A Paris Filmes revelou novas imagens de Segredo Obscuro, suspense estrelado por Elisabeth Moss e Kate Hudson que chega aos cinemas brasileiros em 18 de junho. E pelas primeiras prévias, o filme parece caminhar por um terror muito mais desconfortável do que explosivo, explorando a obsessão pela juventude e o lado doentio da indústria da aparência.
As imagens divulgadas mostram ambientes sofisticados, rostos impecáveis e uma trama elegante quase artificial. Mas por trás do visual luxuoso existe algo claramente errado. A sensação transmitida pelo material é a de um universo bonito demais para ser confiável, como se tudo escondesse uma ameaça silenciosa prestes a sair do controle.
O que acontece na história?
No centro da trama está Samantha Lake, personagem de Moss, uma atriz que começa a sentir o peso de uma carreira em decadência em um meio que descarta pessoas tão rápido quanto cria novas estrelas. Em busca de uma oportunidade para recuperar espaço, ela acaba sendo atraída para o círculo exclusivo de Zoe Shannon, interpretada por Hudson, uma empresária influente do ramo de saúde e estética que comanda a misteriosa empresa Shell.
A princípio, Zoe vende a imagem perfeita de sucesso, autocuidado e transformação pessoal. Só que a situação muda quando pessoas ligadas à empresa começam a desaparecer sem qualquer explicação. Entre elas está Chloe Benson, personagem de Kaia Gerber (Bottoms e American Horror Stories), uma jovem celebridade cercada por fama e exposição.
Quanto mais Samantha tenta entender o que está acontecendo dentro da Shell, mais ela percebe que existe algo profundamente perturbador escondido sob aquela fachada impecável. O suspense cresce justamente nessa sensação constante de que ninguém naquele universo está realmente dizendo a verdade.
Quem está por trás do thriller psicológico?
Além de Moss, Hudson e Gerber, o elenco também traz Dustin Milligan (Schitt’s Creek e Dirk Gently’s Holistic Detective Agency). A direção é de Max Minghella, que deixa de lado o clima musical e colorido de Teen Spirit para mergulhar em uma narrativa muito mais inquietante e claustrofóbica.
O roteiro foi escrito por Jack Stanley e parece usar elementos de horror psicológico para discutir temas bastante atuais, principalmente a pressão estética e a forma como fama e aparência podem consumir completamente a identidade das pessoas.
Por que o filme já vem chamando atenção?
Parte da curiosidade em torno de Segredo Obscuro nasce justamente da combinação entre terror e crítica social. O longa parece seguir uma linha de suspense que prefere causar incômodo através da trama e da tensão emocional, em vez de depender apenas de sustos tradicionais.
Também existe interesse pelo fato de Kate Hudson aparecer em um papel muito diferente daqueles que marcaram sua carreira nos anos 2000. Aqui, a atriz surge em uma figura fria, calculista e quase hipnótica, comandando um império de beleza que aparenta esconder algo monstruoso.
Já Elisabeth Moss continua consolidando sua presença em histórias psicológicas intensas. Depois de trabalhos como O Homem Invisível e O Conto da Aia, a atriz volta a interpretar uma personagem emocionalmente desgastada, cercada por paranoia e situações cada vez mais sufocantes.
A rede de cinemas AMC revelou oficialmente a duração de A Odisseia, novo projeto de Christopher Nolan, e o número já chamou atenção imediatamente entre os fãs do diretor. O longa terá 2 horas e 52 minutos de duração, ficando atrás apenas de Oppenheimer na lista dos maiores filmes da carreira do cineasta britânico.
O tempo extenso reforça a dimensão da produção, que já vinha sendo tratada como uma das obras mais ambiciosas de Nolan até hoje. Desde o anúncio oficial, o projeto carrega uma sensação de grandiosidade pouco comum até mesmo dentro da filmografia do diretor, conhecido justamente por criar experiências cinematográficas enormes, densas e visualmente impactantes.
O que a longa duração revela sobre o filme?
A duração próxima de três horas indica que A Odisseia deve apostar em uma narrativa ampla e detalhada, acompanhando a longa jornada de Odisseu após o fim da Guerra de Troia. Interpretado por Matt Damon, o lendário rei de Ítaca enfrenta uma travessia marcada por criaturas míticas, conflitos sobrenaturais e desafios psicológicos enquanto tenta retornar para casa.
Ao longo da história, o personagem encontra figuras clássicas da mitologia, incluindo o Ciclope Polifemo, as sereias e a poderosa Circe, personagem vivida por Charlize Theron. Paralelamente, Penélope, interpretada por Anne Hathaway, aguarda o retorno do marido em Ítaca, elemento que promete funcionar como o principal eixo emocional do longa.
Quem faz parte do elenco?
Além de Matt Damon no papel principal, o filme reúne alguns dos atores mais populares de Hollywood atualmente. Tom Holland (Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa e Uncharted) interpreta Telêmaco, filho de Odisseu, enquanto Zendaya (Duna e Rivais) assume o papel da deusa Atena.
O elenco ainda inclui Robert Pattinson (Batman e Tenet) como Antínoo e Jon Bernthal (O Justiceiro e The Walking Dead) no papel de Menelau. Outros nomes confirmados na produção são Lupita Nyong’o (Pantera Negra e Um Lugar Silencioso: Dia Um), Benny Safdie (Oppenheimer e Joias Brutas), John Leguizamo (John Wick e Encanto), Elliot Page (A Origem e The Umbrella Academy) e Himesh Patel (Yesterday e Tenet).
Por que esse projeto virou o mais caro da carreira de Nolan?
Com orçamento estimado em US$ 250 milhões, A Odisseia se tornou oficialmente o filme mais caro já dirigido por Christopher Nolan. Parte desse valor foi destinada às gravações realizadas em diferentes partes do mundo, incluindo Grécia, Marrocos, Escócia, Islândia e Itália.
A ideia do diretor parece ter sido criar uma sensação real de deslocamento e aventura, usando cenários naturais para ampliar a escala da viagem de Odisseu. Além disso, o longa marca a primeira produção da carreira de Nolan filmada inteiramente com câmeras IMAX 70 mm.
O cineasta já demonstrava preferência pelo formato em trabalhos anteriores, mas agora decidiu levar a proposta ainda mais longe, transformando o filme em uma experiência claramente pensada para as maiores telas possíveis.
Como nasceu a adaptação de A Odisseia?
Após o sucesso gigantesco de Oppenheimer e a conquista do Oscar de Melhor Diretor, Nolan começou a desenvolver discretamente seu próximo projeto na Universal Pictures. Durante meses, o longa ficou cercado de rumores e teorias envolvendo possíveis histórias sobre vampiros, espionagem e até adaptações de séries clássicas.
A confirmação oficial só aconteceu no fim de 2024, quando a Universal revelou que o diretor adaptaria A Odisseia, poema atribuído a Homero e considerado uma das obras mais importantes da literatura ocidental.
A escolha surpreendeu parte do público justamente porque marca a primeira vez que Nolan mergulha diretamente em uma fantasia mitológica. Ainda assim, o cineasta já comentou em entrevistas antigas que cresceu fascinado por histórias inspiradas na mitologia grega e pelos filmes clássicos de aventura com criaturas gigantes e efeitos práticos.
Quando estreia?
Depois de meses cercados por mistério, especulações e rumores sobre a produção, A Odisseia já tem estreia confirmada nos cinemas brasileiros para 16 de julho de 2026.
O Homem-Aranha do MCU está entrando em uma fase que parece bem diferente de tudo o que a Marvel fez com o personagem até agora. Depois do final pesado de Sem Volta para Casa, a Sony divulgou um novo pôster oficial de Homem-Aranha: Um Novo Dia e deixou claro que Peter Parker não deve viver dias muito tranquilos daqui pra frente. A nova arte aposta em um clima mais solitário e emocional, acompanhado da frase: “O mundo se esqueceu de Peter Parker, mas ele não se esqueceu deles”.
A escolha da legenda não foi por acaso. Ela praticamente resume o estado atual do personagem depois do feitiço de Doctor Strange apagar Peter da memória de todo mundo. Pela primeira vez desde que apareceu no MCU, o herói está completamente sozinho. Sem amigos, sem família por perto e sem ninguém sequer lembrando quem ele é, Peter agora precisa lidar com uma Nova York onde ele virou apenas uma figura anônima balançando entre prédios.
E isso muda completamente o tom da franquia. Os filmes anteriores tinham muito daquela energia adolescente, cheia de humor, amizades e descobertas. Agora, a sensação é de que o personagem finalmente entrou em uma fase mais amarga e madura, muito próxima das histórias clássicas dos quadrinhos em que Peter precisa carregar o peso da vida adulta enquanto tenta salvar a cidade.
O novo longa será o quarto filme do Homem-Aranha dentro do Universo Cinematográfico Marvel e também funciona como um recomeço para a versão interpretada por Tom Holland. A direção ficou nas mãos de Destin Daniel Cretton, enquanto o roteiro continua com Chris McKenna e Erik Sommers, responsáveis pelos filmes anteriores.
O que muda depois de Sem Volta para Casa?
O final de Sem Volta para Casa praticamente desmontou a vida de Peter Parker. O garoto que antes tinha tecnologia de ponta, apoio emocional e até contato direto com os Vingadores agora vive como alguém invisível para o mundo. E a grande diferença é que o novo filme parece disposto a explorar justamente esse vazio deixado pelo feitiço.
A história acompanha Peter alguns anos depois dos acontecimentos do último longa, atuando sozinho como Homem-Aranha pelas ruas de Nova York. Sem MJ, sem Ned e sem qualquer reconhecimento, ele tenta seguir em frente enquanto uma nova ameaça começa a surgir na cidade.
Só que o perigo não parece vir apenas de fora. Segundo a sinopse divulgada, os próprios poderes do herói começam a apresentar mudanças inesperadas. Esse detalhe abriu espaço para várias teorias entre os fãs, principalmente porque a Marvel parece querer levar Peter para um caminho mais intenso física e emocionalmente.
A impressão é que Um Novo Dia quer mostrar um Homem-Aranha mais cansado, mais pressionado e até mais impulsivo. Um herói que continua tentando fazer a coisa certa, mas que agora sente o peso das perdas de uma forma muito mais dura.
Quem está no elenco do novo filme?
Além do retorno de Zendaya e Jacob Batalon, o novo capítulo também adiciona nomes que vêm alimentando especulações há meses entre os fãs da Marvel.
O principal deles é Sadie Sink. A personagem da atriz segue em segredo absoluto, mas isso não impediu a internet de criar dezenas de teorias. Tem gente apostando em uma ligação com os X-Men, enquanto outros acreditam que ela possa representar uma nova conexão emocional importante para Peter.
Outro reforço que chamou bastante atenção foi Jon Bernthal. Só a presença dele já aumentou a expectativa de quem queria ver o Homem-Aranha em histórias mais urbanas e violentas. Existe uma sensação de que o MCU finalmente pode aproximar Peter de conflitos mais brutais, longe das ameaças multiversais gigantescas que dominaram os últimos filmes da Marvel.
O elenco ainda inclui Mark Ruffalo, Michael Mando e Tramell Tillman, mas os detalhes sobre seus personagens continuam sendo tratados com bastante mistério.
Por que esse filme parece tão importante para o MCU?
Mesmo sendo “só” mais um filme do Homem-Aranha, Um Novo Dia carrega uma responsabilidade enorme dentro da Marvel Studios. O longa precisa reconstruir Peter Parker depois de um encerramento que praticamente apagou toda a trajetória do personagem dentro daquele universo.
Os três filmes anteriores mostraram Peter crescendo aos poucos, deixando de ser apenas um adolescente empolgado para entender o peso real de ser um herói. Agora, a nova fase parece interessada em mostrar o que acontece depois disso. O que sobra quando você salva o mundo, mas perde todo mundo no processo.
Também existe um simbolismo forte nessa nova direção. Sem Tony Stark, sem os Vingadores e sem ninguém para ajudá-lo, Peter finalmente se aproxima da essência clássica do personagem nos quadrinhos: um garoto sozinho tentando equilibrar trauma, responsabilidade e sobrevivência em uma cidade que nunca para.
Até o título parece conversar com essa ideia. Um Novo Dia remete diretamente ao arco Brand New Day, dos quadrinhos, que marcou uma espécie de reinício na vida do herói após mudanças drásticas. O filme não deve adaptar a saga de forma literal, mas claramente bebe dessa sensação de reconstrução.
Como nasceu essa nova fase do Homem-Aranha?
Curiosamente, os bastidores dessa continuação foram quase tão turbulentos quanto os filmes do próprio MCU. A Sony já discutia um quarto longa do personagem desde 2019, mas as negociações com a Disney chegaram a ameaçar o futuro do herói dentro da Marvel Studios.
Na época, a possibilidade de separação entre os estúdios causou uma reação enorme nas redes sociais. A pressão dos fãs acabou ajudando Sony e Disney a retomarem as conversas e manterem o personagem conectado ao MCU.
Depois do fenômeno que foi No Way Home, qualquer dúvida sobre uma continuação praticamente desapareceu. O filme virou um dos maiores sucessos da Marvel nos cinemas e abriu espaço para uma nova trilogia estrelada por Holland.
O próprio ator, porém, já comentou várias vezes sobre o medo de desgastar o personagem ou permanecer tempo demais no papel. Ainda assim, tudo indica que essa nova etapa foi justamente o que o convenceu a continuar. Em vez de repetir a mesma fórmula dos filmes anteriores, a ideia agora parece ser apresentar um Peter Parker mais experiente, mais ferido emocionalmente e muito diferente daquele garoto apresentado em Homecoming.
Quando o filme estreia nos cinemas?
Depois de meses cercados por rumores e especulações, o longa-metragem já tem data confirmada para chegar aos cinemas brasileiros: 30 de julho de 2026.
As filmagens começaram em agosto de 2025 e passaram por diferentes locações no Reino Unido, incluindo cenas gravadas em Glasgow, na Escócia. Parte importante da produção também aconteceu no tradicional Pinewood Studios, espaço conhecido por receber algumas das maiores franquias do cinema mundial.
O novo trailer de Herança de Narcisa chegou sem muito alarde, mas já deixou claro o tipo de história que quer contar: uma volta pra casa que não tem nada de simples. No centro disso tudo está Paolla Oliveira, vivendo uma personagem que retorna ao passado da família e acaba encontrando mais perguntas do que respostas.
Desta vez, o filme não aposta em sustos fáceis ou aparições chamativas. O que aparece com mais força é o desconforto de entrar numa casa onde tudo parece parado, mas nada está realmente em paz. O novo trailer reforça justamente essa sensação de coisa mal resolvida, como se o ambiente inteiro ainda estivesse preso em histórias que ninguém contou até o fim.
O que muda quando essa casa volta a ser habitada?
Ana volta para o antigo lar depois da morte da mãe, Narcisa, e o que parecia ser só uma passagem obrigatória vira outra coisa bem mais pesada. A casa não está vazia de verdade. Ela está cheia de rastros. E cada canto parece guardar uma lembrança que ninguém teve coragem de encarar quando era tempo.
Com o irmão Diego, interpretado por Pedro Henrique Müller, ela começa a mexer nos objetos, nos móveis, nas coisas que ficaram para trás. Só que nada ali funciona como “organização”. Cada coisa encontrada parece abrir uma lembrança nova, nem sempre fácil de lidar.
O trailer sugere que o problema nunca foi o que aconteceu depois da morte, mas tudo o que foi ficando engasgado antes disso. É aquele tipo de relação familiar em que o silêncio falou mais alto por anos, e agora ele volta cobrando espaço.
Quem puxa essa história pra dentro do emocional?
A direção e o roteiro são de Clarissa Appelt e Daniel Dias, que não parecem interessados em explicar demais. A escolha aqui é outra: deixar o desconforto crescer aos poucos, sem pressa de entregar tudo.
A produção, assinada pela Camisa Preta Filmes com coprodução da Urca Filmes e do Telecine, aposta numa construção mais íntima do que grandiosa. Não é um filme sobre eventos extraordinários. É sobre o que fica entre as pessoas quando elas não conseguem dizer o que sentem.
E isso aparece até na forma como os personagens são tratados. Ninguém ali é colocado como “vilão da história”. Nem mesmo Narcisa, que surge mais como uma presença emocional que continua existindo mesmo depois da morte.
O que existe entre mãe e filha quando nada é resolvido?
No centro do filme está a relação entre Ana e Narcisa, que nunca foi simples nem organizada. O que existe ali é uma mistura de afeto, distância e coisas que ficaram pela metade.
Quando Ana começa a mexer na casa, não é só memória que volta. É sensação. É incômodo. É aquilo que ficou sem nome por anos e agora aparece de novo, mesmo que de forma torta.
O filme trabalha muito essa ideia de que família não é feita só do que é dito, mas também do que é evitado. E, nesse caso, o que foi evitado parece ter crescido com o tempo.
O que a Paolla Oliveira fala sobre essa experiência?
Paolla Oliveira comenta que o mais forte da história não está no lado sobrenatural, mas no confronto com o próprio passado. Para ela, o peso real da narrativa vem de revisitar relações que nunca tiveram fechamento.
A personagem vive exatamente isso: não está tentando entender algo externo, mas sim uma história pessoal que ficou mal resolvida dentro dela. E isso transforma tudo em algo mais emocional do que fantástico.
Essa escolha ajuda o filme a ficar mais próximo do público, porque o conflito não depende de imaginação. Ele vem de algo bem reconhecível: relações familiares que nunca foram totalmente entendidas.
Por que esse filme já está chamando atenção antes da estreia?
Herança de Narcisa já passou por festivais importantes como o Festival do Rio, onde recebeu prêmio do júri popular, além da Mostra de Tiradentes e do Fantaspoa. Também passou pelo Cinequest Film & Creativity Festival, nos Estados Unidos.
Esse percurso ajudou a colocar o filme no radar antes mesmo da estreia oficial, principalmente por mostrar que ele consegue funcionar fora do circuito mais tradicional do cinema brasileiro.
O interesse não vem só da história em si, mas da forma como ela é contada: mais silenciosa, mais emocional, mais focada no que não é dito.
Quando ele chega ao público?
Depois dessa trajetória em festivais e da divulgação do novo trailer, o filme se prepara para estrear nos cinemas no dia 9 de julho.
O desempenho expressivo de Michael nas bilheteiras internacionais colocou a produção entre os maiores sucessos recentes da Lionsgate e abriu espaço para discussões sobre uma possível continuação. Durante uma teleconferência de resultados financeiros realizada nesta quinta-feira (21), a Lionsgate comentou oficialmente sobre o andamento dessas conversas, indicando que o futuro da franquia ainda está em fase de avaliação interna.
O filme ultrapassou a marca de US$ 700 milhões em arrecadação mundial, resultado que reforçou o impacto comercial da cinebiografia e naturalmente despertou interesse em expandir a história para uma sequência. Apesar disso, o estúdio evita qualquer anúncio definitivo e mantém uma postura cautelosa quanto aos próximos passos.
O que a Lionsgate revelou sobre a continuação?
De acordo com Adam Fogelson, responsável pela divisão cinematográfica da Lionsgate, o estúdio segue conversando com os envolvidos no projeto para entender quais caminhos podem ser seguidos a partir do sucesso do primeiro filme. Ele destacou que há movimentação positiva nos bastidores, mas não confirmou oficialmente a produção de um segundo longa.
A declaração reforça que o momento ainda é de desenvolvimento e análise, com foco em aproveitar o desempenho comercial do filme sem apressar decisões criativas. Em casos como esse, estúdios costumam equilibrar o entusiasmo do público com a necessidade de planejar cuidadosamente a expansão de uma possível franquia.
O que explica o sucesso da cinebiografia nas bilheteiras?
O resultado financeiro acima de US$ 700 milhões chamou atenção da indústria por se tratar de uma cinebiografia musical, gênero que nem sempre alcança números tão elevados. O desempenho global do filme indica forte conexão com o público, especialmente em mercados internacionais, onde a trajetória do artista retratado continua tendo grande impacto cultural.
Esse alcance ajudou a consolidar o longa como um dos principais títulos recentes da Lionsgate, colocando o projeto em uma posição estratégica dentro do catálogo do estúdio. O sucesso também aumentou a pressão natural por uma continuação, já que produções com forte retorno comercial costumam ganhar prioridade em decisões futuras.
Como a história foi construída no primeiro filme?
Michael apresenta a trajetória do rei do POP desde os primeiros passos no cenário musical até o auge de sua carreira solo. O filme percorre diferentes fases da vida do artista, incluindo sua ascensão com o grupo The Jackson 5, o início da carreira independente e a consolidação como um dos maiores nomes da música pop mundial.
A narrativa busca acompanhar a evolução pessoal e profissional do cantor ao longo das décadas, destacando momentos decisivos que moldaram sua identidade artística e sua presença global. O longa também explora aspectos da relação familiar e das pressões enfrentadas desde a infância, elementos que influenciam diretamente sua jornada.
No papel principal, Jaafar Jackson, sobrinho do artista, interpreta a versão adulta de Michael, marcando sua estreia no cinema. Já a fase infantil é vivida por Juliano Krue Valdi, também em sua primeira atuação em longa-metragens. O elenco de apoio reúne nomes como Colman Domingo, Miles Teller, Nia Long, Laura Harrier e Mike Myers.
Como o projeto foi desenvolvido até chegar às telas?
O desenvolvimento de Michael começou em 2019, quando o produtor Graham King adquiriu os direitos para transformar a história do artista em um filme biográfico. A partir daí, o projeto passou por diferentes etapas de roteirização e estruturação até ser oficialmente anunciado pela Lionsgate em 2022.
A direção ficou sob responsabilidade de Antoine Fuqua, enquanto o roteiro inicial foi desenvolvido por John Logan. Ao longo do processo, o elenco foi sendo formado gradualmente entre 2023 e 2024, período que também sofreu impacto direto das paralisações da indústria cinematográfica.
As filmagens principais ocorreram entre janeiro e maio de 2024. Posteriormente, ajustes e novas gravações foram realizados em 2025 após revisões internas do roteiro e questões relacionadas à estrutura narrativa do terceiro ato. Esses ajustes fizeram parte do processo de refinamento do longa antes do lançamento.
O filme dividiu opiniões entre crítica e público?
Apesar do desempenho expressivo nas bilheteiras, Michael teve recepção crítica dividida. Parte da imprensa especializada destacou a performance de Jaafar Jackson como um dos pontos mais fortes da produção, elogiando sua interpretação e presença em cena.
Por outro lado, algumas análises apontaram que o filme adota uma abordagem mais suavizada em relação a certos aspectos da vida do artista, optando por uma narrativa mais linear e menos controversa. Essa escolha gerou debates sobre o equilíbrio entre homenagem e profundidade dramática em cinebiografias.
Ainda assim, o impacto cultural e o interesse do público sustentaram a relevância do filme ao longo de sua exibição, contribuindo diretamente para o desempenho financeiro que agora motiva discussões sobre uma possível continuação.
Existe espaço para uma sequência?
Embora nada esteja oficialmente confirmado, a Lionsgate já reconhece internamente que o sucesso do primeiro filme abriu caminho para novas possibilidades narrativas. Uma eventual sequência poderia explorar outras fases da carreira do artista, aprofundando períodos ainda não abordados com a mesma intensidade no longa inicial.
No entanto, qualquer decisão depende de fatores criativos e estratégicos, incluindo a recepção contínua do público e o alinhamento com a equipe envolvida no projeto. O estúdio parece adotar uma postura de espera ativa, monitorando o desempenho e avaliando a melhor forma de avançar.
A DC Studios atualizou oficialmente as informações de Supergirl, um dos próximos grandes lançamentos do novo universo cinematográfico da editora, e confirmou a duração aproximada do longa. Segundo listagens recentes de redes de cinema como a AMC Theatres, o filme terá cerca de 1 hora e 50 minutos de exibição, consolidando uma estimativa que já vinha sendo comentada nos bastidores. As informações são do site OVicio.
Esse tempo de duração também se conecta a declarações anteriores do diretor Craig Gillespie, conhecido por Eu, Tonya, que indicou que o corte final ficaria por volta dos 110 minutos, incluindo os créditos. A nova informação reforça que a produção deve seguir um ritmo mais direto, sem excessos, algo cada vez mais comum em filmes recentes de super-heróis.
O que a duração indica sobre o estilo do filme?
Com pouco menos de duas horas, o longa-metragem deve apostar em uma narrativa mais enxuta e focada, priorizando a construção da personagem principal e a introdução do novo universo da DC Studios. A ideia parece ser apresentar Kara Zor-El de forma objetiva, sem perder tempo em subtramas longas, mas ainda criando base para futuras histórias dentro do DCU.
Como Supergirl se encaixa na nova fase da DC?
O longa faz parte da reformulação completa conduzida por James Gunn e Peter Safran, que reorganizaram o estúdio e deram início a uma nova linha narrativa chamada “Capítulo Um: Deuses e Monstros”. Dentro desse plano, a super-heroína surge como uma peça importante para expandir o universo compartilhado desde seus primeiros passos.
O filme é inspirado na minissérie Supergirl: Woman of Tomorrow, de Tom King e Bilquis Evely, conhecida por apresentar uma abordagem mais madura e espacial da heroína, com foco em sobrevivência, identidade e jornada emocional em ambientes hostis.
Quem está por trás da produção e quem vive a protagonista?
A direção é assinada por Craig Gillespie, enquanto o roteiro fica a cargo de Ana Nogueira, que já havia trabalhado em versões anteriores do projeto antes da reformulação da DC. A produção executiva é de James Gunn e Peter Safran, reforçando o peso estratégico do longa dentro do novo plano do estúdio.
No papel principal, Milly Alcock, de House of the Dragon, interpreta Kara Zor-El. A versão da personagem apresentada no filme deve se distanciar de retratações mais tradicionais, mostrando uma Supergirl moldada por um passado mais duro, marcado pela destruição de Krypton e por uma visão menos idealizada do universo.
O elenco ainda conta com Matthias Schoenaerts como Krem das Colinas Amarelas e Eve Ridley como Ruthye Marye Knoll, personagens que fazem parte da jornada da protagonista e ajudam a expandir o tom mais sci-fi da história.
Como o projeto evoluiu até chegar a essa versão?
O desenvolvimento do filme passou por mudanças significativas nos últimos anos. Inicialmente planejado dentro do antigo universo da DC, o projeto foi completamente reformulado após a chegada de Gunn e Safran ao comando do estúdio. A personagem chegou a aparecer em The Flash (2023), interpretada por Sasha Calle, mas essa versão acabou não sendo aproveitada na nova continuidade.
A atual abordagem foi oficializada em 2023 como adaptação direta de Woman of Tomorrow, priorizando uma narrativa mais épica e voltada para ficção científica, com uma pegada mais sombria e emocional em comparação a versões anteriores da heroína.
Quando o filme chega aos cinemas?
O longa-metragem tem estreia marcada para 26 de junho de 2026 e chega como uma das apostas centrais da nova fase da DC Studios.
O terror Obsessão tem chamado atenção como um dos casos mais improváveis do cinema recente. Produzido com orçamento inferior a US$ 1 milhão, o longa estreou de forma modesta, mas rapidamente ganhou força entre público e crítica, alcançando cerca de US$ 17,2 milhões em bilheterias apenas no primeiro fim de semana nos Estados Unidos. O desempenho acima do esperado transformou o filme em um exemplo de como produções independentes ainda podem competir com grandes lançamentos quando encontram uma ideia forte e conexão com o público.
Dirigido, roteirizado e editado por Curry Barker, o longa se destaca justamente por apostar em uma narrativa de terror psicológico que foge do convencional, usando uma premissa simples para construir uma escalada de tensão emocional e desconforto crescente.
O que acontece quando um desejo começa a sair do controle?
A trama acompanha Bear, um jovem que trabalha em uma loja de discos e vive preso a sentimentos não resolvidos por Nikki, sua amiga de infância. Em meio a essa frustração emocional, ele encontra um objeto misterioso capaz de realizar desejos, o chamado “Willow dos Desejos”.
Tomado pelo impulso, Bear faz um pedido que muda completamente a dinâmica entre os dois. Nikki passa a demonstrar uma intensidade emocional fora do comum, transformando o que antes era uma relação de amizade e afeto não correspondido em algo instável, extremo e cada vez mais perigoso.
Como o filme transforma romance em tensão psicológica?
Em vez de seguir o caminho tradicional do terror sobrenatural, o longa-metragem constrói seu impacto a partir do desgaste emocional entre os personagens. O desejo feito por Bear não cria apenas uma mudança superficial, mas altera profundamente o comportamento de Nikki, que passa a oscilar entre carinho intenso e atitudes perturbadoras.
O filme explora essa relação de forma gradual, mostrando como pequenas distorções emocionais vão se acumulando até atingir um ponto fora de controle. O que começa como uma fantasia de amor correspondido evolui para um cenário de dependência, manipulação e medo constante.
O objeto mágico tem regras ou consequências?
O “Willow dos Desejos” funciona como o ponto de partida de toda a história, mas rapidamente deixa claro que não se trata de um recurso simples ou seguro. Ao longo da narrativa, fica evidente que os desejos realizados têm limites rígidos e consequências difíceis de reverter.
Bear tenta entender o funcionamento do objeto conforme a situação foge do controle, mas descobre que não existe uma solução fácil para desfazer o que foi feito. Essa limitação aumenta a tensão da história, já que cada tentativa de correção parece empurrar os personagens ainda mais fundo no problema.
Até que ponto o amor pode virar obsessão?
O desenvolvimento de Nikki após o desejo é o principal motor do terror psicológico do filme. Sua relação com Bear se intensifica de forma desequilibrada, criando momentos de proximidade emocional que rapidamente se transformam em comportamento possessivo e imprevisível.
O longa não trata essa transformação de maneira superficial, mas como um processo contínuo de deterioração emocional. A sensação de desconforto cresce à medida que a relação deixa de ser apenas complicada e passa a representar uma ameaça constante para ambos os personagens.
Por que o filme virou destaque mesmo sendo independente?
Um dos pontos mais comentados sobre Obsessão é sua trajetória fora das telas. Com um investimento extremamente baixo, o filme conseguiu resultados expressivos de bilheteria e viralizou entre espectadores, especialmente nas redes sociais, onde trechos e discussões sobre a história impulsionaram sua popularidade.
Esse tipo de sucesso reforça uma tendência recente no gênero do terror, em que ideias simples, mas bem executadas, conseguem alcançar grande repercussão sem depender de grandes campanhas publicitárias ou estruturas de estúdio.
Como a crítica reagiu ao filme?
A recepção crítica tem sido amplamente positiva, com avaliações destacando a forma como o longa constrói tensão sem depender de sustos previsíveis ou efeitos exagerados. Em vez disso, o foco está na inquietação psicológica e na progressão lenta do desconforto.
Outro ponto elogiado é a direção de Curry Barker, que consegue transformar uma premissa aparentemente simples em uma narrativa consistente e perturbadora, mantendo o interesse do público do início ao fim.
Quem compõe o elenco da produção?
O elenco é liderado por Michael Johnston, que interpreta Bear, e Inde Navarrette, responsável pelo papel de Nikki. A química entre os dois personagens sustenta toda a narrativa, já que a história depende diretamente da evolução emocional dessa relação.
Cooper Tomlinson também participa como Ian, amigo próximo de Bear, funcionando como contraponto à escalada de acontecimentos e ajudando a evidenciar o quanto a situação saiu do controle.
A HBO Max e o canal TNT apresentaram o trailer do documentário Onde Estiver, Estarei – Uma Paixão Rubro-Negra, produção que estreia no dia 28 de maio e promete revisitar dois dos capítulos mais marcantes da história recente do Flamengo na Copa Libertadores da América. A obra aposta em uma narrativa centrada nos torcedores, mostrando como diferentes gerações viveram o clube em momentos decisivos separados por quase quatro décadas.
O trailer divulgado chama atenção ao alternar imagens das finais de 1981 e 2019, criando um paralelo direto entre duas fases completamente distintas do futebol sul-americano. Enquanto o material resgata cenas históricas da primeira conquista continental do clube, também destaca a mobilização recente de milhares de torcedores rumo a Lima, no Peru. Além dos registros esportivos, o vídeo traz depoimentos de torcedores que viveram esses dois momentos de perto, reforçando a ideia de que o documentário não é apenas sobre futebol, mas sobre memória, identidade e pertencimento.
Quem são os personagens que conduzem essa jornada?
A narrativa acompanha dois torcedores que ajudam a costurar essa linha do tempo emocional do clube: Francisco de Moraes e Cláudio Cruz. Eles estiveram presentes tanto na conquista de 1981 quanto na de 2019, o que permite ao documentário criar um elo direto entre passado e presente. O filme utiliza suas experiências para mostrar como o ato de torcer vai muito além de assistir a uma partida. Ele envolve viagens, sacrifícios, encontros e uma conexão profunda com o clube, que se mantém viva independentemente da época.
Como eram as experiências de 1981 e 2019?
O contraste entre as duas finais é um dos elementos centrais da produção. Em 1981, acompanhar o Flamengo na Libertadores significava enfrentar uma realidade completamente diferente, com viagens longas, poucos recursos e uma estrutura limitada para deslocamento internacional.
Já em 2019, o cenário mudou de forma significativa. A final contra o River Plate, realizada em Lima, contou com uma presença massiva de torcedores brasileiros, estimada em dezenas de milhares de pessoas. O acesso às viagens aéreas e a maior integração do futebol sul-americano transformaram completamente a experiência de acompanhar o clube fora do país. Mesmo com essas diferenças, o documentário reforça que a essência da torcida permaneceu a mesma, marcada pela intensidade e pela entrega emocional em cada decisão.
O que conecta as gerações rubro-negras?
A produção usa as duas conquistas da Libertadores como ponto de ligação entre diferentes gerações de torcedores. A equipe de 1981, liderada por nomes históricos como Zico, Júnior e Adílio, representa o primeiro grande auge internacional do clube. Já o elenco de 2019, com destaque para Gabigol, simboliza o retorno do Flamengo ao topo da América do Sul após décadas de espera.
O documentário não coloca essas eras em comparação direta, mas sim como partes complementares de uma mesma história. A ideia é mostrar como o clube constrói sua identidade a partir da continuidade das experiências vividas por sua torcida.
Quem está por trás da produção?
Onde Estiver, Estarei – Uma Paixão Rubro-Negra é uma coprodução entre Canal Azul e Warner Bros. Discovery. A direção é assinada por Pedro Asbeg, enquanto o roteiro foi desenvolvido por Arthur Muhlenberg, que contribui para uma abordagem mais sensível e próxima do universo dos torcedores.
A equipe de produção também conta com Ricardo Aidar, Liz Reis e Larissa Prado, responsáveis por estruturar o material e organizar os diferentes relatos que compõem a narrativa. A proposta é unir imagens de arquivo, registros de viagens e depoimentos para construir uma linha do tempo emocional do clube.
Por que esse documentário chama atenção além do futebol?
O diferencial da produção está em transformar o futebol em uma história sobre pessoas. Em vez de se limitar aos resultados dentro de campo, o documentário explora como o Flamengo se torna parte da vida dos torcedores, influenciando decisões, viagens e memórias ao longo dos anos.
Essa abordagem amplia o alcance da narrativa, aproximando o conteúdo não apenas de fãs de esporte, mas também de quem se interessa por histórias humanas, culturais e emocionais. O clube aparece como um ponto de conexão entre gerações, onde cada vitória se torna parte de uma memória coletiva.
Quando estreia?
O lançamento de Onde Estiver, Estarei – Uma Paixão Rubro-Negra acontece no dia 28 de maio, às 18h, na HBO Max e no canal TNT. Com o trailer já disponível, a produção começa a ganhar destaque ao apresentar uma visão mais íntima e emocional da trajetória rubro-negra na Libertadores.
A animação brasileira Cordélicos – A Origem do Cabra da Peste, dirigida por Ale McHaddo, chega com uma proposta nada comum no cinema nacional ao combinar referências do sertão nordestino com uma aventura de ficção científica centrada em viagem temporal. O longa já teve seu trailer divulgado e tem estreia marcada nos cinemas para o dia 4 de junho, chamando atenção pela estética vibrante e pelo tom leve que guia toda a narrativa.
O que acontece quando uma máquina do tempo cai nas mãos erradas?
A história acompanha um grupo de jovens do sertão que encontra uma máquina capaz de alterar o tempo. O que parecia apenas uma descoberta curiosa rapidamente se transforma em um problema fora de controle. Sem dominar o funcionamento do artefato, eles acabam sendo lançados em diferentes períodos da história. Separados, cada um precisa lidar com realidades desconhecidas enquanto tenta encontrar uma forma de voltar ao presente e entender o que deu errado.
Como o sertão influencia a narrativa da animação?
O sertão nordestino não aparece apenas como cenário, mas como parte essencial da construção do universo do filme. Elementos culturais, visuais e linguísticos ajudam a dar identidade à história, influenciando tanto o humor quanto o estilo da animação. A produção também incorpora referências da literatura de cordel e da cultura popular, criando uma estética que mistura tradição regional com fantasia e ficção científica.
Quem está no elenco de dublagem da animação?
O elenco de vozes reúne nomes conhecidos do público brasileiro, reforçando o tom cômico da produção. Entre os dubladores estão Bruno Garcia (De Pernas pro Ar, Tapas & Beijos), Tadeu Mello (Os Caras de Pau), Raissa Xavier (participações em TV e cinema), Carol Góes (Mulheres Apaixonadas), Marcelo Mansfield (Zorra Total), Felipe Mazzoni (produções audiovisuais brasileiras) e a participação de Falcão (O Rappa, projetos musicais e audiovisuais).
Quando acontece a estreia de Cordélicos?
A estreia nacional está marcada para 4 de junho nos cinemas de todo o Brasil. Antes disso, o filme terá sessões especiais em duas capitais. Em Fortaleza, a pré-estreia acontece no dia 30 de maio no Kinoplex Iguatemi. Já em São Paulo, a exibição será no dia 31 de maio no Cinemark do Shopping Eldorado.
O filme “Surda” segue ampliando sua circulação nos cinemas e entra na segunda semana em cartaz com estreia confirmada em Volta Redonda. A produção espanhola de 2025 já passou por alguns dos festivais mais importantes do mundo e vem chamando atenção tanto da crítica quanto do público por sua abordagem sensível sobre a experiência de uma mulher surda em um ambiente pensado majoritariamente para ouvintes.
O que explica o impacto do filme nos festivais internacionais?
O longa-metragem ganhou projeção internacional ao estrear no Festival Internacional de Cinema de Berlim, onde recebeu o Prêmio do Público na mostra Panorama. O reconhecimento ajudou a colocar o filme no radar global e abriu caminho para sua passagem por outros eventos importantes.
Depois de Berlim, o longa também se destacou no circuito espanhol e acabou sendo reconhecido no Prêmio Goya, reforçando sua força tanto artística quanto temática. O conjunto de premiações consolidou a obra como uma das produções europeias mais comentadas do período.
Quem é Ángela e qual é o foco da história?
A trama acompanha Ángela, uma mulher surda que trabalha com cerâmica em uma região rural da Espanha. Ela vive um momento decisivo ao descobrir a gravidez do seu primeiro filho com Héctor, seu parceiro ouvinte.
A partir desse ponto, a história se concentra nas mudanças emocionais e práticas que surgem na vida do casal. O nascimento do bebê intensifica as diferenças entre eles e coloca em evidência desafios de comunicação, autonomia e adaptação dentro da família.
O filme evita respostas fáceis e prefere acompanhar de perto os sentimentos da protagonista, mostrando como pequenas situações do dia a dia podem se tornar grandes barreiras ou pontes entre pessoas que vivem realidades diferentes.
Como o filme trabalha a experiência surda na narrativa?
Um dos aspectos mais elogiados da obra é justamente a forma natural com que a surdez é incorporada à história. Em vez de tratar a condição como um problema central, o filme a apresenta como parte da identidade da protagonista e de sua forma de se relacionar com o mundo.
A direção aposta em uma abordagem mais silenciosa e observacional, valorizando expressões, gestos e momentos de pausa. Isso aproxima o público da vivência de Ángela sem recorrer a explicações didáticas, criando uma experiência mais sensorial e emocional.
Quem está no elenco e por que isso importa?
O papel principal é interpretado por Miriam Garlo, atriz surda que já havia participado do curta que deu origem ao longa. Ao seu lado está Álvaro Cervantes, no papel de Héctor, além de Elena Irureta e Joaquín Notario em papéis de apoio que ajudam a construir o ambiente emocional da história.
Quando o público pode assistir no Brasil?
No Brasil, o longa-metragem já está em sua segunda semana de exibição e começa a expandir suas sessões para novas cidades, incluindo a estreia em Volta Redonda. A chegada do filme ao interior reforça a ampliação do circuito de filmes independentes no país.
