Domingo Maior de hoje (23) exibe “Infiltrado na Klan”: O suspense poderoso de Spike Lee sobre racismo e resistência

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O Domingo Maior de hoje, 23 de novembro, aposta em um dos filmes mais impactantes da última década: “Infiltrado na Klan” (BlacKkKlansman), dirigido por Spike Lee (Faça a Coisa Certa, Céus e Infernos, O Plano Perfeito). Misturando tensão, humor ácido e um senso de urgência política, o longa resgata uma história real que parece dialogar diretamente com o presente, mesmo ambientada nos anos 1970.

A produção acompanha Ron Stallworth, interpretado por John David Washington, um jovem policial negro do Colorado que tomou uma decisão ousada e quase impensável para a época. Em 1978, ele conseguiu se infiltrar na Ku Klux Klan, uma das organizações supremacistas brancas mais violentas dos Estados Unidos. A investigação começou por telefone, onde Ron fingia ser um homem branco e simpatizante dos ideais racistas do grupo. À medida que a operação avançava, outro policial (branco) precisava aparecer pessoalmente nas reuniões para manter a farsa. (Via: AdoroCinema)

O resultado foi uma parceria improvável, tensa e ao mesmo tempo brilhantemente construída, principalmente por causa da atuação de Adam Driver, que vive o policial que se passa por Ron nos encontros presenciais com os membros da Klan. A operação secreta durou meses e expôs planos de ataques, linchamentos e crimes de ódio organizados pela seita. Para além do suspense policial, Spike Lee transforma a história numa crítica direta ao racismo estrutural, mostrando como discursos de ódio se espalham, encontram espaços e se disfarçam ao longo das décadas.

Um filme que mistura indignação, humor e esperança

“Infiltrado na Klan” não é apenas sobre a investigação. É também sobre o peso emocional de ser um homem negro enfrentando um sistema que muitas vezes tenta silenciar, apagar ou intimidar. Spike Lee equilibra momentos de ironia e sátira com cenas duras, sem medo de provocar o espectador.

A narrativa vibra justamente por saber rir do absurdo que atravessa a história como quando Ron liga para o líder da Klan, interpretado por Topher Grace, e é recebido com entusiasmo, mesmo descrevendo preconceitos abertamente racistas.

Ao mesmo tempo, o filme respira através de personagens como Patrice (Laura Harrier), que levanta discussões sobre identidade, resistência e ativismo negro num período de profundas tensões sociais nos EUA.

Elenco comprometido e direção afiada

O elenco do filme atua com uma entrega que dá corpo e verdade à história. John David Washington (“Tenet”, “Malcolm & Marie”, série “Ballers”) interpreta Ron Stallworth com firmeza, carisma e nuances que revelam tanto a coragem quanto a vulnerabilidade do personagem. Adam Driver (“História de um Casamento”, “Paterson”, franquia “Star Wars”) dá vida a Flip Zimmerman mergulhando no conflito identitário de um policial judeu infiltrado em um grupo supremacista, trazendo tensão e sensibilidade à narrativa.

Laura Harrier (“Homem-Aranha: De Volta ao Lar”) ilumina a história com presença marcante, enquanto Topher Grace (“That ‘70s Show”, “Homem-Aranha 3”), Ryan Eggold (“The Blacklist”, “New Amsterdam”) e Jasper Pääkkönen (“Vikings”, “O Atentado ao Hotel Taj Mahal”) completam o time com atuações que reforçam a força política, emocional e crítica do filme.

Na versão exibida na TV, a dublagem brasileira com Marcelo Campos, Alfredo Rollo, Samira Fernandes e Felipe Zilse mantém a força das interpretações originais, reforçando a intensidade e a humanidade que o longa pede.

Um sucesso de crítica, bilheteria e relevância

Lançado em 2018, o filme arrecadou mais de US$ 89 milhões em todo o mundo, contra um orçamento de US$ 15 milhões, um ótimo desempenho para um filme de forte teor político. Nos Estados Unidos, estreou com US$ 10,8 milhões e garantiu a Spike Lee seu melhor fim de semana de abertura desde Plano Perfeito (2006). A produção também ganhou o Oscar de Melhor Roteiro Adaptado, marcando um dos momentos mais celebrados da carreira do diretor.

Jogos Mortais 11 é adiado indefinidamente pela Lionsgate, mas franquia segue viva

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Fãs de Jogos Mortais, podem respirar – ou pelo menos tentar. O tão aguardado Jogos Mortais 11 foi adiado indefinidamente pela Lionsgate, e isso pegou muita gente de surpresa. O filme estava previsto para estrear em 26 de setembro de 2025, mas foi removido do calendário sem uma nova data definida. Agora, a pergunta que não quer calar: isso significa que a franquia morreu de vez?

A resposta parece ser um sonoro “não”. Embora o The Hollywood Reporter tenha revelado que há conflitos internos entre o estúdio e os produtores, a Lionsgate decidiu responder aos rumores de um jeito bem inusitado: com um comunicado do próprio Billy, o icônico fantoche de Jigsaw. Na mensagem, ele dispara:

“Eu vi os rumores. Eles dizem que é Game Over. Vocês todos deveriam me conhecer melhor do que isso. O jogo nunca acaba.”

Se isso não é um recado direto para os fãs, então nada mais é!

O que está rolando nos bastidores?

Pelo que se sabe, o problema não é o roteiro. Patrick Melton, roteirista do filme ao lado de Marcus Dunstan, contou ao THR que eles entregaram um rascunho do roteiro em maio de 2024. Desde então, o projeto ficou “parado em um nível gerencial” – ou seja, os chefões da Lionsgate ainda não deram o sinal verde para seguir adiante.

Melton também soltou uma declaração intrigante: segundo ele, a história de Jogos Mortais 11 é extremamente relevante para os tempos atuais, da mesma forma que Jogos Mortais 6 foi na época. Para quem não lembra, esse sexto filme colocou Jigsaw em rota de colisão com executivos de planos de saúde, uma crítica direta ao sistema. Agora, Melton menciona que o novo enredo poderia ter um impacto semelhante, especialmente após o assassinato do CEO da UnitedHealthcare, Brian Thompson.

E agora, o que acontece?

Enquanto o futuro de Jogos Mortais 11 segue indefinido, a Lionsgate já preencheu sua vaga no calendário: Os Estranhos: Capítulo 2 assumiu a data de 26 de setembro de 2025.

Mas os fãs de Jigsaw sabem que ele sempre tem uma carta na manga. O jogo pode estar pausado, mas se o próprio Billy garantiu que ele nunca acaba… É bom ficarmos atentos!

Spin-off do best-seller “Caos Total” estreia no Brasil com o irreverente Gato-Endiabrado

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A VR Editora acaba de lançar no Brasil As aventuras do Gato-Endiabrado, spin-off da popular série infantil Caos Total, que conquistou uma legião de jovens leitores com sua mistura de humor, ação e personagens inesquecíveis. Escrito e ilustrado pelo autor sul-africano Ralph Lazar, o novo título traz para o centro da narrativa um felino nada convencional — com duas caudas, pouco autocontrole e um talento meio duvidoso para o crime — que promete arrancar gargalhadas e confundir seus adversários com planos mirabolantes e situações totalmente imprevisíveis.

O Gato-Endiabrado se autodenomina o maior vilão do mundo, mas quem acompanha suas peripécias sabe que o máximo que ele consegue é ser um anti-herói atrapalhado. Entre cochilos estratégicos e uma dieta nada convencional à base de sorvete de sardinha, o felino tem uma rotina agitada: rouba, cria invenções que quase sempre saem do controle e participa de competições nada comuns — como a Batalha das Melancias — contra seu arqui-inimigo, o engenhoso e sempre astuto Cara-de-Coelho.

A publicação traz duas histórias principais que misturam ação, confusão e um humor afiado. Na primeira, intitulada O pato sumido, o Gato-Endiabrado planeja o roubo da obra de arte mais famosa do mundo, O Azul de Patileno. Tudo parecia sob controle, até que o infame Cara-de-Coelho, junto com os irmãos Charcocovilquistão, também decidem meter as mãos no quadro roubado, deixando o felino numa enrascada. No meio dessa confusão toda, o excêntrico curador da Pinacoteca Nacional, acompanhado de suas três baratas de estimação, aparece para tentar recuperar a preciosidade perdida — em uma aventura recheada de reviravoltas e personagens inusitados.

Já na segunda história, o humor e a competição são levados a outro nível na disputa da Batalha das Melancias. O prêmio? Suprimento vitalício de suco grátis — algo que nenhum dos competidores quer perder. Diante do desafio, o Gato-Endiabrado aposta em uma poção mágica para fazer sua melancia crescer rapidamente, enquanto Cara-de-Coelho responde com uma melancia mecânica cheia de truques. A rivalidade entre eles escala até um ponto explosivo — literalmente —, com um final surpreendente que vai prender a atenção dos pequenos do começo ao fim.

O charme do livro está nas ilustrações divertidas e nos diálogos cheios de sarcasmo e irreverência, que fazem de As aventuras do Gato-Endiabrado uma leitura leve, engraçada e perfeita para crianças que adoram anti-heróis atrapalhados, mas com corações grandes e que sempre acabam conquistando a torcida.

Para quem ainda não conhece, este spin-off pode ser lido de forma independente, sem necessidade de ter lido os títulos anteriores de Caos Total. É uma porta de entrada ideal para jovens leitores que querem mergulhar no universo caótico e cômico criado por Ralph Lazar — um mundo onde a diversão está garantida, os planos saem pela culatra e a aventura está sempre à espreita.

“O Comando” é atração do Cine Aventura na Record TV deste sábado (19): Ação explosiva com drama psicológico e redenção!

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Neste sábado, 19 de julho, às 15h, a Record TV exibe no Cine Aventura o eletrizante “O Comando” (The Commando), um thriller que vai além das balas e perseguições para tocar em questões profundas como culpa, trauma psicológico e os limites da justiça. Dirigido por Asif Akbar e estrelado por Michael Jai White, o filme entrega não apenas ação de tirar o fôlego, mas também um retrato contundente da fragilidade humana por trás do uniforme.

Uma missão, um erro, um abismo

James Baker (Michael Jai White) é um agente de elite da DEA acostumado a enfrentar o perigo, mas tudo muda quando uma operação contra um cartel mexicano termina em tragédia. No tiroteio, Baker acidentalmente mata três reféns inocentes: uma mãe e suas duas filhas. O que era para ser mais uma missão bem-sucedida se transforma em um pesadelo que o agente não consegue esquecer. Diagnosticado com transtorno de estresse pós-traumático (TEPT), ele é afastado das operações e enviado para casa — mas os verdadeiros combates ainda estão por vir.

Uma família em perigo e um passado que retorna

Enquanto tenta reconstruir sua vida com a esposa Lisa (Aris Mejía) e as filhas adolescentes, Baker enfrenta alucinações, insônia e crises existenciais. A situação ganha um novo contorno quando suas filhas descobrem, escondido dentro da casa, US$ 3 milhões em dinheiro vivo. O dinheiro pertence ao criminoso Johnny (Mickey Rourke), antigo dono da residência e ex-parceiro de um xerife corrupto, que agora quer tudo de volta — e não se importa com quem esteja no caminho.

Quando o lar se torna campo de batalha

A tensão explode quando Baker percebe que o sistema, mais uma vez, não está ao seu lado. Um mandado de prisão sem assinatura e ameaças veladas escancaram que a justiça pode ser manipulada. Isolado, desacreditado e ainda lidando com os traumas da guerra, ele precisa tomar uma decisão difícil: recuar ou proteger sua família com tudo o que tem — mesmo que isso o leve a ultrapassar seus próprios limites.

Muito além do gênero

“O Comando” oferece o que os fãs de ação esperam — confrontos, adrenalina, emboscadas —, mas também reserva espaço para uma reflexão delicada sobre as marcas invisíveis que a violência deixa na alma. Michael Jai White interpreta Baker com intensidade emocional e vulnerabilidade raramente vistas em protagonistas do gênero, criando um personagem que é tão humano quanto heróico.

Crítica – Five Nights at Freddy’s 2 é um avanço divertido, nostálgico e limitado por suas próprias escolhas

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“Quero ver o que tem dentro da sua cabeça.” A frase ecoa no escuro e sintetiza bem o espírito de Five Nights at Freddy’s 2, um filme que busca acessar o imaginário de quem cresceu com a franquia, explorando memórias, sustos e aquela combinação inconfundível de pânico e fascínio que marcou milhões de jogadores. Dentro dessa proposta, o longa dirigido por Emma Tammi dá um passo mais seguro em relação ao filme anterior. Não é mais ousado, mas é mais consciente do material que tem em mãos.

O grande mérito desta continuação é sua habilidade de transformar referências em atmosfera. A produção não insere apenas easter eggs; ela recria sensações. Os sons metálicos dos animatrônicos, os movimentos bruscos, as luzes defeituosas e os enquadramentos que remetem diretamente às câmeras do jogo ajudam a construir um ambiente que parece genuinamente pertencente ao universo de FNAF. Para quem considera o segundo jogo o ponto alto da franquia, existe uma nostalgia palpável. Cada detalhe visual e sonoro parece projetado para provocar aquele frio familiar na espinha, como se a infância – ou adolescência – retornasse por alguns instantes.

Ainda assim, o filme permanece preso a uma limitação importante. Five Nights at Freddy’s sempre foi conhecido pela combinação de tensão psicológica com violência explícita. Aqui, novamente, o gore é evitado de forma evidente. Cenas que deveriam atingir um impacto mais duro são interrompidas antes do auge, e a estética permanece cuidadosamente controlada para não ultrapassar uma classificação indicativa acessível ao público mais jovem. Essa escolha, embora compreensível do ponto de vista comercial, reduz parte do potencial do terror. Falta peso ao que deveria ser aterrorizante.

Apesar disso, FNAF 2 apresenta avanços narrativos em relação ao primeiro filme. O roteiro é mais coeso, a mitologia é desenvolvida com maior clareza e há mais atenção à lógica interna da história. O percurso dramático ainda é previsível, mas funciona melhor justamente porque a obra abandona qualquer timidez e assume sua vocação de fan service. Em vez de tentar agradar a todos, o filme se concentra em agradar quem realmente importa: o fã que conhece os jogos, acompanha teorias e aguarda há anos para ver determinadas cenas ganharem vida.

Essa honestidade acaba sendo um dos pontos altos. Five Nights at Freddy’s 2 não tenta reinventar o terror. Não pretende ser mais profundo do que realmente é. Sua intenção é divertir, provocar sustos moderados e alimentar o entusiasmo da base de fãs. Para quem nunca teve contato com os jogos, o longa pode soar como um terror adolescente convencional, com criaturas bizarras e enredo por vezes confuso. Para quem jogou, porém, é como revisitar um espaço temido, mas curiosamente acolhedor.

O elenco também funciona melhor nesta continuação, beneficiado por um roteiro que permite mais tensão e interação entre os personagens. Os animatrônicos continuam sendo o grande chamariz visual da franquia e, aqui, parecem ainda mais presentes, expressivos e ameaçadores.

Pacificador – O que podemos esperar do retorno ousado e afiado na 2ª temporada?

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A cada passo que o universo de super-heróis da DC dá, as expectativas dos fãs só crescem — e a chegada da segunda temporada de Pacificador é uma prova disso. Marcada para estrear em 21 de agosto de 2025 na HBO Max, essa continuação não é apenas mais um lançamento no calendário da DC; ela é peça-chave para entender o futuro que a DC Studios está traçando para seu universo, agora remodelado e conhecido como DC Universe (DCU).

O cenário mudou muito desde os primeiros filmes do DCEU (Universo Estendido DC). Após algumas turbulências criativas e tentativas de alinhamento, a DC Studios está adotando uma abordagem renovada para seu universo compartilhado, com foco em uma narrativa mais conectada e uma identidade própria — o DCU. O lançamento do filme Superman em 2025 foi o marco inicial dessa nova fase, abrindo espaço para que produções como Pacificador não só continuem histórias já conhecidas, mas se entrelacem com novas tramas e personagens.

O charme da série reside exatamente nesse equilíbrio: um anti-herói que é tão bruto quanto complexo, vivido por John Cena com uma dose certa de carisma, sarcasmo e vulnerabilidade. A primeira temporada conquistou fãs por mostrar um personagem que, embora rude e imperfeito, luta por uma ideia distorcida de justiça, o que cria um terreno fértil para questionamentos morais e reflexões pessoais.

Além disso, a trama brinca com o gênero de comédia negra e drama de super-herói, oferecendo cenas de ação impactantes, mas sem perder a humanidade dos personagens. A mistura do humor ácido de James Gunn, que também dirige e escreve, com o desenvolvimento profundo do protagonista faz de Pacificador uma produção diferente de tudo que se vê atualmente no mundo das adaptações de quadrinhos.

O que sabemos sobre a segunda temporada?

Após o sucesso da primeira leva de episódios, a segunda temporada de Pacificador foi encomendada rapidamente, mas sua produção enfrentou alguns desafios. James, além de ser showrunner da série, assumiu a co-presidência da DC Studios, o que exigiu que ele dividisse seu tempo entre essa função executiva e seu trabalho direto nas produções. Além disso, o foco inicial foi direcionado para a série spin-off Waller, que acabou adiada por causa das disputas trabalhistas em Hollywood em 2023.

Com isso, a produção da segunda temporada da série foi retomada com prioridade no começo de 2024. As filmagens ocorreram entre junho e novembro no Trilith Studios, em Atlanta, e aconteceram em paralelo com as filmagens do filme Superman, reforçando a conexão entre as duas produções.

John Cena retorna como Chris Smith, o Pacificador, e estará novamente acompanhado por um elenco robusto, incluindo Danielle Brooks, Freddie Stroma, Jennifer Holland, Steve Agee, Robert Patrick, Sol Rodríguez, David Denman, Tim Meadows e Michael Rooker. Um destaque especial é a presença de Frank Grillo, que interpreta Rick Flag Sr., pai de Rick Flag (personagem de Joel Kinnaman), que teve um papel importante nos filmes do Esquadrão Suicida. A presença de Grillo conecta diretamente a série com o universo maior da DC, já que ele também participará do novo filme Superman, criando uma teia narrativa que promete surpreender os fãs.

Para onde vai a história?

Na segunda temporada, a jornada da série ganha novos contornos com a entrada do Pacificador na Gangue da Justiça, grupo que foi apresentado no recente filme Superman. Em uma cena reveladora, ele passa por uma entrevista com membros importantes da equipe, como Mulher-Gavião, interpretada por Isabela Merced (conhecida por The Last of Us), e Lanterna Verde, vivido por Nathan Fillion (famoso por Guardiões da Galáxia: Volume 3). Além disso, Maxwell Lord, interpretado por Sean Gunn (que também atuou em O Esquadrão Suicida), aparece como o financiador desse grupo, indicando que o Pacificador está sendo inserido em um universo maior, cheio de alianças e tensões. As informações são do Rolling Stone.

Outro elemento que promete apimentar a narrativa é a introdução de Rick Flag Sr., papel de Frank Grillo (Capitão América: O Soldado Invernal). Ele é o pai do Coronel Rick Flag, personagem que teve um destino trágico nas mãos do próprio Pacificador no filme O Esquadrão Suicida (2021). A busca por justiça — ou vingança — de Rick Flag Sr. cria uma dinâmica carregada de emoção e conflito, aprofundando o desenvolvimento do protagonista e mostrando como as consequências de suas ações reverberam além do seu controle.

Halloween na Reserva Imovision! The Creep Tapes, Booger, Um Pedaço do Céu e Dragula: Titans prometem uma semana de terror e ousadia

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O Halloween chegou à Reserva Imovision com uma programação intensa e cheia de contrastes. Entre o medo visceral, o drama humano e o espetáculo visual, a plataforma reúne produções que ultrapassam os limites do entretenimento e exploram o que há de mais profundo na experiência emocional do público. São histórias sobre o medo, a perda, o amor e a transformação — cada uma delas revelando uma face diferente do terror contemporâneo.

Os criadores do cultuado Creep (2014) retornam com The Creep Tapes, uma antologia de terror em formato found footage que transforma a câmera em instrumento de medo. O protagonista é Peachfuzz, um assassino que atrai vítimas com falsas promessas de emprego e as convence a filmar sua rotina “normal”.

Os episódios finais da primeira temporada — “Brandt” e “Mãe (e Albert)” — encerram esse ciclo com intensidade crescente. Em “Brandt”, uma jovem aceita gravar um homem em um quarto de hotel por mil dólares e descobre tarde demais o preço da ingenuidade. Já “Mãe (e Albert)” leva o horror ao espaço doméstico, quando uma mulher recebe a visita inesperada do próprio filho — uma aparição que transforma uma noite comum em um pesadelo íntimo e devastador.

The Creep Tapes é mais do que uma série de sustos. É um retrato do medo como consequência da confiança, uma reflexão sobre até onde se vai em busca de aceitação e segurança em um mundo cada vez mais isolado.

Vencedor de aplausos em Berlim e indicado ao Urso de Ouro, Um Pedaço do Céu é o contraponto sensível da programação. Ambientado em uma vila nos Alpes, o longa acompanha o relacionamento entre Anna e Marco, um casal jovem que vê o amor se fragilizar diante da doença. Um tumor cerebral altera o comportamento de Marco, colocando em xeque não apenas a relação, mas também a maneira como a comunidade os enxerga.

O filme fala de resistência — a resistência de amar alguém quando o amor se torna uma forma de dor. Anna tenta preservar o vínculo que os uniu, mesmo quando o homem que ela conhecia começa a desaparecer aos poucos. O resultado é um drama comovente, de uma delicadeza rara, que transforma a tragédia em poesia.

Em Booger: Instinto Felino, o luto se manifesta literalmente. Anna, devastada pela morte da melhor amiga, vê sua realidade ruir quando o gato de Izzy foge e a morde. A partir daí, transformações físicas e psicológicas começam a surgir, revelando um processo de mutação que mistura culpa, dor e instinto.

O longa combina o horror corporal com uma reflexão sobre a perda e a identidade. Ao mesmo tempo em que o corpo de Anna muda, sua percepção da amizade e da vida também se altera. O grotesco serve como metáfora do que o luto provoca — uma lenta dissolução daquilo que se era, até que reste apenas o que é possível suportar.

Encerrando a programação de Halloween, Dragula: Titans retorna em sua segunda temporada com a competição mais sombria e exuberante da cultura drag. No episódio “Casamento Gótico”, as queens enfrentam provas insanas em um universo que mistura horror, performance e ironia.

A nova edição conta com participações especiais de Bonnie Aarons, a icônica “Freira” dos filmes de terror, e da roteirista Akela Cooper (Maligno, M3gan, A Freira 2). O episódio celebra o grotesco como arte e o sangue como metáfora da criação. Cada desafio é uma performance de resistência, onde o corpo se torna palco de libertação e desafio.

Resumo da novela A Usurpadora de quarta-feira, 14/05 (SBT)

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Capítulo 043 – Quarta-feira, 14 de maio de 2025:

Estephanie, cada vez mais impaciente, pressiona Rodrigo para que ele denuncie Paulina às autoridades. No entanto, ele prefere manter a cautela e decide esperar pelo retorno de Carlos Daniel, na esperança de que o irmão resolva a situação com mais equilíbrio.

Enquanto isso, o pequeno Carlinhos continua sendo alvo de disputa. Ele se recusa a ir embora com Antônia, e por isso ela não consegue entregá-lo a Carlos Daniel — o que também a impede de receber a recompensa que tanto deseja. Mas o destino do menino dá uma guinada inesperada quando Isabel, atenta aos comportamentos suspeitos, descobre as verdadeiras e cruéis intenções de Antônia. Sem pensar duas vezes, Isabel toma uma decisão corajosa: leva Carlinhos diretamente à delegacia, tentando protegê-lo a todo custo.

Em outra frente da história, Douglas começa a observar com desconfiança o jeito como Paola se comporta em relação ao músico que conheceu na festa. A atitude dela o intriga e acende o alerta sobre suas reais intenções.

Enquanto isso, Estephanie continua tentando arrancar de Paulina a verdade sobre o paradeiro de Carlinhos. A conversa entre as duas vai muito além do presente — e acaba fazendo Paulina mergulhar nas lembranças de seu passado. Quando Estephanie sugere que Paulina e Paola podem ser irmãs gêmeas, a “usurpadora” é tomada por uma dúvida profunda. Ela se lembra da mãe, que faleceu levando consigo um segredo que talvez mudasse tudo.

Do lado de Paola, a vilã não está em sua melhor fase. Por conta das sequelas do acidente que sofreu, ela tem uma nova recaída. O médico a orienta a procurar o cirurgião que a operou, pois a situação pode ser mais delicada do que aparenta.

Dona Piedade, percebendo a gravidade de tudo que está acontecendo, pede a Paulina que viaje e vá ao encontro de Carlos Daniel, para ajudá-lo a encontrar o filho desaparecido. Sensível ao apelo, Paulina aceita — mas o reencontro guarda uma grande reviravolta. Ao chegar no hotel onde Carlos Daniel está hospedado com Leda, Paulina toma uma atitude surpreendente: revela que é a usurpadora. O choque da confissão promete abalar o que resta de confiança — e mudar o rumo de todas as relações.

Papagaios | Assista ao teaser do filme que estreia hoje no 53º Festival de Cinema de Gramado, unindo suspense e comédia

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O cinema brasileiro recebe mais uma produção de destaque com a estreia mundial do longa-metragem Papagaios, dirigido pelo talentoso cineasta carioca Douglas Soares. O filme será apresentado na Mostra Competitiva de Longas-Metragens Brasileiros do 53º Festival de Cinema de Gramado, um dos eventos mais tradicionais e respeitados do país. A obra propõe uma abordagem única sobre o fenômeno dos “papagaios de pirata” — pessoas que buscam aparecer em transmissões de TV ou diante de câmeras apenas para obter algum tipo de reconhecimento momentâneo.

Misturando suspense e comédia, o longa acompanha personagens que, por diferentes motivos, se veem envolvidos em situações que questionam os limites da ética e do comportamento humano. Ao mesmo tempo que diverte, o filme provoca reflexões sobre a necessidade de ser visto, reconhecido e validado socialmente, levantando questões universais sobre a fama e os desejos individuais.

Douglas Soares, que acumula mais de 40 prêmios por seus trabalhos no segmento de documentários, traz para sua estreia no longa de ficção uma sensibilidade rara para capturar nuances humanas. “Este é um filme sobre pessoas comuns em situações extraordinárias. Quero que o público se divirta, mas que também reflita sobre como a busca por reconhecimento pode transformar a vida de alguém”, afirma o diretor. Para ele, a experiência em documentários ajudou a construir personagens realistas, mesmo em um enredo que mescla elementos de suspense e humor.

Uma sátira social sobre a fama

No centro de Papagaios está a figura do “papagaio de pirata”, que inspira tanto o título quanto o tom do filme. A obra expõe, de forma irônica, o comportamento daqueles que desejam aparecer na televisão ou nas redes sociais, muitas vezes sem considerar consequências ou ética. Cada personagem representa uma faceta desse fenômeno, mostrando que a fama instantânea pode seduzir, confundir e até colocar vidas em risco.

Ao longo da narrativa, o público é convidado a observar como pequenos atos de vaidade ou ambição se acumulam, levando a situações inesperadas e, por vezes, perigosas. O suspense não surge apenas das ações externas, mas também das tensões internas de cada personagem, que precisam lidar com seus próprios desejos e limitações. E é justamente essa mistura de tensão e humor que torna o longa envolvente, capaz de prender a atenção do espectador do início ao fim.

Festival de Cinema de Gramado: palco para novos talentos

A estreia do longa no 53º Festival de Cinema de Gramado representa um marco na carreira de Douglas Soares, que chega ao evento com seu primeiro longa-metragem de ficção. O festival, que já revelou inúmeros talentos do cinema nacional, é reconhecido por prestigiar obras autorais e oferecer visibilidade para cineastas que se destacam pela originalidade e qualidade técnica.

Além de Papagaios, a Mostra Competitiva de Longas-Metragens Brasileiros contará com outros cinco filmes: A Natureza das Coisas Invisíveis, Cinco Tipos de Medo, , Querido Mundo e Sonhar com Leões. Juntos, eles disputam categorias como Melhor Filme, Melhor Direção, Melhor Ator e Atriz, Melhor Roteiro, Fotografia, Montagem, Trilha Musical, Direção de Arte, Ator e Atriz Coadjuvante, e Desenho de Som.

O prêmio de Melhor Filme inclui, além do tradicional Kikito, R$ 40 mil. O vencedor de Melhor Direção recebe R$ 10 mil, e as demais categorias são premiadas com R$ 5 mil. Para Soares, esse reconhecimento vai muito além do valor financeiro: é uma chance de consolidar sua carreira e mostrar ao público brasileiro uma obra que mescla entretenimento e reflexão social.

O olhar do diretor e a construção do longa

Douglas Soares sempre teve interesse em observar comportamentos humanos. Em seus documentários, ele capturava situações reais com sensibilidade e atenção aos detalhes, e essa experiência foi fundamental para criar Papagaios. “No documentário, você observa o real. No longa, você cria o real dentro de uma narrativa. Mas a essência de observar e compreender pessoas continua sendo a mesma”, explica.

O roteiro, também assinado por Soares, equilibra suspense, comédia e crítica social, mantendo o ritmo da narrativa e o interesse do espectador. Cada cena é cuidadosamente construída para gerar identificação com os personagens, ao mesmo tempo em que provoca risadas e reflexões. O filme nos lembra que todos, em algum momento, já tivemos o desejo de ser notados, ainda que de maneiras simples ou inesperadas.

A experiência do público

O público que assistir ao filme no Festival de Gramado poderá experimentar uma mistura de emoções. Momentos de suspense se alternam com cenas cômicas, enquanto a sátira social nos convida a questionar comportamentos contemporâneos. A obra consegue entreter e, simultaneamente, levar o espectador a pensar sobre os valores que norteiam nossas escolhas e ações.

A estreia mundial está marcada para o dia 17 de agosto, às 18h, no Palácio dos Festivais, em Gramado. Os ingressos estão à venda no site oficial do festival, e a expectativa é de que a sessão reúna tanto a crítica especializada quanto o público interessado em cinema nacional de qualidade.

Reflexão sobre o impacto da fama

Mais do que uma comédia ou suspense, a trama é um filme que reflete sobre a influência da fama na vida das pessoas. Ele questiona até que ponto a busca por reconhecimento pode alterar comportamentos, relações e decisões. Cada personagem traz suas próprias fragilidades, mostrando que a exposição e a vaidade podem ter efeitos complexos e imprevisíveis.

O filme também funciona como uma espécie de espelho da sociedade contemporânea, marcada pela cultura do imediatismo e da visibilidade. Douglas Soares consegue transformar um fenômeno comum — o desejo de aparecer — em uma narrativa envolvente, capaz de dialogar com públicos de diferentes idades e experiências.

Um filme para rir, refletir e se emocionar

O filem promete proporcionar uma experiência cinematográfica completa: humor, suspense, crítica social e emoção. A combinação desses elementos faz com que o longa seja não apenas um entretenimento, mas também uma oportunidade de reflexão sobre nossos próprios comportamentos e desejos.

Para Douglas Soares, a obra é um convite à empatia e à compreensão do ser humano. “Quero que o público se identifique com os personagens, que se divirta com suas situações, mas que também pense sobre o que faria em um cenário semelhante. O filme fala sobre escolhas, ética e humanidade, e espero que cada espectador leve essas reflexões consigo”, afirma o diretor.

Domingo Maior aposta em suspense intenso com “Aqueles Que Me Desejam a Morte” na noite de hoje (28)

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O Domingo Maior de hoje, 28 de dezembro, aposta em um suspense intenso e atmosférico com a exibição de Aqueles Que Me Desejam a Morte, produção que coloca o espectador no centro de uma caçada implacável em meio à natureza selvagem. Estrelado por Angelina Jolie (Malévola, Sr. & Sra. Smith), o filme combina ação, drama psicológico e elementos de neo-western em uma história marcada pela sobrevivência, culpa e redenção.

De acordo com a sinopse do AdoroCinema, a trama acompanha um adolescente que se torna a única testemunha de um assassinato envolvendo interesses poderosos. A partir daí, ele passa a ser perseguido por assassinos profissionais dispostos a tudo para silenciá-lo. Para protegê-lo, surge Hannah, uma experiente especialista em sobrevivência que vive isolada em uma torre de observação florestal. Assombrada por erros do passado, ela vê nessa missão uma chance de se redimir — mesmo sabendo que o perigo é maior do que qualquer coisa que já enfrentou.

Enquanto a perseguição avança, um incêndio florestal de grandes proporções se espalha rapidamente, transformando a floresta de Montana em um labirinto mortal. O fogo deixa de ser apenas pano de fundo e passa a atuar como uma força narrativa constante, aumentando a sensação de urgência e claustrofobia, mesmo em um cenário aberto.

Dirigido por Taylor Sheridan (A Qualquer Custo, Yellowstone), o longa se destaca por tratar seus personagens com profundidade emocional. Hannah está longe de ser uma heroína tradicional: suas fragilidades e medos são expostos em cada decisão, tornando sua jornada mais humana e crível. Sheridan aposta menos em explosões gratuitas e mais em tensão contínua, construída a partir do silêncio, da paisagem e das escolhas morais.

O elenco de apoio reforça o peso dramático da história. Nicholas Hoult (Mad Max: Estrada da Fúria, X-Men) interpreta um dos antagonistas com frieza calculada, enquanto Jon Bernthal (The Walking Dead, O Justiceiro) traz intensidade a um personagem marcado por conflitos internos. Aidan Gillen (Game of Thrones, Peaky Blinders) completa o time com uma presença ameaçadora, e Finn Little (Yellowstone) entrega uma atuação sensível como o jovem em fuga, equilibrando vulnerabilidade e coragem.

Baseado no romance homônimo de Michael Koryta, o filme teve sua produção anunciada em 2019 e foi rodado no Novo México, cenário escolhido para potencializar a aridez e a sensação de isolamento da narrativa. A trilha sonora composta por Brian Tyler (Velozes e Furiosos, Os Mercenários) intensifica o suspense e acompanha de forma precisa os momentos mais críticos da trama.

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