Geraldo Luís faz desabafo impactante no “The Noite” desta quinta (31/07) e revisita trajetória marcada por emoção e jornalismo popular

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Nesta quinta, 31 de julho, Geraldo Luís será o convidado especial no The Noite com Danilo Gentili, que será exibido no SBT logo após a meia-noite. Conhecido por seu jeito direto e coração à flor da pele, o jornalista revisitará momentos marcantes de sua carreira, falará sobre o afastamento da televisão aberta do público e não poupará críticas ao modelo atual de programação. “A TV aberta está na UTI”, ele declarará com sinceridade. As informações são do SBT.

O encontro promete momentos de risadas, emoção e até espaço para o amor — ou pelo menos uma tentativa da produção do programa de apresentar uma nova companhia para o apresentador. No palco, o apresentador mostrará toda sua autenticidade, relembrando o jornalismo que sempre defendeu: feito com alma, nas ruas, olhando nos olhos de quem sofre.

A origem de um contador de histórias

Nascido em Limeira (SP), Geraldo iniciou sua carreira no jornalismo ainda jovem, como repórter policial no rádio. Serão cerca de duas décadas cobrindo tragédias, emergências e os bastidores das delegacias do interior paulista. O que o destacou será sua sensibilidade: ele não contará apenas os fatos, mas a dor por trás deles.

Em 2007, ele chegará à Record TV como uma aposta e, em pouco tempo, se tornará fenômeno comandando o Balanço Geral, com seu famoso bordão “Balança!”, histórias populares e uma conexão genuína com o público. No programa, Geraldo se emocionará ao relembrar esse período: “Era o programa de quem acreditava que a notícia também tinha coração. Que não era só estúdio e teleprompter.”

Saída da TV aberta e críticas à programação atual

Mais recentemente, o jornalista esteve à frente de dois projetos na RedeTV! — o dominical Geral do Povo e o noturno Ultra Show. Apesar de ter deixado a emissora em 2024, ele guardará boas lembranças dessa fase. “Chegamos a bater picos de audiência. A matéria sobre o irmão da Suzane von Richthofen, por exemplo, explodiu. O produtor me ligou dizendo que ele estava vivendo isolado num sítio abandonado da família. Era uma história real, forte, que ninguém tinha contado ainda.”

Porém, o foco da conversa será sua visão crítica sobre a crise de identidade da TV aberta. Para ele, os canais perderam o pulso do que o público realmente deseja assistir. “A televisão insiste em inventar o que não precisa. Perdeu a simplicidade. Hoje, está distante do telespectador. A pessoa passa horas no celular atrás do que realmente quer ver. Me pergunte: fora o futebol, que programa ainda prende alguém no sofá por duas horas?”, questionará.

Com quase seis milhões de seguidores no Instagram, o comunicador não esconderá a frustração, mas também não se entregará ao conformismo. “A TV aberta ainda será necessária. Mas está doente. E ninguém vai querer admitir isso.”

Marcelo Rezende, mentoria e saudade

Entre os momentos mais emocionantes da entrevista, o convidado abrirá o coração ao falar sobre Marcelo Rezende, a quem chama de “seu grande mestre”. A voz embargará quando ele disser: “O Marcelo foi o cara que brigou por mim dentro da Record. Ele acreditava no jornalismo popular feito com alma, com o pé na lama. Ele colocou muita gente no ar e nunca teve medo de dar chance para quem estava de fora do eixo.”

A amizade dos dois foi construída na base da confiança mútua e da afinidade editorial. Para Geraldo, essa escola — a do jornalismo com verdade e empatia — ainda pulsará, mesmo com as mudanças de formato e plataforma.

Do necrotério à bancada: causos e confissões

Nem só de seriedade viverá o bate-papo. Com a naturalidade de quem já viveu mil vidas em uma, Geraldo contará histórias de quando foi agente funerário. “Eu trocava cadáver. Literalmente. Aprendi a lidar com a morte muito cedo. Isso me ensinou a respeitar a vida como poucos.”

E entre uma lembrança e outra, a produção resolverá brincar com o lado romântico (e solteiro) do apresentador: o desafiará a participar do quadro “The Noite L’Amour”, onde terá que “buscar uma nova namorada” no programa. Renderá risadas, improvisos e um Geraldo desarmado, que aceitará a brincadeira com bom humor: “Tô precisando mesmo. Se for pra dar risada e sair da solidão, tô dentro!”.

Novos rumos, mesma essência

Mesmo longe das grandes emissoras, Geraldo Luís não abandonará o público. Muito pelo contrário. Ele criará o canal “Geraldo Luís TV” no YouTube, onde continuará contando histórias de gente invisibilizada. Além disso, comandará o podcast “Vozes Invisíveis”, projeto que dará espaço a moradores de rua e pessoas em situação de vulnerabilidade social.

“Essas pessoas existem. Elas têm nome, têm história. E a televisão esqueceu delas”, afirmará. Para ele, a missão de comunicar vai além de contrato ou audiência. “Eu me vejo como um mensageiro da dor. Não quero só noticiar tragédia. Quero mostrar humanidade, onde ninguém quer olhar.”

Sonic 3 invade as telas da Cinesystem com combo exclusivo

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A aventura mais esperada do ano finalmente chegou! O ouriço azul mais querido dos games, Sonic, está de volta às telonas com o lançamento de “Sonic 3“. E, para tornar a experiência ainda mais especial, a Cinesystem preparou um combo exclusivo que vai deixar os fãs ainda mais animados.

O destaque é o balde colecionável temático de Sonic 3, perfeito para quem quer levar para casa uma lembrança desse filme que promete ser uma corrida alucinante de emoções. O combo inclui, além do balde, dois refrigerantes de 700ml e muita pipoca, garantindo que você e um acompanhante curtam cada minuto da aventura com o maior conforto.

A superprodução traz Sonic enfrentando novos desafios e personagens que prometem agradar tanto os fãs antigos quanto aqueles que estão conhecendo o universo do ouriço agora. Com sequências de ação de tirar o fôlego, humor característico e visual deslumbrante, Sonic 3 é um programa imperdível para toda a família.

“Nosso objetivo é proporcionar não apenas a exibição de um filme, mas uma experiência completa e memorável para os nossos clientes,” destacou um representante da Cinesystem. “Sabemos como os fãs são apaixonados por Sonic, e essa parceria visa homenagear essa dedicação.”

O combo exclusivo está disponível em todas as unidades da Cinesystem, mas é por tempo limitado. Portanto, corra para garantir o seu e não fique de fora dessa super estreia!

Garanta seus ingressos e entre no clima dessa super corrida com Sonic 3! Acesse o site oficial ou visite a unidade Cinesystem mais próxima para conferir horários e disponibilidade.

“The Pitt” | Aclamado drama médico da HBO Max ganha reforço no elenco da 2ª temporada com Lawrence Robinson

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Desde que estreou em janeiro de 2025, The Pitt” vem dando o que falar. Misturando drama, adrenalina e muita humanidade, a série médica da Max conseguiu se destacar num gênero já bastante explorado, justamente por apostar em algo diferente: cada episódio acompanha uma hora dentro de um plantão de 15 horas no movimentado (e fictício) Pittsburgh Trauma Medical Hospital. E se a primeira temporada já foi um soco no estômago com momentos de tirar o fôlego, a segunda vem aí prometendo ainda mais intensidade — e romance também.

É isso mesmo. Segundo informações divulgadas com exclusividade pelo site Deadline, o ator Lawrence Robinson acaba de entrar para o elenco da segunda temporada. Ele vai interpretar Brian Hancock, um paciente doce, gentil e charmoso que dá entrada no hospital depois de se machucar jogando bola. O que poderia ser só mais um caso entre tantos acaba se transformando em algo maior — afinal, tem médica de olho no rapaz.

Quem é Lawrence Robinson?

Você pode até não reconhecer o nome de cara, mas Robinson vem construindo uma carreira sólida e sensível. Um dos seus papéis mais elogiados foi na minissérie Shelter Street, em que interpretava um pai enlutado, tentando seguir em frente depois de uma tragédia familiar. A crítica adorou, o público se emocionou e, agora, ele dá um novo passo ao entrar numa das séries mais comentadas do ano.

Robinson tem aquele tipo de presença que não precisa de muito para chamar atenção. Ele não faz estardalhaço, mas entrega personagens cheios de emoção e profundidade. E é exatamente esse tipo de atuação que combina com o estilo de The Pitt, que prioriza o realismo e as emoções contidas, mas poderosas.

Um elenco afiado e uma série que pega na veia

A série estreou com tudo no começo de 2025. Criada por R. Scott Gemmill, que tem no currículo produções como ER e NCIS: Los Angeles, a série chegou ao catálogo da Max com uma proposta ousada: mostrar o que acontece em um plantão de 15 horas no hospital, hora por hora. É quase como se cada episódio fosse uma peça de um quebra-cabeça — e ao final da temporada, você entende o tamanho da bagunça emocional que aquilo representa.

O elenco é daqueles que segura a barra com talento de sobra — e parte do sucesso da série vem justamente dessa mistura afiada entre veteranos e nomes em ascensão. Noah Wyle, que marcou uma geração como o Dr. John Carter em ER, retorna ao ambiente hospitalar com a mesma entrega, agora na pele do Dr. Michael “Robby” Robinavitch, um profissional calejado e respeitado. Ao lado dele, Tracy Ifeachor brilha como a Dra. Heather Collins, médica de coração firme e ética afiada, enquanto Patrick Ball entrega um Dr. Frank Langdon cheio de camadas e dilemas. Katherine LaNasa impõe presença como Dana Evans, diretora que equilibra burocracia e humanidade. Já o núcleo jovem — formado por Supriya Ganesh, Fiona Dourif, Taylor Dearden, Isa Briones, Gerran Howell e Shabana Azeez — traz frescor, diversidade e muita verdade nos conflitos pessoais e profissionais. Com esse time, cada cena pulsa com autenticidade, fazendo o espectador se importar de verdade com quem está ali, lutando entre a vida e a morte. A chegada de Lawrence Robinson promete adicionar ainda mais emoção, reforçando o que a série tem de melhor: pessoas que nos tocam mesmo nos momentos mais caóticos.

Uma estreia de impacto

Lançada em 9 de janeiro, o seriado chegou com dois episódios de cara e depois passou a ser exibida semanalmente até abril. A repercussão foi imediata. No Rotten Tomatoes, a série conquistou 93% de aprovação, com uma média de 7,8 entre os críticos. Já no Metacritic, a pontuação foi de 76, indicando que a crítica, em geral, ficou bastante satisfeita com o que viu.

E o romance? Vem aí?

Bom, tudo indica que sim. A presença de Brian Hancock deve mexer com o emocional de uma das médicas, ainda não se sabe qual. Talvez alguém que passou a temporada anterior fechada, distante, e agora encontre nesse paciente um motivo pra baixar a guarda. Ou talvez seja um daqueles casos que começa como distração e acaba virando transformação.

The Pitt já mostrou que sabe lidar com relacionamentos de forma madura. Não é uma série sobre casais fofinhos trocando olhares no corredor (nada contra, mas não é o foco aqui). Quando o afeto entra, ele entra com peso, com dilemas, com aquela tensão de quem sabe que tem vidas em jogo. Isso torna qualquer aproximação ainda mais carregada de significado.

O que esperar da segunda temporada?

A Max confirmou a renovação no dia 14 de fevereiro de 2025, e desde então os fãs vêm especulando o que vem por aí. A temporada anterior terminou com vários ganchos — um caso de transplante que mexeu com todos, a saída inesperada de um médico, decisões éticas controversas… Muita coisa ficou no ar.

Dica no MUBI: A Substância – Um corpo, duas versões e o preço da perfeição

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Já parou pra pensar no que faria se pudesse criar uma nova versão de si mesmo? Uma cópia fiel, só que mais jovem, mais bonita, mais “aprimorada”? Em A Substância, essa fantasia vira realidade — mas o preço, como sempre, é mais alto do que parece.

Dirigido e roteirizado pela francesa Coralie Fargeat (Revenge), o filme é uma bomba estética e emocional, com uma performance corajosa de Demi Moore, que entrega aqui um dos papéis mais impactantes (e autoficcionais) da carreira. Ela vive Elisabeth Sparkle, uma ex-estrela do mundo fitness que, depois de décadas sendo símbolo de juventude e disciplina, é descartada pela TV como quem joga fora um pote de creme vencido.

Humilhada, esquecida e à beira de um colapso, Elisabeth aceita experimentar uma droga experimental — uma substância misteriosa que promete “regenerar” sua juventude. Mas essa não é uma fórmula mágica de rejuvenescimento. É outra coisa. A substância cria outra você. Literalmente.

É aí que entra Margaret Qualley, vivendo a nova Elisabeth — mais nova, mais confiante, mais livre. Por contrato, as duas precisam dividir o mesmo corpo em turnos semanais: sete dias para a original, sete dias para a nova. Simples na teoria. Mas no fundo, quem vai querer abrir mão da própria existência assim, tão facilmente?

Um thriller de identidade com sangue, brilho e crítica social

A Substância é grotesco, estiloso, dolorido e brilhante — tudo ao mesmo tempo. Um terror corporal que conversa com filmes como A Mosca ou Cisne Negro, mas com uma linguagem muito própria. É uma fábula feminista sobre envelhecer sob os holofotes, ser descartada pelo sistema, e sobre o desejo desesperado de continuar sendo vista.

Entre cenas que beiram o absurdo e outras que apertam o peito, o longa constrói uma metáfora visceral sobre fama, vaidade, autoimagem e o terror de ser esquecida. E o mais interessante é que nada disso é pregado com discurso — tudo vem pelo corpo, pela imagem, pelo desconforto que a câmera imprime.

Demi Moore se entrega de corpo e alma. Literalmente. Ao lado de Margaret Qualley (em mais uma atuação física e vibrante), as duas constroem um embate tenso, emocional e até melancólico entre a mulher que tenta manter sua identidade e a outra que só quer existir — custe o que custar.

E no meio disso tudo, o espectador assiste à guerra silenciosa (e às vezes sangrenta) entre essas duas versões de uma mesma mulher. Quem vence, afinal? A que já viveu ou a que promete durar para sempre?

🎬 A Substância (The Substance)
Direção e roteiro: Coralie Fargeat
Elenco: Demi Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid
Duração:
Classificação: 18 anos
Disponível agora na MUBI
Também para aluguel no Prime Video

Novocaine: À Prova de Dor ganha trailer final repleto de ação e violência

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A Sony Pictures lançou o trailer final de Novocaine: À Prova de Dor, novo thriller de ação estrelado por Jack Quaid (The Boys, Oppenheimer, Pânico V). O filme chega aos cinemas brasileiros em 13 de março e promete muita adrenalina, pancadaria e um protagonista bem fora do comum.

Na trama, Quaid interpreta Nathan Caine, um cara que nasceu com Insensibilidade Congênita à Dor (CIPA) – um distúrbio raríssimo que o impede de sentir dor física. Desde pequeno, ele precisou de uma série de adaptações para sobreviver, como triturar a comida para não mastigar a própria língua e cronometrar as idas ao banheiro. Mas sua vida pacata muda drasticamente quando um grupo de criminosos invade o banco onde trabalha e faz sua namorada refém. Sem medo de se machucar (literalmente!), ele parte em uma missão desesperada para resgatá-la, transformando sua condição em sua maior vantagem.

O elenco de peso traz Amber Midthunder (Prey, Legion, A Estrada 47), Jacob Batalon (Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa, Meninas Malvadas 2024), Betty Gabriel (Corra!, Upgrade, Os Inocentes), Matt Walsh (Se Beber, Não Case!, Ted, A Entrevista), e Ray Nicholson (Panic, Licorice Pizza, Nosso Último Verão).

O roteiro é assinado por Lars Jacobson, e a direção fica por conta de Robert Olsen e Dan Berk (Vingança FM, Body, Os Assassinos do Amanhã). Além disso, Novocaine é a primeira produção do novo selo Infrared, da FilmNation Entertainment, que promete trazer filmes de ação mais intensos e diferenciados.

Com um visual estiloso, muita pancadaria e aquele humor ácido que mistura violência e momentos insanos, Novocaine tem tudo para ser um dos filmes de ação mais divertidos do ano. O trailer já deixa claro que a jornada de Nathan será caótica, cheia de explosões, perseguições e lutas brutais – e Jack Quaid, que já provou ser ótimo tanto na ação quanto na comédia, parece estar se divertindo horrores no papel.

Agora é só marcar no calendário: 13 de março nos cinemas! Confira o trailer e prepare-se para sentir (ou não) toda essa pancadaria! 🎬

Qual filme vai passar hoje (13) na Temperatura Máxima?

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Neste domingo, 13 de julho de 2025, a Temperatura Máxima traz uma das produções mais vibrantes e divertidas dos últimos anos: Jumanji: Bem-Vindo à Selva. Lançado em 2017, o filme é um reboot moderno que traz ação, humor e uma boa dose de nostalgia para quem cresceu com o clássico original dos anos 90. Prepare-se para embarcar em uma jornada onde videogames e selvas perigosas se misturam de forma surpreendente.

O enredo: adolescentes no corpo de heróis improváveis

A premissa é simples, mas muito eficaz: quatro adolescentes — cada um com suas características e inseguranças — encontram um antigo videogame chamado Jumanji. Ao ligarem o console, são literalmente transportados para dentro do jogo, assumindo avatares que são completamente opostos às suas personalidades. O nerd tímido vira um guerreiro musculoso, a garota popular se transforma em um homem atlético, e assim por diante.

O objetivo? Sobreviver a um mundo selvagem cheio de armadilhas, animais ferozes e inimigos perigosos, enquanto procuram uma saída para voltar ao mundo real. O filme mistura aventura e suspense com momentos de leveza e humor, explorando o desconforto e a transformação dos personagens ao longo da jornada.

Um elenco estrelado que rouba a cena

Parte do sucesso do filme está em seu elenco de peso, que entrega performances que vão muito além do esperado para uma aventura familiar. Dwayne Johnson, com sua presença imponente, lidera como Spencer, o nerd que ganha um corpo de herói. Sua química com Jack Black — que vive o avatar de um adolescente popular — rende momentos hilários e é um dos grandes destaques do filme. Black, conhecido por seus papéis cômicos e sua expressividade única, se destaca ao interpretar uma garota no corpo de um homem, trazendo humor e sensibilidade ao personagem.

Kevin Hart adiciona ainda mais energia à trama como o avatar impaciente e nervoso, equilibrando ação e comédia. Karen Gillan, a destemida Ruby Roundhouse, combina força e agilidade com um toque geek, o que dá um frescor à heroína tradicional. Além deles, Rhys Darby atua como o guia excêntrico dentro do jogo, oferecendo alívio cômico com seu humor nonsense e sotaque peculiar. Alex Wolff interpreta Spencer no mundo real, enquanto Nick Jonas tem um papel estratégico que complica e movimenta a trama.

Por que ‘Jumanji: Bem-Vindo à Selva’ conquistou o público?

Além do elenco talentoso, o filme acerta ao combinar efeitos visuais de alta qualidade, cenas de ação bem coreografadas e um roteiro que mistura aventura e comédia sem perder o ritmo. Ele também aborda temas contemporâneos como autoaceitação, superação de medos e a importância do trabalho em equipe, tudo embalado por um tom leve e descontraído.

A narrativa ressoa tanto com jovens, que se identificam com os personagens adolescentes e suas dificuldades, quanto com adultos, que apreciam a nostalgia e a dinâmica dos atores. É um filme que entretém diferentes gerações sem perder sua identidade.

Como assistir e aproveitar

Depois da exibição na Temperatura Máxima, você pode conferir Jumanji: Bem-Vindo à Selva nas principais plataformas digitais. Está disponível para streaming na Netflix para assinantes e também pode ser alugado no Prime Video a partir de R$ 11,90, garantindo opções para todos os perfis de público.

Seja pela TV ou pelo streaming, a selva de Jumanji continua a ser um convite irrecusável para quem quer se divertir, rir e sentir a adrenalina de uma aventura épica sem sair de casa.

Saiba quando Springsteen: Salve-me do Desconhecido chega ao streaming Disney+ e descubra o filme que revela o lado mais íntimo de Bruce Springsteen

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Foto: Macall Polay. © 2025 20th Century Studios. All Rights Reserved

Os fãs de Bruce Springsteen já podem se preparar para rever um dos capítulos mais íntimos e decisivos da carreira do músico. A cinebiografia Springsteen: Salve-me do Desconhecido, estrelada por Jeremy Allen White, acaba de ganhar data para estrear no streaming. O filme chega ao Disney+ no dia 23 de janeiro, ampliando seu alcance após a passagem pelos cinemas.

Diferente das cinebiografias tradicionais que percorrem toda a trajetória de um artista, o longa escolhe um recorte específico e simbólico da vida de Springsteen. A narrativa se concentra no período de criação do álbum Nebraska, lançado em 1982, quando o cantor ainda era um jovem músico às vésperas do estrelato mundial. Naquele momento, cercado por expectativas, pressões da indústria e conflitos pessoais, Springsteen tomou uma decisão inesperada que mudaria sua carreira.

Em vez de seguir a lógica de grandes estúdios e produções grandiosas, ele optou pelo recolhimento. Gravado de forma caseira em um gravador de quatro faixas, no quarto do músico em Nova Jersey, Nebraska nasceu como um trabalho cru, silencioso e profundamente introspectivo. O disco se afastou do rock expansivo que o tornaria mundialmente famoso para dar voz a personagens marginalizados, trabalhadores comuns e figuras presas em ciclos de frustração, solidão e busca por redenção.

O filme acompanha esse processo de criação como um mergulho emocional. Jeremy Allen White constrói um Bruce Springsteen contido, observador e em constante embate interno. Sua atuação evita exageros e aposta em nuances, revelando um artista dividido entre o desejo de pertencer, o medo do sucesso e a necessidade de transformar dores pessoais em arte. O resultado é um retrato humano e sensível, que revela o homem por trás do ícone.

As filmagens começaram em 28 de outubro de 2024, com locações principalmente em Nova York e Nova Jersey, regiões profundamente conectadas à identidade de Springsteen. A produção também passou por Los Angeles, mas foi no litoral e nas cidades do entorno de Nova Jersey que o filme encontrou sua atmosfera mais autêntica. Durante o processo, o próprio Bruce Springsteen visitou diversas vezes os sets de gravação, acompanhando de perto a reconstrução de momentos importantes de sua história.

O músico esteve presente em gravações em Rockaway e Bayonne, além de passar por Asbury Park, Meadowlands e Freehold Borough, locais emblemáticos em sua trajetória pessoal e artística. As filmagens foram encerradas em 11 de janeiro de 2025, novamente em Asbury Park, reforçando o caráter simbólico do projeto.

Lançado nos cinemas dos Estados Unidos em 24 de outubro de 2025 pela Walt Disney Studios Motion Pictures, o filme chegou ao Brasil em 30 de outubro do mesmo ano. Agora, com a estreia no Disney+, a obra ganha uma nova vida e a chance de alcançar públicos que talvez não tenham tido contato com esse momento menos conhecido da carreira de Springsteen.

Crítica | Tron: Ares é visualmente atraente, mas narrativamente vazio

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Tron: Ares chega aos cinemas com a responsabilidade de carregar o legado de uma das franquias mais icônicas da ficção científica digital. O filme, no entanto, rapidamente demonstra que seu maior problema não é a ambição, mas a execução. Tentando equilibrar duas frentes — reviver a estética digital que marcou o universo Tron e dialogar com questões contemporâneas sobre tecnologia e sociedade —, a produção acaba sendo um híbrido confuso, incapaz de cumprir plenamente qualquer uma dessas propostas. O resultado é um filme que impressiona visualmente, mas carece de substância narrativa, oferecendo nostalgia sem propósito.

O primeiro Tron se destacou por sua ousadia estética e pela criação de um universo digital coerente, quase surreal, que se sustentava por ideias originais e um design inovador. Tron: Ares parece ter esquecido essa lição. A decisão de transpor a ação digital para o mundo real, que poderia gerar sequências memoráveis e eletrizantes, é tratada de forma segura e previsível. As perseguições de motos digitais pelo trânsito urbano, por exemplo, parecem coreografadas mais para impressionar visualmente do que para criar tensão ou emoção. Há momentos em que a tecnologia é exibida como fim em si mesma, em vez de instrumento para narrativa ou desenvolvimento de personagens.

Mesmo os poucos pontos positivos, como a trilha sonora, não conseguem sustentar a experiência. A música, de fato grandiosa e energética, tenta preencher lacunas narrativas e emocionais, mas funciona mais como um colchão sonoro para o vazio da história do que como elemento integrador. Algumas sequências parecem mais clipes estilizados do que partes de uma narrativa coerente, evidenciando a fragilidade estrutural do roteiro.

Narrativamente, Tron: Ares é superficial. Os personagens se movem sem motivações claras, e os diálogos pouco inspirados não ajudam na construção de empatia. O filme insinua reflexões sobre a obsessão tecnológica, o consumismo e o hype midiático, mas não se aprofunda. Os temas permanecem na superfície, sem impacto dramático, sem consequências para a trama e, sobretudo, sem criar sentido para a audiência.

O apego à nostalgia é evidente e paradoxalmente prejudicial. Referências ao passado lembram o público do quão ousado o original foi, mas não acrescentam nada de novo. Em vez de expandir o universo, o filme repete fórmulas seguras, evitando riscos criativos e desperdiçando o potencial de um mundo que poderia ter sido explorado de maneiras mais inventivas e corajosas. Cada piscadela ao passado funciona mais como comparação do que como homenagem.

O maior déficit de Tron: Ares é emocional. Sem personagens memoráveis ou tensão real, o filme falha em criar qualquer conexão duradoura com o espectador. Efeitos visuais e conceitos futuristas não substituem a narrativa ou a capacidade de envolver emocionalmente. Um Tron memorável sempre foi sobre imersão: um mundo digital fascinante em que estética, enredo e ideias se entrelaçam. Aqui, cada elemento parece isolado, incapaz de formar um todo coeso.

Em última análise, Tron: Ares se apresenta como um espetáculo visual, mas padece de substância. Poderia ter sido um renascimento ousado de um universo icônico, mas se transforma em uma experiência superficial, dominada por nostalgia e efeitos sem propósito. Visualmente competente e, em certos momentos, esteticamente prazeroso, o filme fracassa em construir história, tensão e personagens. É uma oportunidade perdida que evidencia a dificuldade de inovar em franquias consagradas: é mais fácil repetir fórmulas do que ousar.

Conversa com Bial (29/04/2025) entrevista Ben Stiller e recebe especialistas para refletir sobre os 60 anos da TV Globo

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Na terça-feira, 29 de abril, Pedro Bial recebe no Conversa com Bial o premiado ator, comediante e diretor Ben Stiller, conhecido por protagonizar e dirigir clássicos da comédia como Zoolander e Entrando Numa Fria. Em um bate-papo descontraído e revelador, Stiller compartilha sua experiência por trás das câmeras, os desafios de equilibrar o humor com a crítica social em seus projetos e os rumos de sua carreira como cineasta. O artista, que também assinou a direção da aclamada minissérie Ruptura (Severance), reflete sobre o processo criativo na televisão contemporânea e sua evolução como contador de histórias, dentro e fora dos sets de filmagem.

A conversa revisita marcos históricos da emissora, seu impacto cultural e político ao longo das décadas e sua capacidade de se reinventar diante das transformações tecnológicas e comportamentais do público. Além disso, Bucci e Tas traçam um panorama dos desafios enfrentados pela televisão aberta no Brasil, como a concorrência com o streaming, a fragmentação da audiência e as novas formas de engajamento digital, apontando caminhos possíveis para o fortalecimento do conteúdo audiovisual nacional.

Combinando leveza, profundidade e informação, o Conversa com Bial desta semana oferece ao público dois episódios imperdíveis que unem entretenimento, análise crítica e celebração da arte de comunicar.

📺 Conversa com Bial vai ao ar de segunda a sexta, nas noites da TV Globo.

Pennywise retorna aos cinemas! IT: A Coisa ganha reexibição especial e revive o terror de uma geração

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No próximo dia 24 de setembro, o público terá a chance de reencontrar nas telonas um dos filmes mais icônicos da última década. A Warner Bros. Pictures confirmou a reexibição especial de IT: A Cois, longa que redefiniu o terror moderno e colocou novamente Stephen King no centro das conversas culturais. Mais do que revisitar o palhaço Pennywise, trata-se de uma celebração de um fenômeno que marcou gerações e que, desta vez, ainda chega com um bônus irresistível: uma prévia exclusiva da série “It: Bem-vindos a Derry”, da HBO, que estreia em 26 de outubro.

Quando estreou em 2017, o filme não foi apenas mais uma adaptação literária. Sob a direção de Andy Muschietti, o longa ganhou vida própria, equilibrando fidelidade ao espírito da obra de Stephen King com uma linguagem cinematográfica voltada para novas gerações. O resultado foi um estrondo: mais de US$ 700 milhões em bilheteria mundial, números que superaram clássicos como “O Sexto Sentido” e “O Exorcista”.

O segredo do sucesso estava no equilíbrio. De um lado, havia o terror bruto e visceral, encarnado em Bill Skarsgård como Pennywise, um palhaço dançarino que aterrorizava não apenas pelo visual grotesco, mas também pela imprevisibilidade de seus gestos e pela psicologia sombria que emanava de cada aparição. De outro, havia a delicadeza do Clube dos Perdedores, formado por crianças comuns que enfrentavam não só o monstro, mas também os dramas típicos da infância e da adolescência: a solidão, o bullying, o luto, o medo de crescer. Essa combinação transformou o filme em um clássico instantâneo.

Pennywise: de monstro a ícone contemporâneo

A figura de Pennywise já fazia parte do imaginário coletivo desde a minissérie de 1990, mas foi em 2017 que o personagem se consolidou como ícone cultural. A interpretação de Bill Skarsgård trouxe camadas de estranheza que o distanciaram da caricatura e o aproximaram do terror psicológico. Sua risada cortante, a capacidade de alternar entre ingenuidade e brutalidade em segundos e o olhar hipnótico se tornaram marcas registradas.

Não demorou para que o personagem ultrapassasse o cinema: estampou fantasias de Halloween, virou tema de discussões acadêmicas sobre medo e até se transformou em memes que circulam até hoje. Rever o longa-metragem de terror nos cinemas é revisitar o nascimento dessa nova faceta do palhaço dançarino, que se prepara para ganhar ainda mais profundidade na série derivada.

O poder do medo coletivo

Um dos maiores trunfos do filme é a forma como traduz o medo em algo universal. Pennywise não se limita a ser um vilão sobrenatural; ele é uma metáfora para as inseguranças e traumas que todos enfrentam. O desaparecimento de crianças em Derry e a apatia dos adultos diante do terror revelam um subtexto sobre violência estrutural, abandono e cumplicidade silenciosa.

Ao lado disso, a narrativa sobre amizade e coragem transforma o filme em algo além do terror puro. O espectador se identifica com o Clube dos Perdedores porque, em algum momento da vida, também já se sentiu pequeno diante de algo grande demais. Revisitar a obra no cinema, em meio a uma plateia igualmente tensa, é relembrar que o medo se torna ainda mais poderoso quando é compartilhado.

A experiência única de ver no cinema

Embora o streaming tenha levado o terror para dentro de casa, há experiências que só a sala de cinema consegue oferecer. Em “IT: A Coisa”, cada detalhe ganha uma nova dimensão na tela grande: o balão vermelho que surge em silêncio, o esgoto escuro que parece engolir a plateia, o som metálico que ecoa e arrepia.

Assistir coletivamente potencializa a sensação de vulnerabilidade. As reações sincronizadas – os gritos, as risadas nervosas, os silêncios sufocantes – criam uma atmosfera impossível de reproduzir sozinho no sofá. A reexibição de setembro, portanto, é menos um simples relançamento e mais um convite a experimentar novamente o ritual de sentir medo em comunidade.

Um elenco jovem que cresceu junto com o público

Outro motivo que torna essa reexibição especial é a chance de rever o elenco mirim no início de suas trajetórias. Sophia Lillis, Jaeden Martell, Finn Wolfhard e Jeremy Ray Taylor, entre outros, conquistaram o público em 2017 e, desde então, seguiram em projetos de destaque. Para quem acompanhou suas carreiras, voltar a vê-los como os integrantes do Clube dos Perdedores é uma viagem no tempo, uma forma de relembrar a juventude deles – e a do próprio espectador.

Muitos que tinham a mesma idade dos personagens em 2017 hoje já são adultos ou jovens adultos. Rever o filme agora permite olhar para trás e perceber como os medos, inseguranças e amizades daquela fase ainda ressoam, mesmo anos depois.

O legado de Stephen King

Por trás de todo o sucesso, está a genialidade de Stephen King. Mestre em transformar o sobrenatural em reflexo dos medos cotidianos, ele escreveu “It” em 1986 como uma síntese de tudo o que o assusta: a infância perdida, os ciclos de violência, os monstros internos e externos.

King sempre foi amplamente adaptado, mas o filme mostrou que ainda havia novas formas de dialogar com suas histórias. O filme reacendeu o interesse por outras obras suas, abriu espaço para novas adaptações e consolidou de vez seu papel como um dos autores mais influentes do cinema de terror.

Bem-vindos a Derry: o futuro da franquia

Se a reexibição de A Coisa é um convite à nostalgia, a prévia de Bem-vindos a Derry promete ser uma janela para o futuro. A série, que estreia em 26 de outubro na HBO, vai explorar a origem do mal que assola a cidade e aprofundar o mito de Pennywise. Ao invés de se limitar ao que já conhecemos, deve mergulhar em eventos anteriores ao filme, revelando como o terror se enraizou em Derry ao longo das décadas.

Essa expansão do universo amplia o alcance da franquia e garante que o público continue envolvido com a história. Para os fãs, a experiência será dupla: revisitar a batalha do Clube dos Perdedores e, logo depois, mergulhar nas sombras do passado que moldaram a criatura.

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