A Queda do Céu chega aos cinemas brasileiros: Um chamado urgente para ouvir e enxergar os Yanomami

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Chega nesta quinta-feira, 20 de novembro, aos cinemas de diversas capitais e cidades brasileiras, o documentário “A Queda do Céu”, obra dirigida por Eryk Rocha e Gabriela Carneiro da Cunha, baseada no livro de mesmo nome escrito pelo xamã Yanomami Davi Kopenawa e pelo antropólogo Bruce Albert. Depois de uma trajetória internacional arrebatadora, marcada por 25 prêmios e exibição em mais de 80 festivais ao redor do mundo, o filme finalmente estreia no país onde sua mensagem é mais urgente — e onde seu impacto pode ser transformador.

A chegada do longa ao circuito nacional, passando por São Paulo, Rio de Janeiro, Belém, Belo Horizonte, Boa Vista, Brasília, Curitiba, Fortaleza, Manaus, Poços de Caldas, Recife, Salvador, Sorocaba e Vitória, representa mais do que uma distribuição ampla: é a tentativa de aproximar o Brasil de uma realidade que sempre existiu, mas que muitos ainda desconhecem. “A Queda do Céu” não é apenas cinema — é testemunho, denúncia, espiritualidade e convite.

Um filme guiado pela sabedoria Yanomami

Filmado ao longo de um período intenso de convivência com a comunidade de Watorikɨ, o documentário acompanha Davi Kopenawa durante o ritual Reahu, um dos mais importantes da cultura Yanomami, voltado à cura, à despedida e à continuidade da vida. A câmera observa com delicadeza, respeitando tempos, ritmos e silêncios. Não há pressa em explicar: há espaço para sentir.

É justamente essa escolha estética e ética que dá ao filme seu caráter imersivo. O espectador entra em contato com o pensamento Yanomami não como espectador distante, mas como visitante convidado a ouvir. E ouvir, aqui, significa encarar a gravidade do momento: o garimpo ilegal que avança, as doenças que retornam, os rios contaminados, a floresta ferida.

Kopenawa, como tem feito há décadas, traduz para o mundo o impacto espiritual dessa destruição. Para os Yanomami, quando a floresta adoece, não é apenas o território que sofre. O céu, sustentado pelos seres espirituais e pelo equilíbrio da natureza, ameaça cair. A metáfora é literal, profunda e atravessa todo o longa.

Da COP30 ao grande público

Antes de chegar aos cinemas brasileiros, o filme teve uma exibição especial na COP30, onde foi recebido como uma obra essencial para compreender a crise humanitária que atinge os Yanomami e a dimensão global do problema ambiental. Enquanto líderes mundiais discutem políticas de preservação, “A Queda do Céu” mostra, com sensibilidade e contundência, o que acontece quando a floresta deixa de ser vista como lar e passa a ser tratada como recurso.

Uma trajetória internacional de respeito e impacto

A estreia mundial na Quinzena dos Realizadores de Cannes marcou o início de uma jornada que levou o documentário a países de todos os continentes. A obra conquistou prêmios importantes em festivais como:

  • DOC NYC (EUA) – Grande Prêmio do Júri
  • DMZ Docs (Coreia do Sul) – Prêmio Especial do Júri
  • Festival do Rio (Brasil) – Melhor Som e Melhor Direção de Documentário
  • GIFF (México) – Melhor Documentário Internacional
  • DocLisboa (Portugal) – Prêmio Fundação INATEL
  • Bozcaada EcoFilm Festival (Turquia) – Prêmio Principal Fethi Kayaalp

A recepção crítica também impressiona: o longa mantém 100% de aprovação no Rotten Tomatoes, um feito raro até mesmo entre produções internacionais.

A crítica internacional reconhece a força da obra

Em sua análise no The New York Times, a jornalista Devika Girish descreveu o filme como “um lembrete doloroso de que os Yanomami resistem a invasões há mais de um século”. Para ela, um dos momentos mais marcantes é quando um ancião encara a câmera e pede aos diretores: “Parem de nos incomodar. Contem isso aos brancos.”

Outros críticos reforçaram essa visão:

  • Jason Gorber (POV Magazine) destacou o ritmo contemplativo e coerente com a espiritualidade Yanomami.
  • Ankit Jhunjhunwala (The Playlist) elogiou o mergulho profundo na vida da comunidade.
  • Carlos Aguilar (Variety) chamou o filme de “uma das obras documentais mais necessárias da memória recente”.

O que significa o filme estrear no Brasil agora

A chegada de “A Queda do Céu” aos cinemas brasileiros é mais do que o encerramento de um ciclo de festivais. Ela simboliza a devolução de uma conversa ao seu território original. É a oportunidade para que brasileiros de diferentes regiões se encontrem com uma narrativa que, apesar de fazer parte da história nacional, raramente ganha espaço no audiovisual. O filme possui classificação indicativa de 12 anos, o que permite que jovens também tenham acesso a essa discussão — essencial em um momento em que a pauta indígena, ambiental e humanitária pede atenção urgente.

O Justiceiro: Uma Última Morte | Vídeo dos bastidores mostra ação intensa e violência urbana no especial da Marvel

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O vídeo de bastidores de O Justiceiro: Uma Última Morte abriu uma nova camada de leitura sobre o especial do Disney+, destacando não apenas a construção das cenas de ação, mas também o tom mais sombrio e psicológico que guia a produção dentro do MCU. Com pouco mais de um minuto, o material mostra o foco em efeitos práticos, combates corpo a corpo e uma estética urbana que se distancia da grandiosidade habitual do universo compartilhado.

Mais do que um simples “making of”, o vídeo funciona como uma extensão da própria narrativa ao evidenciar o estado físico e emocional de Frank Castle. A câmera acompanha lutas próximas, explosões controladas e ambientes reais que reforçam a sensação de desgaste constante do personagem, que já não atua como um vigilante idealizado, mas como alguém consumido pela própria violência.

O material evidencia que Frank Castle não está apenas enfrentando inimigos externos, mas também lidando com um colapso interno progressivo. As cenas de gravação mostram o personagem em espaços apertados, corredores escuros e ruas caóticas, sempre em situações de confronto imediato, sem espaço para planejamento ou estratégia.

Como Frank Castle chegou a esse ponto na história?

A trajetória de Frank Castle dentro do MCU evoluiu até chegar a este momento de isolamento extremo. Em Demolidor: Renascido, o personagem já havia sido colocado em uma posição de vulnerabilidade emocional, especialmente após ser preso pelo prefeito Wilson Fisk e posteriormente escapar da prisão.

Esse evento funciona como um ponto de ruptura que empurra Castle ainda mais para fora de qualquer estrutura institucional. Em O Justiceiro: Uma Última Morte, ele surge vivendo à margem da sociedade em Nova York, tentando evitar o retorno à violência, mas claramente incapaz de se desconectar do papel que o define.

O que o especial mostra sobre a mente de Frank Castle?

O especial aprofunda o lado psicológico do personagem de forma mais intensa do que suas aparições anteriores. Frank Castle é retratado como alguém constantemente dividido entre a tentativa de abandono da violência e a necessidade compulsiva de responder ao crime com força extrema.

O vídeo de bastidores reforça essa dualidade ao mostrar o personagem em situações que exigem decisões rápidas e violentas, sugerindo que sua estabilidade emocional está cada vez mais comprometida. Em vários momentos, a narrativa parece construída em cima de gatilhos emocionais, onde memórias e traumas influenciam diretamente suas ações.

O que desencadeia a nova onda de violência?

A história do especial se estrutura a partir da ascensão de Ma Gnucci como nova figura do crime em Nova York. Ela surge como uma antagonista que não apenas desafia o Justiceiro, mas também reorganiza o submundo criminal ao redor da ideia de uma recompensa pela cabeça de Frank Castle.

Esse movimento transforma a cidade em um ambiente hostil contínuo, onde diferentes grupos passam a caçar o vigilante simultaneamente. O vídeo de bastidores sugere essa escalada por meio de sequências de invasão, perseguição e confrontos em múltiplos pontos urbanos, criando a sensação de cerco permanente.

Frank Castle ainda tenta se afastar do Justiceiro?

Mesmo diante da violência crescente, o especial explora a tentativa de Frank Castle de resistir ao próprio instinto de retorno à guerra. Há um esforço narrativo em mostrar que o personagem tenta, em alguns momentos, reconstruir uma rotina mínima de normalidade, ainda que isso seja constantemente interrompido pelo caos ao seu redor.

Essa tensão entre fuga e inevitabilidade é um dos elementos centrais da história. O vídeo de bastidores reforça isso ao alternar imagens de momentos mais silenciosos com explosões súbitas de ação, sugerindo que a paz para Castle é sempre temporária.

Quem está por trás da criação do especial?

A origem do projeto está diretamente ligada ao próprio Jon Bernthal, que desenvolveu a ideia durante as gravações de Demolidor: Renascido. A proposta nasceu da vontade de aprofundar o personagem em uma narrativa mais íntima e menos dependente de grandes eventos do MCU.

A Marvel Studios aprovou o projeto após avaliar diferentes versões do material e solicitar uma apresentação completa do ator. A partir daí, Bernthal passou a atuar não apenas como protagonista, mas também como parte ativa da construção criativa da história.

A direção ficou a cargo de Reinaldo Marcus Green, que já havia trabalhado com Bernthal em King Richard e na minissérie We Own This City, reforçando a abordagem mais realista e dramática da produção.

O que diferencia este especial dentro do MCU?

Ao contrário de outras produções do universo Marvel, o especial aposta em uma narrativa fechada, centrada exclusivamente em Frank Castle e na sua relação com a violência. Não há foco em grandes conexões cósmicas ou eventos multiversais, mas sim em um recorte urbano e psicológico.

O uso de efeitos práticos, amplamente destacado no vídeo de bastidores, reforça essa proposta. As cenas de luta não buscam espetáculo visual, mas impacto físico, com destaque para o desgaste corporal do personagem e a brutalidade dos confrontos.

Onde o especial se encaixa no MCU?

O especial se conecta diretamente aos eventos recentes de Demolidor: Renascido, mas funciona como uma história independente dentro do universo compartilhado. Essa estrutura permite que o personagem seja explorado com mais liberdade narrativa, sem depender de grandes crossovers.

O resultado é um retrato mais direto e intenso de Frank Castle, que volta a ocupar o centro de uma narrativa construída inteiramente em torno da violência urbana.

Papagaios | Assista ao teaser do filme que estreia hoje no 53º Festival de Cinema de Gramado, unindo suspense e comédia

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O cinema brasileiro recebe mais uma produção de destaque com a estreia mundial do longa-metragem Papagaios, dirigido pelo talentoso cineasta carioca Douglas Soares. O filme será apresentado na Mostra Competitiva de Longas-Metragens Brasileiros do 53º Festival de Cinema de Gramado, um dos eventos mais tradicionais e respeitados do país. A obra propõe uma abordagem única sobre o fenômeno dos “papagaios de pirata” — pessoas que buscam aparecer em transmissões de TV ou diante de câmeras apenas para obter algum tipo de reconhecimento momentâneo.

Misturando suspense e comédia, o longa acompanha personagens que, por diferentes motivos, se veem envolvidos em situações que questionam os limites da ética e do comportamento humano. Ao mesmo tempo que diverte, o filme provoca reflexões sobre a necessidade de ser visto, reconhecido e validado socialmente, levantando questões universais sobre a fama e os desejos individuais.

Douglas Soares, que acumula mais de 40 prêmios por seus trabalhos no segmento de documentários, traz para sua estreia no longa de ficção uma sensibilidade rara para capturar nuances humanas. “Este é um filme sobre pessoas comuns em situações extraordinárias. Quero que o público se divirta, mas que também reflita sobre como a busca por reconhecimento pode transformar a vida de alguém”, afirma o diretor. Para ele, a experiência em documentários ajudou a construir personagens realistas, mesmo em um enredo que mescla elementos de suspense e humor.

Uma sátira social sobre a fama

No centro de Papagaios está a figura do “papagaio de pirata”, que inspira tanto o título quanto o tom do filme. A obra expõe, de forma irônica, o comportamento daqueles que desejam aparecer na televisão ou nas redes sociais, muitas vezes sem considerar consequências ou ética. Cada personagem representa uma faceta desse fenômeno, mostrando que a fama instantânea pode seduzir, confundir e até colocar vidas em risco.

Ao longo da narrativa, o público é convidado a observar como pequenos atos de vaidade ou ambição se acumulam, levando a situações inesperadas e, por vezes, perigosas. O suspense não surge apenas das ações externas, mas também das tensões internas de cada personagem, que precisam lidar com seus próprios desejos e limitações. E é justamente essa mistura de tensão e humor que torna o longa envolvente, capaz de prender a atenção do espectador do início ao fim.

Festival de Cinema de Gramado: palco para novos talentos

A estreia do longa no 53º Festival de Cinema de Gramado representa um marco na carreira de Douglas Soares, que chega ao evento com seu primeiro longa-metragem de ficção. O festival, que já revelou inúmeros talentos do cinema nacional, é reconhecido por prestigiar obras autorais e oferecer visibilidade para cineastas que se destacam pela originalidade e qualidade técnica.

Além de Papagaios, a Mostra Competitiva de Longas-Metragens Brasileiros contará com outros cinco filmes: A Natureza das Coisas Invisíveis, Cinco Tipos de Medo, Nó, Querido Mundo e Sonhar com Leões. Juntos, eles disputam categorias como Melhor Filme, Melhor Direção, Melhor Ator e Atriz, Melhor Roteiro, Fotografia, Montagem, Trilha Musical, Direção de Arte, Ator e Atriz Coadjuvante, e Desenho de Som.

O prêmio de Melhor Filme inclui, além do tradicional Kikito, R$ 40 mil. O vencedor de Melhor Direção recebe R$ 10 mil, e as demais categorias são premiadas com R$ 5 mil. Para Soares, esse reconhecimento vai muito além do valor financeiro: é uma chance de consolidar sua carreira e mostrar ao público brasileiro uma obra que mescla entretenimento e reflexão social.

O olhar do diretor e a construção do longa

Douglas Soares sempre teve interesse em observar comportamentos humanos. Em seus documentários, ele capturava situações reais com sensibilidade e atenção aos detalhes, e essa experiência foi fundamental para criar Papagaios. “No documentário, você observa o real. No longa, você cria o real dentro de uma narrativa. Mas a essência de observar e compreender pessoas continua sendo a mesma”, explica.

O roteiro, também assinado por Soares, equilibra suspense, comédia e crítica social, mantendo o ritmo da narrativa e o interesse do espectador. Cada cena é cuidadosamente construída para gerar identificação com os personagens, ao mesmo tempo em que provoca risadas e reflexões. O filme nos lembra que todos, em algum momento, já tivemos o desejo de ser notados, ainda que de maneiras simples ou inesperadas.

A experiência do público

O público que assistir ao filme no Festival de Gramado poderá experimentar uma mistura de emoções. Momentos de suspense se alternam com cenas cômicas, enquanto a sátira social nos convida a questionar comportamentos contemporâneos. A obra consegue entreter e, simultaneamente, levar o espectador a pensar sobre os valores que norteiam nossas escolhas e ações.

A estreia mundial está marcada para o dia 17 de agosto, às 18h, no Palácio dos Festivais, em Gramado. Os ingressos estão à venda no site oficial do festival, e a expectativa é de que a sessão reúna tanto a crítica especializada quanto o público interessado em cinema nacional de qualidade.

Reflexão sobre o impacto da fama

Mais do que uma comédia ou suspense, a trama é um filme que reflete sobre a influência da fama na vida das pessoas. Ele questiona até que ponto a busca por reconhecimento pode alterar comportamentos, relações e decisões. Cada personagem traz suas próprias fragilidades, mostrando que a exposição e a vaidade podem ter efeitos complexos e imprevisíveis.

O filme também funciona como uma espécie de espelho da sociedade contemporânea, marcada pela cultura do imediatismo e da visibilidade. Douglas Soares consegue transformar um fenômeno comum — o desejo de aparecer — em uma narrativa envolvente, capaz de dialogar com públicos de diferentes idades e experiências.

Um filme para rir, refletir e se emocionar

O filem promete proporcionar uma experiência cinematográfica completa: humor, suspense, crítica social e emoção. A combinação desses elementos faz com que o longa seja não apenas um entretenimento, mas também uma oportunidade de reflexão sobre nossos próprios comportamentos e desejos.

Para Douglas Soares, a obra é um convite à empatia e à compreensão do ser humano. “Quero que o público se identifique com os personagens, que se divirta com suas situações, mas que também pense sobre o que faria em um cenário semelhante. O filme fala sobre escolhas, ética e humanidade, e espero que cada espectador leve essas reflexões consigo”, afirma o diretor.

Frestas | Trienal de Artes ocupa o Sesc Sorocaba e a cidade com percurso entre arte e memória

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A partir de 27 de fevereiro de 2026, o Sesc Sorocaba se transforma em um grande território de encontros com a abertura da 4ª edição de Frestas – Trienal de Artes. Com 102 participantes, entre artistas e iniciativas comunitárias do Brasil e de outros países, e 188 projetos apresentados, a mostra expande seus limites físicos e simbólicos para além da unidade, ocupando também diferentes pontos da cidade.

O estacionamento G2 do Sesc vira uma ampla galeria expositiva, mas o percurso não termina ali. A Trienal se espalha por espaços como a Capela João de Camargo, o Clube 28 de Setembro, o Monumento Pelourinho e o Monumento à Mãe Preta, criando um trajeto que convida o público a caminhar e a perceber a cidade como parte essencial da experiência artística.

Sob curadoria de Luciara Ribeiro, Naine Terena e Khadyg Fares, com assistência de Cadu Gonçalves e Cristina Fernandes e coordenação educativa de Val Chagas, esta edição traz o título do caminho um rezo. A proposta parte da ideia de que caminhar pode ser um gesto político, espiritual e coletivo. O conceito dialoga com reflexões do artista e professor Tadeu Kaingang, com a noção andina de “Thaki” descrita por Silvia Rivera Cusicanqui e com o pensamento afropindorâmico de Antônio Bispo dos Santos, conhecido como Nêgo Bispo.

A Trienal se constrói como uma escuta sensível do território sorocabano. Para isso, foram criados dois conselhos consultivos. O Conselho Territorial aproximou a mostra de iniciativas locais e ampliou o diálogo com as dinâmicas sociais e comunitárias da cidade. Já o Conselho Conexões expandiu os horizontes conceituais do projeto, articulando perspectivas diversas sobre coletividade e modos de habitar o mundo.

Entre os destaques internacionais está a artista palestina Emily Jacir, que apresenta o filme Letter to a Friend, obra que costura memória pessoal e conflito geopolítico a partir de Belém, na Palestina. Da Austrália, Gordon Hookey, integrante do povo Waanyi, exibe Murriland! 2, trabalho que revisita criticamente a história de Queensland sob perspectiva indígena. Outro nome central é Richard Long, referência da land art britânica, que apresenta A linha feita pelo caminhar, registro emblemático do gesto repetido de traçar um percurso sobre o gramado.

A mostra também enfatiza práticas que articulam corpo, território e afirmação política. A Plataforma Demonstra apresenta obras de artistas com deficiência, propondo uma experiência que prioriza convivência e acessibilidade poética. Em diálogo com essa discussão, o artista baiano Edu O. exibe Ah, se eu fosse Marilyn!, trabalho que tensiona padrões de beleza e questiona quais corpos são autorizados a ocupar o espaço público.

Saberes tradicionais e práticas agroecológicas ganham espaço com a CAIANAS – Coletivo Ambientalista Indígena de Ação para Natureza Agroecologia e Sustentabilidade, que transforma preservação ambiental em gesto artístico, e com o Projeto Carpinteiros da Amazônia, reunindo mestres carpinteiros de comunidades ribeirinhas e quilombolas do Pará em demonstrações e conversas públicas.

A espiritualidade também atravessa a Trienal. O artista paulistano No Martins instala a obra Deus tá vendo na ponte estaiada da unidade, enquanto Moisés Patrício apresenta Sete cantos para pai João de Camargo, em diálogo direto com a tradição religiosa negra de Sorocaba.

O próprio Rio Sorocaba surge como presença simbólica e política na exposição. Ele aparece na obra coletiva Memórias do Rio: ecos de resistência e também em trabalhos como O rio que rasga a minha cidade, de Julio Veredas, e Dança um rio onde eu nasci, de Douglas Emilio.

Leia o resumo de A Viagem deste sábado, 24 de agosto

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Foto: Reprodução/ Internet

Nos olhos de Alexandre, um turbilhão de imagens começa a se formar, trazendo à tona memórias de uma vida passada. Ele vê claramente o ocorrido entre ele e Otávio, momentos que pertencem a uma encarnação anterior, mas que ainda vibram em sua alma com a força de algo inacabado. Cada emoção, cada decisão tomada, cada palavra dita ecoa em sua mente como um lembrete doloroso de um destino entrelaçado. Enquanto isso, em outro lugar, Otávio desperta lentamente, encontrando-se em um campo florido, onde o ar é leve e o perfume das flores preenche seus sentidos. A serenidade do lugar contrasta fortemente com a escuridão e o peso que Alexandre sente ao caminhar pelo Vale dos Suicidas, um lugar sombrio onde almas angustiadas vagam em um eterno tormento, presas no ciclo de dor e arrependimento.

Ainda no capítulo, Alberto, por outro lado, vive o seu próprio inferno na Terra. Ele chega ao local do acidente e, ao ver o corpo inerte de Otávio, sente o chão desaparecer sob seus pés. A dor é aguda, uma facada que atravessa seu coração. Otávio, seu amigo de longa data, se foi, e a sensação de impotência o domina. Com lágrimas nos olhos, Alberto acompanha o corpo até o Instituto Médico Legal (IML), cada passo mais difícil que o anterior. Ele se esforça para manter a compostura, mas por dentro, ele está em pedaços. Sabendo que precisa agir, mesmo em meio ao caos emocional, Alberto liga para Queiroz. Com a voz trêmula, ele pede ao amigo que cuide de todas as formalidades burocráticas, algo que ele não se sente capaz de enfrentar naquele momento.

O próximo desafio é ir até a casa de Otávio. Ao chegar, Alberto sente o peso da responsabilidade que recai sobre seus ombros. Tato e Dudu, os filhos de Otávio, correm para recebê-lo, alheios ao que está por vir. Alberto se ajoelha na frente deles, tentando encontrar as palavras certas. Com a voz embargada, ele finalmente conta sobre o acidente. O impacto da notícia é imediato—Tato e Dudu ficam paralisados, os olhos cheios de lágrimas, incapazes de entender completamente o que acaba de acontecer. A casa, antes cheia de vida, agora é dominada por um silêncio esmagador.

Enquanto isso, na fazenda, Dinah está inquieta. Algo dentro dela sabe que algo está errado, e a ausência de notícias de Otávio só aumenta sua ansiedade. Quando o telefone finalmente toca, ela corre para atender. Do outro lado da linha, a voz de Alberto é um misto de dor e resignação. Ele tenta ser forte, mas Dinah sente o peso da tragédia nas palavras dele. A notícia atinge-a como um raio, e ela quase desaba. Estela, que está ao lado dela, tenta confortá-la, mas ambas estão devastadas.

Alberto, sempre cuidadoso, pensa nos filhos de Otávio primeiro. Ele os leva para o velório, onde o silêncio e a dor pairam pesadamente no ar. Dudu e Tato estão visivelmente abalados, suas jovens mentes tentando processar a perda do pai. Logo depois, Alberto vai buscar Estela e Dinah. No carro, o clima é de luto e de uma tristeza silenciosa, onde cada um tenta encontrar algum consolo nos outros. Quando chegam ao velório, Dudu, Tato e Dinah se encontram em um abraço que parece querer unir as partes de seus corações partidos. Eles choram juntos, sentindo a ausência de Otávio em cada lágrima que cai.

Depois do velório, ao retornar para casa, Dinah está exausta emocionalmente. Ela pede a Alberto e Estela que a deixem sozinha por um momento. Ela precisa de espaço para processar sua dor, para tentar compreender o vazio que agora ocupa seu coração. Quando ela finalmente se encontra sozinha, a realidade da perda a atinge com toda a força. Alberto, antes de sair, compartilha com Dinah uma revelação dolorosa, mas que também traz algum conforto. Ele lhe diz que Otávio sabia que seu tempo estava chegando ao fim, e que cada ação sua nos últimos tempos foi movida por um profundo e inabalável amor por ela. Essas palavras ficam ecoando na mente de Dinah, trazendo lágrimas novas aos seus olhos, mas também um entendimento mais profundo do amor que Otávio sempre lhe dedicou, um amor que transcende até mesmo a morte.

Resumo da novela Abismo de Paixão 01/03/2024 sexta-feira

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Confira abaixo um resumo do episódio da novela “Abismo de Paixão” previsto para ir ao ar em 01/03/2024, sexta-feira, às 21h, no SBT. Esta envolvente trama é estrelada pelos talentosos Angelique Boyer e David Zepeda nos papéis principais, enquanto Blanca Guerra, Sabine Moussier, Salvador Zerboni, Altaír Jarabo, Sergio Mayer e Issabela Camil desempenham papéis antagonistas.

No capítulo da novela Abismo de Paixão, Ramiro solicita a Vicente que se aproxime de Bráulio, visando obter livre acesso à processadora, e instiga o jovem a encontrar uma maneira de danificar a maquinaria. Guadalupe comunica a Almerinda que descobriu o testamento original de Rogério e a pressiona para que libere imediatamente a parte destinada a Gael. Dolores chega à residência de Lucio e informa a Elisa que agora é a esposa de Bráulio, expressando sua felicidade. Além disso, aconselha Elisa a não renunciar ao amor e a lutar por Damião. Damião conversa com Bráulio e Lucio, solicitando ajuda para convencer Elisa a adquirir ações de sua processadora, a fim de forçar sua mãe a consentir em seu casamento. No cemitério, Guadalupe espera por Elisa para revelar toda a verdade sobre sua tia, quando Carmem aparece e tenta seduzi-lo. Diante da recusa de Guadalupe, Carmem, furiosa, o esfaqueia para evitar que ele revele informações a Elisa. Horácio testemunha o assassinato de Guadalupe por Carmem.

Ainda no capítulo de Abismo de Paixão, Ramiro chega ao cemitério e, ao perceber que Carmem cometeu o crime, a retira do local para evitar testemunhas. Horácio se aproxima de Guadalupe e tenta socorrê-lo, mas já é tarde demais. Damião e Elisa, convocados pelo Padre Guadalupe, vão ao cemitério e encontram Guadalupe agonizando. Ele tem apenas tempo para dizer que apenas o amor pode salvá-los antes de falecer. Elisa, inconsolável, chora ao lado de Dolores, que revela ter ouvido o padre mencionar que Carmem foi a responsável pela morte de Augusto. Horácio informa a Almerinda sobre a morte do Padre Guadalupe e acusa Carmem e Ramiro pelo assassinato. Damião entra em contato com Gael e solicita seu retorno à cidade, pois Guadalupe está morto.

O resumo da novela Abismo de Paixão é de total responsabilidade da emissora, de modo que o Almanaque Geek se isenta de possíveis mudanças na exibição.

Euphoria | Trailer do episódio 6 expõe Cassie no limite e indica nova escalada de caos na série

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O clima em Euphoria promete ficar ainda mais pesado no próximo capítulo. A HBO divulgou o trailer do episódio 6 da terceira temporada, que estreia no domingo, dia 17, e as imagens já apontam para uma fase de maior descontrole dentro da história.

As cenas não economizam na tensão e deixam claro que os personagens entram em um ponto de virada, onde decisões tomadas no calor do momento começam a cobrar um preço alto. O vídeo mantém a identidade já conhecida da série, com uma narrativa guiada por conflitos emocionais intensos, atitudes impulsivas e consequências que se acumulam sem pausa.

Entre os destaques, Cassie, interpretada por Sydney Sweeney, aparece em posição central nesse novo turbilhão. A personagem surge cada vez mais pressionada pelos acontecimentos ao seu redor, com sinais claros de que sua trajetória está se tornando difícil de controlar e de prever dentro da trama.

Cassie está perdendo o controle ou tentando assumir o próprio destino?

Ao longo da temporada, Cassie vem tentando transformar sua exposição em autonomia, mas o resultado tem sido um caminho cada vez mais instável. Depois de ganhar atenção ao lado do influenciador Brandon Fontaine, ela passa a explorar plataformas de conteúdo por assinatura e novas oportunidades dentro do entretenimento, incluindo sua participação na novela fictícia LA Nights.

A influência de Maddy, vivida por Alexa Demie, também continua presente, criando uma dinâmica ambígua entre incentivo e conflito. Nesse cenário, Cassie oscila entre o desejo de independência e a sensação de estar cada vez mais presa às consequências de suas próprias escolhas.

Até onde vai o envolvimento de Rue com o submundo do crime?

Enquanto isso, Rue, interpretada por Zendaya, segue mergulhada em uma trajetória marcada por dependência química e relações perigosas com o submundo.

Depois de tentar recomeçar de forma simples, ela acaba novamente envolvida em situações de risco, onde dívidas e alianças com figuras criminosas definem sua sobrevivência. A personagem vive em um ciclo constante de recaídas e tentativas de fuga, sempre à beira de novas consequências.

Como a temporada está conectando os caminhos dos personagens?

A terceira temporada de Euphoria vem explorando a vida dos personagens após o ensino médio, mostrando como cada um tenta se reinventar longe das estruturas que conhecia.

Cassie e Nate lidam com uma relação instável marcada por ambições e pressões financeiras, enquanto Maddy tenta consolidar sua carreira no gerenciamento de influenciadores. Lexi busca espaço no mundo do entretenimento, e Jules enfrenta uma nova realidade em Nova York, onde liberdade e insegurança caminham lado a lado.

No centro desse emaranhado emocional, Rue continua sendo o elo mais instável, conectando diferentes histórias por meio de suas crises pessoais e escolhas extremas.

A série ainda consegue surpreender ou já entrou em colapso narrativo?

Criada por Sam Levinson, a série continua sendo um dos títulos mais comentados da atualidade justamente por sua abordagem direta e sem filtros sobre temas como juventude, trauma e autodestruição.

Apesar das discussões constantes sobre sua intensidade narrativa, Euphoria mantém forte impacto cultural, influenciando moda, estética e comportamento digital entre o público jovem.

O que esperar do próximo episódio após esse novo trailer?

Com o novo trailer, o episódio 6 promete elevar ainda mais a tensão entre os personagens, especialmente no arco de Cassie e Rue, que parecem cada vez mais próximas de decisões irreversíveis.

Se a temporada continuar nesse ritmo, a tendência é que os próximos capítulos aprofundem ainda mais o lado emocional e caótico da narrativa, reforçando a ideia de que, em Euphoria, nenhuma escolha passa sem um preço alto.

Jovens Malditos | Villa Diodati volta a inspirar o horror em romance que revisita o nascimento da literatura gótica

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Duzentos anos depois de um verão que mudou para sempre a história da literatura, a Villa Diodati retorna ao centro da imaginação coletiva como cenário de medo, criação e confronto emocional. Em Jovens Malditos, romance da autora inglesa M. A. Bennett, publicado no Brasil pela Plataforma21, o lendário encontro que deu origem a Frankenstein e lançou as bases do mito moderno do vampiro é reimaginado sob a ótica do horror contemporâneo, dialogando diretamente com as angústias, dilemas e monstros do século XXI.

Localizada às margens do Lago de Genebra, a Villa Diodati foi palco, em 1816, de um dos episódios mais emblemáticos da cultura ocidental. Reunidos durante um verão marcado por tempestades e isolamento, Mary Shelley, Percy Bysshe Shelley, Lord Byron e John Polidori desafiaram uns aos outros a escrever histórias assustadoras. O resultado desse jogo criativo ecoa até hoje na literatura, no cinema e no imaginário popular. Em Jovens Malditos, esse passado não é apenas referência histórica, mas o alicerce simbólico de uma narrativa que questiona o papel da arte, da dor e da responsabilidade criativa.

A história começa com um convite sedutor. Quatro jovens artistas são selecionados para participar do programa Juventude Gótica, uma iniciativa que promete incentivar talentos nas artes literárias e cênicas. O objetivo declarado é ambicioso: reunir criadores contemporâneos para refletir sobre os medos atuais e reinventar, duzentos anos depois, aquele verão que deu origem à literatura gótica. O convite, porém, carrega um subtexto inquietante desde o início. Mais do que criar histórias de terror, os participantes são desafiados a olhar para dentro de si.

Os escolhidos representam diferentes formas de expressão artística e também diferentes maneiras de lidar com o mundo. Eve é uma booktuber conhecida por falar abertamente sobre morte, luto e temas que muitos preferem evitar. Griffin, um rapper de sucesso, transforma experiências de violência e exclusão social em letras cruas e confessionais. Hal construiu sua carreira como youtuber especializado em cinema de terror, alguém que domina a linguagem do medo, mas sempre a partir da segurança da tela. Ren, por sua vez, é um ator e performer fascinado por narrativas vampirescas, usando o próprio corpo como ferramenta de expressão artística.

Ao chegarem à Villa Diodati, os quatro se deparam com um ambiente que mistura reverência histórica e desconforto constante. Cada quarto presta homenagem a uma figura do encontro de 1816, reforçando o peso simbólico do lugar. No entanto, a mansão não se comporta como um simples retiro criativo. Há regras pouco claras, uma equipe silenciosa que evita contato direto e uma sensação persistente de que cada gesto está sendo observado. A promessa de liberdade artística rapidamente se transforma em vigilância.

O ponto de ruptura da narrativa ocorre durante a leitura do Fantasmagoriana, coletânea de histórias de terror que inspirou o desafio criativo original de Mary Shelley e seus contemporâneos. O exercício, proposto pela Fundação Diodati como parte do programa, desencadeia uma série de acontecimentos perturbadores. Visões, manifestações físicas inexplicáveis e experiências sensoriais extremas passam a afetar os participantes de forma individual e coletiva. Medos íntimos, culpas reprimidas e traumas mal resolvidos ganham forma, tornando impossível distinguir onde termina a criação artística e começa a realidade.

A situação se agrava com a chegada inesperada de uma visitante e sua morte misteriosa nos arredores da mansão. A partir desse evento, o clima de desconfiança se intensifica. Os jovens passam a questionar não apenas a segurança do local, mas as verdadeiras intenções da Fundação Diodati. O que deveria ser um espaço de criação se revela um território de experimentação extrema, onde ciência, tecnologia e ocultismo se entrelaçam de maneira inquietante.

Com sensibilidade e precisão, M. A. Bennett constrói uma narrativa que utiliza o horror como linguagem emocional. Jovens Malditos não se contenta em provocar medo superficial. O livro explora temas como identidade, pertencimento, sexualidade, culpa e trauma, transformando o terror em ferramenta de reflexão. Os monstros que surgem ao longo da história não são apenas criaturas sobrenaturais, mas projeções de dores reais, individuais e coletivas. A pergunta central deixa de ser “o que nos assusta?” e passa a ser “o que estamos dispostos a ignorar?”.

Inserido no subgênero conhecido como dark academy, o romance dialoga com uma estética marcada por espaços fechados, instituições enigmáticas e jovens intelectualmente inquietos. Ao mesmo tempo, mantém um forte vínculo com a tradição da literatura gótica, atualizando seus símbolos para um público contemporâneo. O resultado é uma obra que conversa tanto com leitores jovens quanto com aqueles já familiarizados com os clássicos do gênero.

Primeiro volume de uma duologia, Jovens Malditos aposta em personagens moralmente ambíguos e em uma trama que se constrói de forma gradual, intensificando a sensação de desconforto a cada capítulo. A leitura agrada fãs de narrativas como Wandinha e Stranger Things, mas também se destaca por sua abordagem mais psicológica e reflexiva, que recusa respostas fáceis ou finais reconfortantes.

Franquia Assassin’s Creed retorna ao audiovisual com série da Netflix sob comando dos criadores de Westworld e Halo

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Esdras Barbosa
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Foto: Reprodução/ Internet

A Ubisoft confirmou que a popular franquia Assassin’s Creed ganhará uma nova adaptação para o audiovisual, desta vez em formato de série para a Netflix. Após o longa-metragem lançado em 2016, estrelado por Michael Fassbender, a saga que estreou nos videogames em 2007 retorna para explorar seu rico universo em um projeto televisivo ambicioso.

O desenvolvimento da série está a cargo de Roberto Patino e David Wiener, que assumem os papéis de criadores, showrunners e produtores executivos. Patino é reconhecido por seu trabalho em Westworld, enquanto Wiener é um dos nomes por trás da série de sucesso Halo. Essa dupla traz experiência na condução de narrativas complexas e de grande apelo para o público fã de ficção científica e fantasia.

Além dos criadores, a produção executiva inclui Gerard Guillemot, Margaret Boykin e Austin Dill pela Ubisoft Film & Television, bem como Matt O’Toole, conforme divulgado pelo site Deadline. Em declaração oficial, Patino e Wiener expressaram entusiasmo pelo projeto:
“Somos fãs de Assassin’s Creed desde seu lançamento em 2007. A cada dia que trabalhamos nesta série, ficamos animados e honrados com as possibilidades que Assassin’s Creed nos abre. Por trás do escopo, do espetáculo, do parkour e das emoções está a base para o tipo mais essencial de história humana — sobre pessoas em busca de propósito, lutando com questões de identidade, destino e fé. É sobre poder, violência, sexo, ganância e vingança.”

Apesar do anúncio, detalhes sobre o elenco, datas de início das filmagens ou lançamento ainda não foram divulgados, mantendo em sigilo as informações que possam antecipar a produção.

A aposta da Netflix em Assassin’s Creed acompanha uma tendência crescente da plataforma em investir em adaptações de videogames, visando capitalizar o público cativo desses universos e ampliar a oferta de conteúdos originais para seu catálogo.

A franquia de sucesso

Desde sua estreia em 2007, Assassin’s Creed tornou-se um dos títulos mais influentes da indústria dos videogames. Desenvolvida pela Ubisoft, a série se destaca por combinar aventura, ação e narrativas históricas que transportam o jogador a diferentes épocas, como o Renascimento, a Revolução Americana e o Egito Antigo.

O jogo gira em torno da eterna batalha entre Assassinos e Templários, duas facções com ideais opostos sobre liberdade e controle. Através da tecnologia fictícia do Animus, que permite acessar memórias genéticas, o jogador revive as vidas dos ancestrais em cenários detalhados e fiéis à história.

Com gráficos cada vez mais sofisticados, mundo aberto expansivo e mecânicas de gameplay refinadas, a franquia conquistou uma base fiel de fãs e continua atraindo novos jogadores. Além dos jogos, a obra também ganhou adaptações para outras mídias, como o filme de 2016 estrelado por Michael Fassbender. Agora, a Netflix aposta em uma série original que promete aprofundar os temas centrais da franquia, sob o comando dos criadores de Westworld e Halo.

Netflix amplia catálogo dublado de One Piece e avança no arco Whole Cake Island a partir de maio

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Esdras Barbosa
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A Netflix confirmou a chegada de novos episódios dublados de One Piece ao catálogo brasileiro, dando continuidade à estratégia de expansão da obra no país. A partir do dia 1º de maio, a plataforma disponibiliza os episódios 823 a 832 com dublagem em português do Brasil, ampliando a cobertura de um dos arcos mais importantes da fase recente do anime.

A atualização representa mais um passo no processo de adaptação da série para o público nacional, que há anos acompanha a trajetória de Monkey D. Luffy e dos Piratas do Chapéu de Palha. Mesmo com o novo lote, o arco Whole Cake Island ainda não será completamente contemplado na versão dublada, já que a saga se estende originalmente do episódio 783 ao 878.

O arco em questão é marcado por uma narrativa mais densa e emocional. Na história, Luffy embarca em uma missão arriscada para resgatar seu companheiro Sanji, que se vê envolvido em um casamento político forçado. A jornada leva o protagonista até a ilha Whole Cake, um território peculiar onde construções e paisagens são compostas por doces, mas que esconde uma atmosfera de tensão constante.

A região é comandada por Charlotte Linlin, conhecida como Big Mom, uma das figuras mais poderosas e temidas do universo da série. Sob seu domínio, o arco desenvolve conflitos que vão além das batalhas, explorando relações familiares, lealdade e sacrifícios pessoais, especialmente no núcleo envolvendo Sanji.

Criado por Eiichiro Oda, One Piece é considerado um dos maiores fenômenos da indústria dos mangás. A obra teve início em 1997 na revista Weekly Shōnen Jump, publicada pela Shueisha, e desde então construiu um universo vasto, repleto de personagens, culturas e geografias únicas.

A narrativa acompanha Luffy, um jovem que adquiriu habilidades de borracha após consumir uma fruta especial. Com o sonho de se tornar o Rei dos Piratas, ele reúne uma tripulação diversa e parte em busca do lendário tesouro conhecido como One Piece, enfrentando inimigos poderosos e desvendando mistérios ao longo da Grand Line.

Ao longo dos anos, a franquia se expandiu para além dos quadrinhos. A adaptação em anime, produzida pela Toei Animation, está em exibição desde 1999 e ultrapassou a marca de mil episódios, consolidando-se como uma das produções mais longevas da televisão japonesa. Filmes, especiais e jogos eletrônicos também fazem parte do ecossistema da série.

No Brasil, a popularidade de One Piece cresceu significativamente com a chegada das plataformas de streaming. Além da Netflix, a série também é exibida simultaneamente pela Crunchyroll, permitindo que o público acompanhe tanto episódios recentes quanto versões dubladas.

A dublagem em português tem desempenhado um papel fundamental nesse processo de expansão. Ao tornar a obra mais acessível, a iniciativa contribui para alcançar novos públicos e fortalecer a base de fãs no país. A qualidade da adaptação brasileira também é um diferencial, garantindo uma experiência mais imersiva para os espectadores.

Outro fator que impulsiona a relevância da franquia é seu desempenho comercial. One Piece é reconhecido como o mangá mais vendido da história, com centenas de milhões de cópias distribuídas globalmente. O sucesso se reflete também em outras áreas, como cinema, produtos licenciados e até adaptações em live-action.

Em 2023, a Netflix lançou uma versão em live-action da história, que apresentou o universo de Luffy a um novo público. A produção foi bem recebida e já tem uma segunda temporada confirmada, prevista para estrear em 2026, ampliando ainda mais o alcance da franquia.

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