma experiência incrível, eu não trocaria por nada”, afirmou. “É uma pena como o filme foi tratado. Mal gerido, mal posicionado… todo esse processo. Mas quer saber? Que se dane, isso não é mais meu problema.”
Uma produção de potencial desperdiçado
Baseado no conto The Crooked Man, criado por Mike Mignola, o filme pretendia ser um reboot mais sombrio e fiel às raízes góticas de Hellboy, com ambientação no interior dos Estados Unidos nos anos 1950. A direção de Brian Taylor apostava em efeitos práticos, atmosfera folclórica e um tom mais contido em comparação aos longas anteriores. A promessa era resgatar o espírito original dos quadrinhos — e Kesy, com sua postura física e interpretação crua, parecia ser a peça certa para isso.
No entanto, segundo o próprio ator, o projeto não teve o suporte necessário para atingir seu potencial: “Acho que, se o filme tivesse tido um pouco mais de espaço e de recursos, poderíamos ter feito algo realmente especial. Mas tudo bem. Merd@ acontece”, disse, em um tom mais resignado do que revoltado.
Um Hellboy ainda à espera de redenção?
Com três versões do personagem nos cinemas em pouco mais de 20 anos, o desafio de reinventar Hellboy se tornou cada vez mais delicado. Depois do carisma irreverente de Ron Perlman e da tentativa sombria com David Harbour em 2019, a abordagem de Kesy foi mais contida e visceral — mas talvez tarde demais para reconquistar o público.
Mesmo assim, o ator não descarta uma nova chance de interpretar o herói: “Eu adoro o personagem. Se me chamarem de novo, volto com gosto. Hellboy tem muito mais a oferecer do que já foi mostrado.”
A fala revela mais do que um simples apego profissional. Há ali o entendimento de que, por trás da maquiagem e do inferno simbólico que cerca Hellboy, existe uma figura cheia de contradições, feridas e humanidade — algo que Kesy parece ter compreendido e carregado para a tela, mesmo com as limitações do projeto.
Onde assistir
Para quem quiser conferir a produção, o filme está disponível na aba da Telecine no Globoplay. Apesar das críticas e da falta de visibilidade, a produção oferece uma visão diferente e mais intimista do personagem — o que, para os fãs mais dedicados, pode ser motivo suficiente para dar uma chance.
Se o seu domingo precisa de risadas, emoção e aquela dose de loucura boa que só a TV aberta entrega, pode preparar o controle remoto! Neste domingo, 15 de junho de 2025, o “Domingo Legal com Celso Portiolli” vem com tudo, a partir das 11h15 no SBT, trazendo atrações imperdíveis, encontros inusitados, disputas de tirar o fôlego e muita, mas muita zoeira da melhor qualidade.
🏡 Narcisa visita a casa de Nicole Bahls – e leva a confusão com ela!
A abertura do programa já chega com a elegância (ou quase isso) de Narcisa Tamborindeguy invadindo o lar de ninguém menos que Nicole Bahls! Em um tour exclusivo pela mansão da modelo, o público vai conhecer de perto os famosos animais de estimação de Nicole — que, como já é tradição, têm nomes de celebridades e são tratados como verdadeiras estrelas.
Mas o ponto alto mesmo é o encontro explosivo entre Nicole e sua sósia, a irreverente Nick Bohlas, interpretada com perfeição e muito deboche por Tiago Barnabé. Prepare-se para confundir realidade e imitação, porque quando essas duas se juntam, o caos é certo — e a gargalhada também.
🟦🟨 “Passa ou Repassa”: casais, tortadas e competição com muito amor (e provocação!)
O clima de romance invade o palco… até que as tortadas na cara comecem a voar! Na edição especial do clássico “Passa ou Repassa”, os casais famosos vão provar que o amor sobrevive a tudo — menos talvez a uma resposta errada.
No time azul, eles chegam animadíssimos:
Victor Sarro
Renato Albani
Cocielo
Ferrugem
Já no time amarelo, as verdadeiras donas do pedaço:
Mari Sarro
Ju Fructuozo
Tata Estaniecki
Thais Vasconcelos
Vai ter competição, vai ter alfinetada, gincanas insanas, e claro, a tradicional guerra de chantilly. Só resta saber: quem vai manter o relacionamento firme até o final… e quem vai sair lambuzado?
💰 “Até Onde Você Chega?”: coragem, sorte e o sonho de ficar milionário
Quem aí toparia arriscar tudo por uma chance de mudar de vida? No quadro “Até Onde Você Chega?”, os participantes enfrentam decisões difíceis, dilemas emocionantes e desafios que testam não só o conhecimento, mas a frieza diante da pressão.
É aquele momento em que o jogo vira e o coração acelera. Quem for esperto, estrategista e tiver um pouco de sorte, pode sair de lá milionário. Mas é preciso saber a hora certa de parar… ou ir até o fim!
🛒 “Comprar é Bom, Levar é Melhor”: a Família Pedroso na luta por até R$ 80 mil
Já imaginou sair do shopping com o carrinho cheio e a conta paga pela produção do SBT? É isso que está em jogo no icônico quadro “Comprar é Bom, Levar é Melhor”.
Desta vez, quem encara o desafio é a família Pedroso, que precisa responder sete perguntas de Celso Portiolli. Mas não pense que é fácil: cada erro pode custar um eletrodoméstico, um celular… ou até a chance de levar tudo!
Eles terão que usar raciocínio rápido, espírito de equipe e nervos de aço para sair com até R$ 80 mil em prêmios.
📺 Então anota aí!
🗓️ Domingo, 15 de junho de 2025 ⏰ A partir das 11h15 📍 No SBT 🎤 Apresentação: Celso Portiolli
A adaptação televisiva de Amadeus acaba de ganhar seu primeiro trailer completo e reacende a curiosidade do público ao apresentar uma abordagem mais íntima e emocional da relação entre Wolfgang Amadeus Mozart e Antonio Salieri. A série estreia internacionalmente em 21 de dezembro e promete revisitar essa história clássica com uma sensibilidade própria, que valoriza fragilidades, ambições e dramas humanos por trás de dois nomes que marcaram para sempre a história da música. Abaixo, confira o vídeo:
No centro da narrativa está Mozart, vivido por Will Sharpe (The White Lotus), que aparece aos 25 anos chegando a Viena com a alma cheia de esperança, mas os bolsos vazios após a morte do pai. Desempregado e tentando se reinventar em uma cidade movida pelo brilho da música e pelas disputas de poder, ele encontra apoio em Constanze Weber, interpretada por Gabrielle Creevy (In My Skin). Constanze surge não apenas como aliada e futura companheira, mas como alguém capaz de enxergar o artista por trás da inquietação e da genialidade.
É por meio de Constanze que Mozart se aproxima do influente compositor da corte, Antonio Salieri, interpretado com profundidade por Paul Bettany (WandaVision). O trailer mostra um Salieri dividido entre admiração e tormento, um homem que reconhece no jovem músico um dom quase divino e que, ao mesmo tempo, sente esse talento como uma ferida aberta. Bettany entrega nuances dolorosas, revelando um Salieri humano, vulnerável e, em muitos momentos, devastado pela sensação de estar diante de um prodígio que ameaça apagá-lo.
Will Sharpe, por sua vez, constrói um Mozart pulsante e sensível, alguém que vive entre o fascínio da criação musical e o peso das expectativas. No trailer, o ator dá ao compositor uma humanidade rara, trazendo à tona a insegurança, a fome por reconhecimento e a solidão de quem carrega um brilho maior do que o mundo consegue compreender.
O elenco reforça essa dimensão humana da série, reunindo atores que ajudam a compor o cenário emocional e social de Viena. Olivia-Mai Barrett (Penny on M.A.R.S.) interpreta Sophie, enquanto Rory Kinnear (The Imitation Game) surge como o Imperador Joseph, figura que representa o poder diante do qual artistas como Mozart precisavam constantemente se curvar. Lucy Cohu (Becoming Jane) vive Cecilia Weber, a mãe de Constanze, e Jonathan Aris (Sherlock) interpreta Leopold Mozart, cuja morte serve de ponto de partida para o momento de maior vulnerabilidade do filho.
A produção também inclui Rupert Vansittart (Game of Thrones) como Rosenberg e Richard Colvin (The Salisbury Poisonings) como o compositor Muzio Clementi. Outros nomes, como Orsolya Heletya, Krisztián Cser, Una Kovac e Ágota Dunai, ajudam a construir o cotidiano que cerca Mozart, desde apresentações e ensaios até festas, encontros e pequenos rituais sociais que estruturavam a vida vienense da época.
A série promete uma releitura moderna de Amadeus, preservando a essência dramática do clássico de Peter Shaffer, mas mergulhando mais profundamente na condição humana dos personagens. O trailer deixa claro que esta não é apenas a história de dois músicos em conflito, e sim um estudo sobre insegurança, talento, inveja, amor e o desejo de deixar uma marca no mundo.
Em Retratos no Espelho, o escritor José Cristovam entrega uma obra que parece respirar como um filme — não apenas pelo ritmo, mas pela forma como cada diálogo carrega luz, sombra, tensão e silêncio. O romance, inteiramente construído por conversas, abre com um psicólogo revisitando um caso que marcou sua carreira: a história fragmentada, intensa e cheia de cicatrizes emocionais da família Lebazi Estevam. A partir desse ponto, o leitor é convidado a atravessar décadas em uma narrativa que se move como lembrança: nunca em linha reta, mas em curvas, flashes, retornos e cortes abruptos que lembram a montagem de um longa-metragem.
A trama salta dos anos 1960 ao início de 2020, reconstruindo momentos-chave na vida dos personagens como quem revira uma caixa antiga de fotografias. Cada diálogo funciona como uma imagem revelada — ora nítida, ora tremida, ora desgastada pelo tempo. Surgem discussões entre marido e mulher, confrontos entre pais e filhos, expectativas quebradas, reencontros marcados por emoções mal resolvidas, decisões adiadas e dores que se recusam a ser esquecidas. Não há linha cronológica confortável: há apenas memória, com toda sua subjetividade. O leitor decifra os fatos como quem monta um quebra-cabeça emocional, juntando pistas, tons de voz, hesitações e palavras não ditas.
E é justamente nisso que o livro se destaca. Em cada conversa, o autor trabalha temas universais — traumas que moldam a vida adulta, culpa que pesa mais do que deveria, a urgência de pedir perdão antes que seja tarde, a fragilidade dos vínculos familiares e o amor que, mesmo desgastado, insiste em permanecer. É um romance sobre como carregamos o passado no corpo, sobre como nossas versões antigas nunca desaparecem completamente.
Ambientado no ABC paulista, o livro se diferencia por não oferecer descrições físicas extensas ou cenários detalhados. Cristovam escolhe confiar na capacidade imaginativa do leitor, permitindo que cada um visualize rostos, espaços e gestos de acordo com sua própria bagagem emocional. É como assistir a um filme no escuro, onde a imagem se forma dentro da mente — uma composição íntima, quase secreta, entre leitor e narrativa. Sem narradores intermediários, sem capítulos que interrompem o fluxo, a sensação é de estar sentado ao lado dos personagens, ouvindo suas confissões, presenciando suas fraquezas, entendendo suas dores.
Outro ponto que torna Retratos no Espelho uma experiência singular é a trilha sonora integrada ao texto por meio de QR codes. Canções icônicas como “Exagerado” (Cazuza), “Se Eu Quiser Falar com Deus” (Gilberto Gil), “Como Uma Onda” (Lulu Santos), “Eduardo e Mônica” (Legião Urbana) e “Caso Sério” (Rita Lee) surgem como extensão das emoções expressas nos diálogos. A música entra como personagem invisível, dando textura às cenas e servindo como ponte afetiva entre o leitor e a atmosfera do momento. É uma escolha que reforça não apenas o caráter cinematográfico do romance, mas também o compromisso da obra em provocar sensações — e não apenas contar uma história.
Ao descrever Retratos no Espelho como um “filme escrito”, José Cristovam não exagera. O romance avança e recua apenas pelas vozes que o compõem, revelando camadas que só aparecem quando personagens se permitem olhar sem filtros, sem máscaras, sem escudos. É uma narrativa sobre o peso da memória e a coragem necessária para encarar o próprio reflexo — e, ao mesmo tempo, um convite para que o leitor faça o mesmo.
O mais novo filme do Universo Cinematográfico Marvel (MCU), Quarteto Fantástico: Primeiros Passos, rapidamente se firmou como um sucesso global, ultrapassando US$ 506 milhões em bilheteria mundial. Combinando ação, drama familiar e humor equilibrado, o longa trouxe uma abordagem fresca para os heróis clássicos da Marvel, conquistando tanto fãs antigos quanto novos espectadores.
Nos Estados Unidos, o longa-metragem arrecadou US$ 265,8 milhões, enquanto o mercado internacional somou US$ 240,5 milhões, formando um total global de US$ 506,3 milhões. Isso faz do longa o segundo maior filme de super-heróis de 2025, atrás apenas de Superman (US$ 611,7 milhões).
A estreia norte-americana rendeu US$ 118 milhões, a quarta maior abertura doméstica do ano, atrás de produções como Um Filme Minecraft, Lilo & Stitch e Superman. Entre os países que mais contribuíram para o sucesso internacional estão Reino Unido, México, França, Brasil e Austrália.
Do fracasso ao renascimento
Após a frustração de Quarteto Fantástico (2015), a Marvel Studios assumiu o controle da franquia quando a Disney adquiriu a 20th Century Fox. O objetivo era criar uma narrativa totalmente nova, sem recorrer às origens já conhecidas dos personagens.
A direção ficou a cargo de Matt Shakman, com roteiro de uma equipe composta por Jeff Kaplan, Ian Springer, Josh Friedman, Cameron Squires, Eric Pearson e Peter Cameron. Inicialmente, Jon Watts foi anunciado como diretor, mas deixou o projeto em 2022. Shakman assumiu a produção com a missão de equilibrar ação, humor e drama, criando um universo que fosse ao mesmo tempo fiel aos quadrinhos e inovador para o público moderno.
Elenco de destaque
O filme apresenta Pedro Pascal (The Mandalorian, Narcos, O Último Duelo, Kingsman: O Círculo Dourado) como Reed Richards, Vanessa Kirby (The Crown, Pieces of a Woman, Missão: Impossível – Efeito Fallout, Hobbs & Shaw) como Sue Storm, Ebon Moss-Bachrach (The Bear, Girls, A Série Divergente: Convergente, A Incrível História de Adaline) como Ben Grimm e Joseph Quinn (Stranger Things, Game of Thrones, Overlord, The Girl in the Spider’s Web) como Johnny Storm.
O elenco conta ainda com Julia Garner (Ozark, A Assistente, Emily, Maniac), Sarah Niles (After Life, Enterprice, This Is Going to Hurt, Crashing), Mark Gatiss (Sherlock, Doctor Who, The League of Gentlemen, Dracula), Natasha Lyonne (Russian Doll, Orange Is the New Black, Poker Face, But I’m a Cheerleader), Paul Walter Hauser (Eu, Tonya, Black Bird, Cruella, I Wanna Dance with Somebody) e Ralph Ineson (A Bruxa, Harry Potter, The Green Knight, Boardwalk Empire).
Enredo envolvente
Em 1964, na Terra-828, o mundo comemora os quatro anos do Quarteto Fantástico. Reed Richards, Sue Storm, Ben Grimm e Johnny Storm conquistaram poderes extraordinários depois de serem expostos a raios cósmicos durante uma missão espacial. Desde então, a equipe se tornou referência em heroísmo e inspiração global. Reed usa sua inteligência para criar tecnologias revolucionárias, Sue lidera iniciativas de paz com a Fundação Futuro, enquanto Ben e Johnny equilibram força e carisma em suas missões. A expectativa aumenta ainda mais quando Reed e Sue anunciam que esperam um filho, deixando todos curiosos sobre se a criança herdará dons especiais.
A rotina dos heróis é abalada com a chegada da Surfista Prateada, que alerta sobre Galactus, um ser cósmico capaz de devorar planetas inteiros. Determinados a proteger a Terra, o Quarteto rastreia a energia da visitante e usa um motor mais rápido que a luz para alcançar um planeta distante, em busca de respostas. Lá, eles se deparam com a destruição causada pela nave de Galactus e acabam capturados. O vilão revela que o bebê de Reed e Sue possui um poder que poderia saciar sua fome cósmica e propõe poupar a Terra em troca da criança. Recusando a oferta, os heróis escapam, e Sue dá à luz Franklin enquanto retornam ao planeta, perseguidos pela Surfista Prateada.
Ao voltar à Terra, Reed compartilha os acontecimentos em uma coletiva de imprensa, gerando polêmica. A decisão de proteger apenas Franklin provoca protestos, dividindo a opinião pública. Johnny começa a estudar a linguagem da Surfista Prateada e descobre detalhes sobre os mundos que ela visitou e os planetas que Galactus já consumiu. Sue, por sua vez, enfrenta os manifestantes, explicando que não abrirá mão de seu filho nem da humanidade.
Para enfrentar a ameaça, Reed cria um plano audacioso: construir pontes de teletransporte gigantescas que permitam deslocar a Terra inteira para um sistema solar seguro, longe do alcance de Galactus. Enquanto as nações do mundo colaboram, a Surfista Prateada retorna, determinada a destruir as pontes. Johnny consegue detê-la e descobre que seu verdadeiro nome é Shalla-Bal, uma arauto de Galactus que protege seu próprio planeta, Zenn-La. Com a ameaça temporariamente contida, o Quarteto usa Franklin como isca para atrair Galactus até a última ponte.
A batalha final se desenrola em Nova York. Sue usa todo o seu poder para proteger Franklin, enquanto Reed coordena o resgate. Johnny se arrisca para empurrar Galactus para dentro do portal, mas Shalla-Bal intervém, garantindo que o vilão seja finalmente neutralizado. Exausta, Sue parece sucumbir, mas Franklin consegue trazê-la de volta à vida. Com a Terra salva, a equipe se prepara para novos desafios e celebra cinco anos de heroísmo.
Quais são as cenas pós-créditos?
O filme ainda apresenta cenas pós-créditos que conectam passado e futuro. Quatro anos depois, Sue lê para Franklin em casa e o encontra interagindo com um homem misterioso de capa verde e máscara metálica. Em outra cena, a televisão mostra o desenho animado clássico do Quarteto Fantástico, homenageando o legado dos heróis e sinalizando novas aventuras que ainda estão por vir.
Personagens e dilemas humanos
O filme explora cada personagem de maneira detalhada. Reed representa a mente estratégica, Sue encarna empatia e liderança, Ben une força física e coração, e Johnny equilibra leveza e coragem. O nascimento de Franklin, filho de Reed e Sue, intensifica o drama, pois Galactus vê na criança uma fonte de poder capaz de saciar sua fome cósmica. Além das batalhas, o longa aborda temas universais como responsabilidade, sacrifício e coragem, mostrando que heroísmo vai muito além de superpoderes. A equipe enfrenta desafios internos e externos, revelando a humanidade por trás dos heróis.
Produção e filmagens
As gravações começaram em julho de 2024 no Pinewood Studios, em Londres, com locações na Inglaterra e Espanha. A Marvel Studios investiu em tecnologia de ponta e efeitos visuais para criar um mundo retro-futurista, inspirado nos anos 1960, mas com elementos modernos e espetaculares.
Lançamento e recepção
O longa estreou mundialmente em 21 de julho de 2025, no Dorothy Chandler Pavilion, em Los Angeles, e chegou aos cinemas dos Estados Unidos em 25 de julho, marcando o início da Fase Seis do MCU. A recepção foi positiva, destacando o equilíbrio entre ação, narrativa e desenvolvimento emocional dos personagens. Com uma arrecadação global superior a US$ 491 milhões, o filme se tornou o mais lucrativo da franquia e um dos dez maiores sucessos de 2025 até o momento. A sequência já está confirmada, prometendo dar continuidade à história do Quarteto Fantástico no MCU.
Depois do lançamento de Superman sob o comando de James Gunn, o universo cinematográfico da DC está ganhando forma — e a Mulher-Maravilha, uma das heroínas mais icônicas dos quadrinhos, finalmente começa a ter seu lugar garantido nessa nova fase. Agora, o longa solo da amazona deu um passo importante: já tem roteirista confirmada!
Quem assume o desafio é Ana Nogueira, roteirista que já está bem familiarizada com o universo da DC. Ela foi a responsável pelo roteiro de Supergirl, previsto para chegar aos cinemas em 26 de junho de 2026, e também estava envolvida no desenvolvimento de Jovens Titãs — ainda que esse projeto específico nunca tenha sido oficialmente anunciado.
A informação sobre Ana ter sido escolhida para comandar a história da Mulher-Maravilha foi divulgada primeiro por Umberto Gonzalez, do The Wrap, jornalista conhecido por adiantar novidades confiáveis do mundo da DC. Logo depois, a própria DC confirmou a notícia, reforçando que o projeto realmente está caminhando.
Segunda peça do novo DCU
Esse novo filme da Mulher-Maravilha será o segundo longa oficial da chamada “primeira leva” do DCU (Universo DC), que começou com o Superman de James Gunn, lançado em 2025. A direção ficará nas mãos de Craig Gillespie, conhecido por trabalhos como Cruella e Eu, Tonya — ou seja, pode-se esperar uma visão estilosa, intensa e com uma protagonista poderosa.
Ana Nogueira foi inicialmente contratada pela Warner para escrever um filme da Supergirl estrelado por Sasha Calle, que deu vida à heroína em The Flash (2023). Apesar de essa versão da personagem ter vindo de um “mundo alternativo”, Nogueira parece ter conquistado o estúdio com sua abordagem, garantindo novos desafios dentro do DC Studios.
Quem é Supergirl, afinal?
Pra quem ainda está se familiarizando com esse universo, vale um parêntese rápido: Supergirl (ou Super-Moça, como muitos brasileiros ainda chamam) é um codinome usado por várias personagens da DC ao longo dos anos. Mas a versão mais conhecida é Kara Zor-El, prima do Superman, que chegou à Terra após passar um bom tempo na misteriosa Zona Fantasma.
Por causa dessa passagem pela Zona Fantasma, Kara teve uma exposição diferente à luz do sol amarelo da Terra — o que, acredite se quiser, faz com que ela tenha potencialmente mais força do que seu primo, Clark Kent.
Kara nasceu em Argo City, uma cidade fictícia do planeta Krypton, criada nos quadrinhos como uma das últimas sobreviventes da tragédia que destruiu o mundo natal do Superman. Desde então, a personagem teve várias adaptações nos quadrinhos, animações e até séries de TV.
Mulher-Maravilha: uma nova fase
A escolha de Ana Nogueira como roteirista para o novo filme da Mulher-Maravilha mostra que o estúdio está apostando em nomes com uma pegada criativa forte, mas também já inseridos no universo que estão tentando construir. Não se sabe ainda qual será o tom desse novo filme da amazona — se ele vai se aproximar mais do estilo aventuresco e mitológico do primeiro longa estrelado por Gal Gadot, ou se terá uma proposta completamente diferente, mais pé no chão, moderna ou até mais sombria.
Aliás, por enquanto, nem a atriz que vai interpretar Diana Prince foi anunciada. Com Gal Gadot aparentemente fora do projeto — e com James Gunn reformulando toda a linha de heróis — tudo indica que teremos uma nova Mulher-Maravilha nos cinemas.
O que esperar daqui pra frente?
O que dá pra saber é que a DC quer mesmo trazer uma nova energia para seus filmes. Depois de muitos altos e baixos nos últimos anos, parece que o estúdio está aprendendo com os erros do passado e buscando formas de construir um universo coeso, com histórias bem amarradas e personagens marcantes.
Se Superman abriu com um fôlego novo, Supergirl deve expandir ainda mais esse universo cósmico e cheio de dilemas familiares e existenciais. Já o filme da Mulher-Maravilha pode ser a peça que une tudo isso com o legado das amazonas, da mitologia e de uma heroína que simboliza força, justiça e compaixão.
Depois de anos de rumores, promessas interrompidas e entrevistas que sempre deixavam um fio de esperança no ar, A Hora do Rush 4 finalmente foi confirmado pela Paramount. A notícia caiu como uma bomba positiva para os fãs que, por quase duas décadas, se perguntavam se veriam novamente Jackie Chan e Chris Tucker juntos nas telas. Agora está oficialmente decidido. A franquia retorna e, com ela, o espírito divertido e caótico que marcou uma época do cinema de ação e comédia.
A confirmação se tornou ainda mais curiosa pelos bastidores revelados nos últimos dias. Segundo informações do Deadline, o presidente dos Estados Unidos, Donald Trump, teria incentivado pessoalmente a realização do filme. O comentário circulou em Hollywood como uma anedota improvável, mas acabou se misturando à história real de um projeto que parecia preso em limbo. A partir desse empurrão político inesperado e da força dos fãs, o caminho para a produção finalmente se abriu. Para dar forma ao novo capítulo, a Paramount se uniu à Warner Bros. e fechou um acordo de distribuição conjunta. A informação surpreendeu, já que a New Line Cinema, responsável pelos três primeiros filmes, havia recusado investidas anteriores de continuação.
A resistência dos estúdios era compreensível. A ideia de reviver uma franquia clássica depois de tanto tempo levanta riscos financeiros e criativos, principalmente quando os protagonistas já não são jovens e quando o público atual consome ação de forma muito diferente daquela dos anos 2000. Mas A Hora do Rush não é apenas mais uma série de filmes de luta e perseguição. É uma história movida pela química genuína entre Jackie Chan e Chris Tucker, uma dupla que transformou diferenças culturais em humor e transformou desentendimentos em cumplicidade. Esse carisma sempre foi a base do sucesso da trilogia e continua a ser a principal razão para que os fãs insistissem na continuação.
A franquia nasceu em 1998 com uma proposta simples que deu muito certo. O inspetor-chefe Lee, disciplinado e habilidoso membro da polícia de Hong Kong, precisava trabalhar ao lado do impulsivo detetive James Carter, representante barulhento e desastrado do Departamento de Polícia de Los Angeles. A combinação entre as artes marciais de Jackie Chan e a energia cômica explosiva de Chris Tucker criou um fenômeno imediato. As sequências lançadas em 2001 e 2007 ampliaram o universo dos personagens e consolidaram uma trilogia que arrecadou cerca de 850 milhões de dólares ao redor do mundo.
O que diferenciava A Hora do Rush não era apenas a ação impecável. O grande trunfo estava no humor criado pelo choque cultural entre Oriente e Ocidente e na maneira como os dois protagonistas lidavam com suas diferenças. Em meio a sequestros, mafiosos, tramas internacionais e confusões burocráticas, o público se divertia ao perceber que os dois eram mais compatíveis do que pareciam. Ao longo dos três filmes, o crescimento da amizade entre Lee e Carter se tornou tão importante quanto os próprios casos policiais que investigavam.
Por isso, a ideia de um quarto filme sempre despertou emoções intensas. Muitos se perguntavam se a fórmula ainda funcionaria ou se os tempos modernos tornariam a abordagem ultrapassada. A verdade é que Hollywood vive um momento particular em que continuações tardias e revivals nostálgicos dividem opiniões. Algumas produções conseguem atualizar seu legado com inteligência, enquanto outras enfrentam dificuldades ao tentar repetir o brilho do passado. No caso de A Hora do Rush, no entanto, existe um elemento especial que pode fazer a diferença. Jackie Chan e Chris Tucker demonstraram inúmeras vezes que só voltariam se o projeto estivesse alinhado com seu carinho pela franquia. A partir do momento em que aceitaram retornar, ficou claro que a intenção é honrar a trajetória construída e não apenas lucrar com nostalgia.
Ainda não existem detalhes sobre a história do novo filme, mas é possível imaginar que a trama explorará o amadurecimento dos personagens. Jackie Chan, hoje com mais de 70 anos, continua ativo e impressionantemente ágil, mas deve receber um roteiro que respeite sua fase atual. Chris Tucker, por sua vez, mostra-se animado com a possibilidade de revisitar Carter, personagem que marcou sua carreira e que ainda carrega forte identificação com o público. A parceria entre os dois, mesmo depois de tantos anos, segue como o ponto mais esperado desta nova etapa.
O retorno também convida a uma reflexão sobre o próprio impacto cultural da franquia. A Hora do Rush marcou uma geração e influenciou diversos filmes de parceria policial, especialmente aqueles que abordam diferenças culturais com leveza e humor. O estilo único de Jackie Chan, que mistura comédia física e artes marciais coreografadas com precisão, uniu-se ao humor espontâneo e irreverente de Chris Tucker para criar algo que transcendia fronteiras. Essa mistura funcionou tão bem que se tornou um marco do cinema comercial dos anos 1990 e 2000.
No meio de tantas estreias barulhentas, continuações de franquias e produções de bilheteria, existe um outro cinema que sussurra. Um cinema que fala com o coração apertado, com olhos úmidos e com a coragem de encarar o silêncio. “Você é o Universo” (U Are The Universe), dirigido por Pavlo Ostrikov, é exatamente isso: uma ficção científica que, sob a superfície de uma missão espacial, esconde uma profunda e tocante reflexão sobre o que significa ser humano — especialmente quando já não existe mais ninguém.
O longa de 2024 é uma co-produção entre Ucrânia e Bélgica, com 101 minutos de duração que parecem condensar não só os últimos suspiros da humanidade, mas também a última história de amor do universo.
Uma ficção científica de alma ucraniana
O filme nos transporta para um futuro não tão distante, mas claramente distópico. O protagonista, Andriy Melnyk, é um astronauta ucraniano encarregado de uma tarefa bastante simbólica: transportar lixo nuclear até Calisto, uma das luas de Júpiter. A solidão do personagem já é latente desde os primeiros minutos — ele não é um herói intergaláctico, nem um aventureiro destemido. Andriy é um homem comum, perdido em sua própria rotina mecânica, aprisionado dentro de um cargueiro que atravessa o espaço frio e indiferente.
E é justamente quando a Terra explode que a ficção científica de “Você é o Universo” atinge sua primeira curva emocional. O que poderia ser apenas mais uma jornada tecnológica se transforma num luto cósmico. Andriy não perdeu apenas seu planeta, mas também qualquer referência de lar, família, propósito.
É nesse contexto que ele capta uma transmissão vinda de uma estação espacial distante. Do outro lado da comunicação está Catherine, uma mulher francesa igualmente isolada — não apenas no espaço, mas também em seus próprios traumas e fragilidades. A conexão entre os dois, no início, é tênue, quase casual. Mas rapidamente cresce em intensidade e beleza. Porque quando o universo inteiro silencia, qualquer voz que escapa do vazio se torna indispensável.
Amor em tempos de extinção
Dizer que “Você é o Universo” é uma história de amor seria, ao mesmo tempo, uma simplificação e uma precisão. O que vemos se desenvolver entre Andriy e Catherine é mais do que um romance. É uma necessidade vital, uma âncora diante do colapso. Não há corpos que se tocam, não há encontros físicos. O amor aqui nasce da escuta, da troca de palavras, da esperança frágil de que, talvez, ainda valha a pena acreditar em algo — mesmo que esse algo seja tão etéreo quanto um sinal de rádio vindo do outro lado da galáxia.
O diretor Pavlo Ostrikov conduz essa aproximação com uma sensibilidade notável. Não há pressa, não há exageros. Tudo se constrói no tempo do silêncio, das hesitações, dos monólogos sussurrados para si mesmo. A relação dos dois se torna a própria resistência diante do absurdo — como se amar, mesmo sem garantias, fosse o último ato possível de humanidade.
Um espelho da nossa época
Embora situado no espaço e com uma premissa futurista, “Você é o Universo” reflete com potência o nosso presente. A solidão de Andriy é a solidão de tantos em meio à hiperconectividade. A perda da Terra ecoa o medo coletivo da crise climática, das guerras, da instabilidade global. E o desejo de encontrar alguém, mesmo quando tudo parece perdido, é o fio que nos une enquanto espécie.
É impossível assistir ao filme sem pensar na guerra que assola a Ucrânia desde 2022. A destruição literal do planeta no filme se torna uma metáfora para o colapso que tantas pessoas vivem em seu dia a dia. A dor da separação, da perda, da reconstrução incerta — tudo isso está ali, embutido nas camadas mais sutis da narrativa.
O longa, por isso, também é político. Não no sentido panfletário, mas no seu gesto de afirmar que vidas ucranianas (e, por extensão, de qualquer canto do mundo) têm valor, têm histórias, têm direito a amor — mesmo nos momentos mais extremos.
Um cinema que emociona pelo detalhe
Esteticamente, o filme opta por uma fotografia limpa, fria, com tonalidades metálicas que reforçam a sensação de isolamento. Os interiores do cargueiro onde Andriy vive são minimalistas, claustrofóbicos. A câmera, muitas vezes estática, captura a repetição dos gestos, o esvaziamento dos dias, o peso da espera.
Mas é nos pequenos detalhes que o filme floresce. Uma música antiga que toca no fundo. Um diário de bordo que se transforma em confissão. Um olhar perdido na tela de um monitor. Tudo isso compõe uma atmosfera delicada e profundamente tocante. Ostrikov entende que a ficção científica não precisa de explosões para emocionar — às vezes, basta uma única voz dizendo “estou aqui”.
A atuação de [ator de Andriy, não informado na sinopse] é contida, quase silenciosa, mas cheia de nuances. A voz, muitas vezes mais importante que a expressão facial, carrega o peso de um homem que viu o fim do mundo, mas ainda se permite esperar o recomeço.
Catherine: a luz no fim do espaço
A personagem de Catherine, interpretada por [atriz não informada na sinopse], é tão crucial quanto Andriy para o equilíbrio do filme. Ela representa o outro lado da existência — não menos solitário, mas talvez mais consciente do absurdo de tudo. Sua maneira de lidar com a situação é diferente, mais irônica, mais filosófica.
A química entre os dois se dá pela diferença de perspectivas. Catherine questiona, provoca, ri quando Andriy quer chorar. Ela o força a sair do piloto automático, a sentir. E, no fim das contas, talvez seja ela quem mais precisa ser ouvida, mesmo que não admita.
Festival de Toronto e reconhecimento internacional
“Você é o Universo” fez parte da seleção oficial do Festival Internacional de Cinema de Toronto, um dos mais prestigiados do mundo, e também do Festival de Cinema Europeu Imovision. Essa trajetória não é por acaso. O filme, apesar de sua origem modesta, tem uma força universal que dialoga com espectadores de diferentes culturas e gerações.
Ele pertence a uma linhagem de filmes de ficção científica intimistas, como “Moon” (2009), “Aniquilação” (2018), “O Primeiro Homem” (2018) e “Ela” (2013). Obras que usam o espaço não como espetáculo visual, mas como metáfora existencial. Em “Você é o Universo”, a pergunta não é “para onde vamos?”, mas “o que somos quando tudo acaba?”.
Para quem é esse filme?
Se você está em busca de um filme acelerado, cheio de reviravoltas e efeitos visuais explosivos, talvez “Você é o Universo” não seja sua primeira opção. Mas se você se interessa por histórias que tocam fundo, que exploram sentimentos humanos em situações-limite, esse filme é uma joia rara.
É um convite ao silêncio, à escuta, à contemplação. É um lembrete de que, mesmo no vazio do espaço, o amor pode ser o último planeta habitável.
Onde assistir?
“Você é o Universo” está disponível na plataforma Reserva Imovision, especializada em cinema autoral, europeu e independente. Se você ainda não conhece, vale explorar o catálogo — é um verdadeiro tesouro para quem busca experiências cinematográficas fora do eixo hollywoodiano.
O longa tem classificação indicativa de 14 anos, por conter linguagem imprópria, temas sensíveis e cenas de violência. Nada gráfico ou gratuito, mas ainda assim importante para o contexto emocional da trama.
Sabe aquele arrepio que sobe pela espinha quando você ouve uma batida na porta tarde da noite? Pois é. Esse sentimento desconfortável, que mistura medo e curiosidade, está prestes a retornar com força total. “Os Estranhos 2” acaba de ganhar um novo cartaz alternativo, e ele não alivia na tensão: os rostos cobertos pelos icônicos personagens — frios, silenciosos e impiedosos — dominam a imagem, prontos para mais uma rodada de puro pavor. Abaixo, confira a imagem divulgada:
Foto: Reprodução/ Internet
O longa, que chega aos cinemas em 25 de setembro, marca a sequência direta da reimaginação lançada no ano passado e traz de volta Madelaine Petsch, conhecida por “Riverdale”, agora ainda mais vulnerável e decidida. No filme, sua personagem, Maya, tenta seguir em frente após sobreviver a uma noite de puro inferno. Mas esse tipo de trauma, como sabemos, não vai embora com o nascer do sol — e parece que os algozes dela também não.
Onde tudo começou
Antes de falarmos do que vem aí, vale um rápido mergulho na origem desse pesadelo. Lançado lá em 2008, o primeiro “Os Estranhos” apresentava uma história simples, mas perturbadora: um casal tenta passar um fim de semana tranquilo em uma casa afastada quando começa a ser aterrorizado por três figuras encapuzadas que invadem o local, sem nenhum motivo aparente. Só porque estavam ali.
O longa foi dirigido por Bryan Bertino e estrelado por Liv Tyler e Scott Speedman, e o que parecia ser só mais um filme de sustos se transformou em um clássico moderno do gênero. A ideia de que o mal pode bater à sua porta, sem explicações ou lógica, ficou com o público por muito tempo. O próprio Bertino revelou que se inspirou em episódios da infância e nos infames crimes cometidos pela Família Manson.
Com um orçamento modesto de US$ 2 milhões, o filme surpreendeu ao faturar mais de US$ 82 milhões no mundo todo. Uma prova de que, às vezes, o que mais assusta não é o sangue, e sim o silêncio.
Agora, ninguém está seguro
Corta para 2025. O novo longa retoma a história logo após os eventos vistos na primeira parte da trilogia iniciada pela Lionsgate. Maya, depois de escapar com vida — mas profundamente marcada —, tenta encontrar alguma paz. Spoiler: ela não vai conseguir.
Na sequência, o trio mascarado retorna, impiedoso, como se não tivesse dormido desde o último encontro. O filme nos coloca novamente em uma jornada de sobrevivência, mas agora com ainda mais desespero, já que Maya está sozinha e sem saber em quem pode confiar. Cada esquina esconde um risco, cada porta fechada pode ser a última.
O novo cartaz alternativo antecipa que o filme de terror é uma composição visual intensa, que mistura sombras, rostos cobertos e uma ameaça constante. É como se os personagens da imagem estivessem te observando — e sorrindo por dentro.
Direção afiada e elenco de peso
A sequência é comandada por Renny Harlin, nome conhecido por produções de ação e suspense como Duro de Matar 2 e Cliffhanger. Aqui, ele imprime um ritmo mais direto, mais visceral — sem muito tempo para respiros. O roteiro fica por conta da dupla Alan R. Cohen e Alan Freedland, que mergulha ainda mais fundo nas camadas psicológicas de Maya e na natureza quase ritualística da perseguição.
Além de Petsch, o elenco conta com Gabriel Basso, em alta após o sucesso de Agente Noturno, e Ema Horvath, que brilhou na série Os Anéis de Poder. O trio de protagonistas se vê envolvido em situações onde qualquer escolha errada pode ser fatal — e os mascarados estão sempre um passo à frente.
Uma ameaça sem rosto, sem voz… e sem motivo
O mais aterrador nessa franquia continua sendo o fato de que os agressores não têm uma história explorada. Nada de infância traumática, vingança ou qualquer justificativa tradicional. Eles matam porque querem. Porque podem. Porque estavam por perto. Os fãs apelidaram os três de Dollface, Man in the Mask e Pin-Up Girl, mas isso é tudo o que sabemos. O mistério sobre quem são e por que fazem o que fazem é parte essencial da experiência — e o filme faz questão de manter esse segredo intacto.
Continuação ou pesadelo renovado?
O segundo capítulo da nova trilogia não quer apenas repetir fórmulas. A ideia aqui é mostrar as consequências. Maya, antes apenas uma vítima em fuga, agora é alguém marcada por perdas, lembranças terríveis e um medo que não desgruda. A trilha sonora, os cenários e o jogo de luzes são pensados para transformar cada minuto em um estado de alerta. A tensão não se constrói com sustos gratuitos, mas com a sensação constante de que alguém — ou três “alguéns” — está te observando no escuro.
O trailer, aliás, já dá pistas disso: há cenas de floresta, postos de gasolina abandonados, luzes piscando e aquele silêncio que grita. É o tipo de filme que faz você olhar duas vezes para a porta da frente antes de dormir.
Medo que não envelhece
Enquanto muitos filmes do gênero apostam em explicações mirabolantes ou criaturas sobrenaturais, a trama segue outro caminho. Aqui, o terror mora no comum. No vizinho quieto, na estrada vazia, na batida inesperada à meia-noite. Esse tipo de história mexe com o nosso instinto mais primitivo: o medo de estar indefeso, de não entender, de não ter controle.
E talvez por isso funcione tão bem. Porque, no fundo, todo mundo já sentiu essa pontada de pavor ao ouvir um ruído estranho em casa. O que Harlin e sua equipe fazem é transformar esse sentimento em filme. E o resultado é, no mínimo, perturbador.
