“Surda” ganha força nos cinemas e chega a Volta Redonda após trajetória premiada em Berlim e no Goya

O filme “Surda” segue ampliando sua circulação nos cinemas e entra na segunda semana em cartaz com estreia confirmada em Volta Redonda. A produção espanhola de 2025 já passou por alguns dos festivais mais importantes do mundo e vem chamando atenção tanto da crítica quanto do público por sua abordagem sensível sobre a experiência de uma mulher surda em um ambiente pensado majoritariamente para ouvintes.

O que explica o impacto do filme nos festivais internacionais?

O longa-metragem ganhou projeção internacional ao estrear no Festival Internacional de Cinema de Berlim, onde recebeu o Prêmio do Público na mostra Panorama. O reconhecimento ajudou a colocar o filme no radar global e abriu caminho para sua passagem por outros eventos importantes.

Depois de Berlim, o longa também se destacou no circuito espanhol e acabou sendo reconhecido no Prêmio Goya, reforçando sua força tanto artística quanto temática. O conjunto de premiações consolidou a obra como uma das produções europeias mais comentadas do período.

Quem é Ángela e qual é o foco da história?

A trama acompanha Ángela, uma mulher surda que trabalha com cerâmica em uma região rural da Espanha. Ela vive um momento decisivo ao descobrir a gravidez do seu primeiro filho com Héctor, seu parceiro ouvinte.

A partir desse ponto, a história se concentra nas mudanças emocionais e práticas que surgem na vida do casal. O nascimento do bebê intensifica as diferenças entre eles e coloca em evidência desafios de comunicação, autonomia e adaptação dentro da família.

O filme evita respostas fáceis e prefere acompanhar de perto os sentimentos da protagonista, mostrando como pequenas situações do dia a dia podem se tornar grandes barreiras ou pontes entre pessoas que vivem realidades diferentes.

Como o filme trabalha a experiência surda na narrativa?

Um dos aspectos mais elogiados da obra é justamente a forma natural com que a surdez é incorporada à história. Em vez de tratar a condição como um problema central, o filme a apresenta como parte da identidade da protagonista e de sua forma de se relacionar com o mundo.

A direção aposta em uma abordagem mais silenciosa e observacional, valorizando expressões, gestos e momentos de pausa. Isso aproxima o público da vivência de Ángela sem recorrer a explicações didáticas, criando uma experiência mais sensorial e emocional.

Quem está no elenco e por que isso importa?

O papel principal é interpretado por Miriam Garlo, atriz surda que já havia participado do curta que deu origem ao longa. Ao seu lado está Álvaro Cervantes, no papel de Héctor, além de Elena Irureta e Joaquín Notario em papéis de apoio que ajudam a construir o ambiente emocional da história.

Quando o público pode assistir no Brasil?

No Brasil, o longa-metragem já está em sua segunda semana de exibição e começa a expandir suas sessões para novas cidades, incluindo a estreia em Volta Redonda. A chegada do filme ao interior reforça a ampliação do circuito de filmes independentes no país.

Sessão da Tarde (22/05) exibe Dois É Demais em Orlando, comédia brasileira que transforma viagem dos sonhos em caos

A Sessão da Tarde desta sexta-feira, 22 de maio, traz para a televisão aberta brasileira a exibição de Dois É Demais Em Orlando, uma comédia nacional que aposta em uma mistura clássica de humor de situação, choque de personalidades e o eterno fascínio do público pelos parques de Orlando. O filme coloca um pé no universo dos sonhos de viagem e outro no caos cotidiano, criando uma narrativa que conversa diretamente com o público jovem que cresceu entre referências de cultura pop, super-heróis e a ideia de “viagem perfeita” que sempre parece dar errado.

Na história, acompanhamos João, um funcionário comum que está prestes a viver aquilo que ele considera o grande momento da sua vida: viajar para Orlando, nos Estados Unidos, e finalmente conhecer os famosos parques da Universal. Só que esse sonho logo é interrompido por uma missão inesperada que muda completamente o rumo da viagem. Antes de embarcar, sua chefe pede um favor que parece simples, mas rapidamente se transforma em um problema gigante: levar o filho dela, Carlos Alberto, até o pai nos Estados Unidos.

O que começa como uma tarefa profissional se transforma em uma viagem forçada entre duas pessoas completamente diferentes, que não escolheram estar juntas, mas acabam presas uma à outra em um ambiente totalmente fora do controle.

Quem são João e Carlos Alberto nessa história de contraste total?

O centro da narrativa gira em torno dessa dupla improvável: João, interpretado por Eduardo Sterblitch, e Carlos Alberto, vivido por Pedro Burgarelli. A dinâmica entre os dois é construída justamente no contraste geracional e comportamental. João é o típico adulto que ainda carrega uma paixão quase infantil por filmes, super-heróis e a fantasia de estar vivendo dentro de um universo cinematográfico. Já Carlos Alberto é apresentado como um garoto de onze anos que age como se fosse um adulto, racional, direto e sem paciência para o caos emocional dos mais velhos.

Esse choque de personalidades é o que move grande parte da comédia do filme. Em vez de uma relação fácil ou previsível, o que se constrói é uma convivência cheia de atritos, desconfortos e situações absurdas que surgem justamente porque nenhum dos dois quer abrir mão de quem é.

Quando o pai de Carlos Alberto simplesmente não aparece para buscá-lo em Orlando, o que deveria ser uma entrega rápida se transforma em uma espécie de “viagem sem roteiro”, obrigando João a assumir uma responsabilidade que ele nunca imaginou ter: cuidar de uma criança em um país estrangeiro enquanto tenta não perder o emprego e, ao mesmo tempo, sobreviver ao próprio medo de montanhas-russas.

Como Orlando vira cenário de caos e aprendizado?

Orlando, nesse contexto, não é apenas um pano de fundo turístico. A cidade funciona quase como um personagem dentro da narrativa. Os parques, filas, atrações e o excesso de estímulos criam um ambiente perfeito para que os conflitos entre João e Carlos Alberto se intensifiquem.

A ideia de visitar os parques da Universal, que no início representa um sonho para João, vai sendo desconstruída ao longo da história. Em vez de diversão planejada, o que ele encontra é uma sequência de imprevistos, responsabilidades e situações que exigem decisões rápidas, algo que ele claramente não está preparado para lidar.

Ao mesmo tempo, o filme brinca com a expectativa do público que reconhece esse cenário como um dos destinos mais desejados do mundo. Essa familiaridade ajuda a criar identificação imediata, principalmente entre jovens brasileiros que cresceram assistindo filmes e séries ambientados em parques temáticos e sempre imaginaram como seria viver essa experiência de perto.

Quem está por trás da comédia e como o filme foi construído?

A direção de Rodrigo Van Der Put aposta em uma narrativa leve, mas estruturada em conflitos bem definidos. O roteiro, assinado por Daniela Ocampo, Luiza Yabrudi e Eduardo Caldas, constrói a história a partir de situações cotidianas exageradas, onde pequenas decisões geram grandes consequências.

Produzido pela Globo Filmes e coproduzido pela Telecine, o longa reforça uma tendência recente do cinema brasileiro: apostar em comédias com apelo popular, mas que também dialogam com temas universais como responsabilidade, amadurecimento e relações familiares improváveis.

Desde sua estreia nos cinemas em 28 de março de 2024, o filme buscou se posicionar como uma comédia acessível, voltada para o grande público, mas com elementos que também conversam com o universo geek e pop, especialmente pela presença constante de referências a filmes, super-heróis e o imaginário dos parques temáticos.

O que o filme diz sobre amadurecimento e responsabilidade?

Apesar do tom leve e cômico, Dois É Demais Em Orlando também trabalha com temas que vão além da superfície. A convivência forçada entre João e Carlos Alberto cria uma narrativa de amadurecimento mútuo. João, que começa como alguém desorganizado e preso em sonhos fantasiosos, precisa aprender a lidar com responsabilidades reais. Já Carlos Alberto, que se apresenta como alguém excessivamente maduro para a idade, é constantemente confrontado com situações que o fazem experimentar a infância de forma mais livre e caótica.

Essa troca entre os dois não acontece de forma imediata ou fácil. O filme constrói essa evolução aos poucos, através de erros, conflitos e pequenas descobertas durante a viagem. É nesse processo que a comédia se mistura com momentos de reflexão, sem perder o ritmo leve que caracteriza a produção.

Super Mario 3 só em 2029? Elenco comenta possível longa espera da Nintendo

O universo cinematográfico de Mario segue em expansão desde o fenômeno Super Mario Bros. – O Filme, que consolidou a Nintendo e a Illumination como uma das parcerias mais fortes da animação recente em Hollywood. Agora, mesmo sem anúncio oficial de um terceiro filme, comentários recentes de integrantes do elenco reacenderam uma discussão que já vinha circulando nos bastidores: a possibilidade de um intervalo longo até o próximo capítulo da franquia, que poderia chegar apenas em 2029.

As falas não surgem como confirmação de estúdio, mas ganharam repercussão justamente por partirem de nomes diretamente ligados à produção. O que antes era tratado como especulação isolada passou a ser discutido com mais atenção, especialmente diante da postura cautelosa da Nintendo em relação à expansão de suas propriedades para o cinema.

De onde surgiu a ideia de um Super Mario 3 em 2029?

A conversa começou a ganhar força após declarações de Jack Black, que mencionou a possibilidade de um intervalo de alguns anos entre os filmes da franquia. Embora não tenha cravado datas, o comentário abriu espaço para interpretações sobre o ritmo de produção adotado pelo estúdio.

Na sequência, Keegan-Michael Key, intérprete de Toad, reforçou a ideia de que o processo criativo da franquia não trabalha com pressa. Em suas declarações, ele destacou que a equipe prefere investir mais tempo no desenvolvimento de cada etapa, evitando decisões apressadas que possam comprometer o resultado final.

O ator também apontou o envolvimento direto dos diretores Aaron Horvath e Michael Jelenic em praticamente todas as fases do projeto, o que naturalmente torna o processo mais longo, já que cada detalhe do universo é constantemente revisado.

Por que a Nintendo pode estar segurando o calendário?

O desempenho de Super Mario mudou completamente o status da franquia no cinema. O sucesso global transformou Mario em uma das propriedades mais valiosas da animação atual, o que acabou elevando também o nível de responsabilidade em relação às próximas produções.

Nesse contexto, a Nintendo parece ter adotado uma postura mais cuidadosa. Em vez de acelerar sequências, a estratégia apontada por envolvidos é trabalhar com intervalos maiores, permitindo que cada novo filme seja tratado como um grande lançamento de evento, com desenvolvimento mais detalhado

Galaxy leva a franquia para outro nível nos cinemas?

Super Mario Galaxy marca o segundo capítulo da saga cinematográfica iniciada com The Super Mario Bros. Movie, ampliando o universo de Mario para uma narrativa que agora ultrapassa o Reino dos Cogumelos. Inspirado no jogo Super Mario Galaxy, o longa aposta em uma aventura espacial com escala maior, novos mundos e desafios ligados à gravidade e exploração cósmica.

Como a sequência continua a história de Super Mario Bros.?

A produção funciona como continuação direta de The Super Mario Bros. Movie, mantendo a base dos personagens e expandindo o universo já estabelecido. A direção segue com Aaron Horvath e Michael Jelenic, além do roteiro de Matthew Fogel, garantindo continuidade no tom leve e aventureiro, agora em uma escala mais ambiciosa.

Quem retorna e quem chega ao elenco da nova animação?

O elenco retorna com Chris Pratt como Mario, Anya Taylor-Joy como Princesa Peach, Charlie Day como Luigi, Jack Black como Bowser e Keegan-Michael Key como Toad, além de Kevin Michael Richardson como Kamek. A sequência ainda introduz novos personagens, como Rosalina, interpretada por Brie Larson, além de Benny Safdie como Bowser Jr., Donald Glover como Yoshi e Glen Powell como Fox McCloud.

O que muda na narrativa ao levar Mario para o espaço?

Galaxy amplia a proposta do primeiro filme ao levar a história para o espaço, explorando diferentes planetas e ambientes cósmicos. A mudança de cenário permite uma abordagem mais variada, com novas regras de gravidade e desafios inéditos dentro do universo da Nintendo.

Com essa nova fase, a franquia deixa de ser apenas uma adaptação isolada e passa a funcionar como um universo cinematográfico em expansão. A base estabelecida em Mario Bros. serve como ponto de partida para novas histórias, enquanto Galaxy abre caminho para futuras continuações e possíveis novas ramificações dentro do catálogo da Nintendo.

He-Man está chegando! Veja como garantir ingressos na pré-venda de Mestres do Universo

Os preparativos para o retorno de Eternia já começaram a ocupar espaço nas bilheterias brasileiras. A pré-venda de Mestres do Universo foi aberta nesta quinta-feira, 21 de maio, antecipando a chegada do longa aos cinemas no dia 4 de junho. O novo filme marca o retorno de He-Man às telonas quase quarenta anos depois da versão de 1987, que se tornou um marco da cultura pop mesmo com recepção dividida na época.

A liberação antecipada dos ingressos rapidamente ganhou força nas redes de cinema e nas plataformas digitais. Ingresso.com, Cinemark, Cinépolis e UCI já oferecem sessões em diferentes formatos, com opções que vão do IMAX ao 3D, além de salas premium e versões dubladas ou legendadas

O interesse pelo novo filme não surgiu do nada. He-Man sempre manteve presença constante no imaginário popular, especialmente no Brasil, onde a animação original dos anos 1980 foi exibida repetidas vezes na TV aberta e consolidou o personagem como um dos nomes mais reconhecíveis da fantasia televisiva. Mesmo fora do ar por longos períodos, a marca continuou viva por meio de reprises, brinquedos, jogos e novas versões animadas

Como comprar os ingressos?

A compra antecipada de Mestres do Universo já pode ser feita diretamente nos aplicativos e sites das redes de cinema. O processo é simples: o título aparece na programação, o público escolhe a cidade, seleciona o cinema e define a sessão disponível a partir de 4 de junho.

As exibições incluem formatos variados, desde salas tradicionais até experiências mais imersivas. Em algumas redes, o filme também será exibido em 3D e em salas premium, o que reforça a aposta das distribuidoras em diferentes tipos de público. Em cidades maiores, a tendência é que as primeiras sessões tenham alta ocupação já nos primeiros dias de venda.

Sobre o que fala o novo filme de He-Man?

A nova adaptação acompanha o Príncipe Adam em seu retorno ao planeta Eternia depois de anos afastado de seu destino. Ao chegar, ele encontra o reino em ruínas, sob domínio das forças de Esqueleto, que avançaram e tomaram controle de grande parte do território.

A partir desse ponto, a narrativa gira em torno da decisão de Adam de assumir novamente o papel de He-Man. Ele deixa de lado a tentativa de viver longe do conflito e passa a encarar a responsabilidade de proteger não apenas sua família e aliados, mas todo o equilíbrio do universo.

Ao lado de Teela e Mentor, o personagem enfrenta uma escalada de conflitos envolvendo criaturas místicas, batalhas em larga escala e uma disputa que envolve diretamente o futuro de Eternia. O filme aposta em uma abordagem mais expansiva do universo da franquia, com foco em ação contínua e construção de mundo.

He-Man e o peso de uma marca que atravessa gerações

He-Man não é apenas uma adaptação antiga que está sendo revisitada. O personagem faz parte de um conjunto de franquias que atravessaram décadas sem perder completamente a relevância. A linha de brinquedos da Mattel, lançada originalmente nos anos 1980, ajudou a transformar a trama em um fenômeno global muito antes do cinema tentar adaptar a história.

A animação clássica teve papel decisivo nessa popularidade. Exibida em diversos países, ela consolidou a imagem de Adam e sua transformação em He-Man como uma das identidades mais fortes da fantasia televisiva da época. No Brasil, essa presença foi ainda mais intensa, com transmissões repetidas em diferentes faixas de programação, o que ajudou a criar uma base de público extremamente ampla.

Mesmo após o fim da série original, a franquia nunca desapareceu completamente. Novas animações, linhas de produtos e tentativas de reinterpretação mantiveram o personagem em circulação, ainda que em ciclos irregulares. Esse histórico explica por que qualquer novo projeto envolvendo He-Man ainda desperta curiosidade imediata, mesmo entre quem não acompanha diretamente o universo atual da franquia.

Quem está no elenco?

O protagonista é interpretado por Nicholas Galitzine (Vermelho, Branco e Sangue Azul, Uma Ideia de Você), que assume o papel do Príncipe Adam e sua transformação em He-Man, figura central da história.

O elenco reúne ainda Camila Mendes (Riverdale), Alison Brie (Community, GLOW), Jared Leto (Clube de Compras Dallas, Morbius), Idris Elba (Luther, Thor), Morena Baccarin (Deadpool, Firefly), Kristen Wiig (Missão Madrinha de Casamento, Barbie), James Purefoy (The Following, Roma) e Jóhannes Haukur Jóhannesson (Game of Thrones, The Witcher).

Um projeto que passou por anos de mudanças

A versão atual do longa-metragem é resultado de um desenvolvimento longo e instável. Desde 2009, o projeto passou por diferentes estúdios, mudanças de roteiristas e diversas tentativas de redefinir o tom da adaptação.

Nomes como Jon M. Chu (Wicked), David S. Goyer (Batman: O Cavaleiro das Trevas), McG (Anjos da Lei) e a dupla Aaron Nee e Adam Nee (A Cidade Perdida) estiveram ligados ao projeto em diferentes fases.

O filme também passou por Sony e Netflix. A plataforma chegou a investir cerca de 30 milhões de dólares no desenvolvimento antes de abandonar a produção em 2023. Nesse período, o personagem chegou a ser associado a Kyle Allen (West Side Story) e Noah Centineo (Para Todos os Garotos que Já Amei).

A retomada só aconteceu quando a Amazon MGM Studios assumiu o projeto em 2024, reorganizando a produção e iniciando uma nova fase que resultou no longa que chega agora aos cinemas.

Onde o filme foi gravado?

As filmagens ocorreram entre janeiro e junho de 2025 em Londres. A produção utilizou estúdios de grande porte e cenários construídos fisicamente para recriar Eternia, combinando elementos práticos com efeitos visuais.

Quando estreia Mestres do Universo?

O filme estreia nos cinemas brasileiros no dia 4 de junho.

The Boroughs | Criadores de Stranger Things apostam em série sobrenatural com elenco veterano na Netflix

A Netflix acaba de colocar no ar uma das séries mais curiosas e diferentes de seu catálogo recente. The Boroughs chegou à plataforma apostando em uma mistura de ficção científica, suspense e terror sobrenatural, mas com um detalhe que já chamou atenção logo nos primeiros anúncios: os protagonistas da história não são adolescentes nem jovens adultos, e sim moradores de uma comunidade de aposentados no meio do deserto do Novo México.

Tratada internamente como uma espécie de “sucessora espiritual” de Stranger Things, a produção mergulha em conspirações misteriosas, ameaças de outro mundo e segredos escondidos em um lugar aparentemente tranquilo. Só que, diferente da série dos irmãos Duffer, aqui o foco está em personagens que já passaram dos 60 anos e precisam enfrentar o medo do envelhecimento enquanto tentam impedir algo muito maior de destruir suas vidas.

A série estreou oficialmente na Netflix em 21 de maio de 2026 e rapidamente começou a chamar atenção nas redes sociais justamente pela proposta incomum. Em vez de apostar apenas em nostalgia oitentista ou em adolescentes salvando o mundo, The Boroughs transforma idosos em protagonistas de uma aventura sobrenatural carregada de tensão, drama e reflexões sobre o tempo.

Sobre o que fala a série?

A história acompanha um grupo de moradores de uma sofisticada comunidade de aposentados localizada em uma região isolada do Novo México. O local parece perfeito à primeira vista: tranquilo, organizado, silencioso e cercado por paisagens desérticas quase cinematográficas.

Mas a sensação de conforto começa a desaparecer quando eventos estranhos passam a acontecer dentro da comunidade. Moradores começam a perceber comportamentos inexplicáveis, desaparecimentos misteriosos e sinais de que algo sombrio pode estar escondido por trás da rotina aparentemente pacífica do lugar.

No centro da trama está Sam Cooper, interpretado por Alfred Molina, um engenheiro aposentado que se muda para a comunidade após perder a esposa recentemente. O que deveria ser um recomeço tranquilo acaba se transformando em uma investigação perigosa envolvendo fenômenos sobrenaturais e uma ameaça capaz de manipular justamente aquilo que os moradores menos possuem: tempo.

A premissa oficial da Netflix resume bem o clima da série: em uma comunidade de aposentados aparentemente comum, um grupo improvável de heróis precisa impedir uma entidade de outro mundo de roubar a única coisa que eles já não têm de sobra.

Quem criou a nova série da Netflix?

A trama foi criada por Jeffrey Addiss e Will Matthews, dupla conhecida pelo trabalho em The Dark Crystal: Age of Resistance. A proposta da série nasceu justamente da vontade dos roteiristas de explorar histórias de ficção científica através de personagens mais velhos, algo ainda pouco comum em grandes produções do gênero.

Além da dupla, a série conta com produção executiva de Matt Duffer e Ross Duffer, responsáveis pelo fenômeno Stranger Things. Os irmãos participam através da Upside Down Pictures, produtora criada após o enorme sucesso da série da Netflix.

A presença dos Duffers acabou aumentando imediatamente as comparações entre as duas produções. Mas, apesar da atmosfera sobrenatural parecida, The Boroughs aposta em um tom mais melancólico, misterioso e emocional, explorando temas ligados ao envelhecimento, solidão e passagem do tempo.

Quem está no elenco?

Um dos maiores diferenciais da série está justamente no elenco formado por atores veteranos bastante conhecidos do cinema e da televisão.

O protagonista da história é vivido por Alfred Molina, conhecido por filmes como Homem-Aranha 2 e Frida. Na série, ele interpreta Sam Cooper, um homem tentando reconstruir a própria vida depois da morte da esposa.

Outro grande nome do elenco é Alfre Woodard, que interpreta Judy Daniels, uma jornalista aposentada extremamente observadora e desconfiada dos acontecimentos ao redor da comunidade.

Denis O’Hare vive Wally Baker, um médico aposentado que enfrenta um câncer terminal enquanto tenta entender os eventos sobrenaturais do lugar. Já Clarke Peters interpreta Art Daniels, marido de Judy e um dos personagens centrais da investigação.

O elenco ainda conta com Geena Davis como Renee, uma empresária musical aposentada, além de Jena Malone, Carlos Miranda, Seth Numrich e Alice Kremelberg.

Por que a série está sendo comparada com Stranger Things?

As comparações começaram antes mesmo da estreia. Além da participação dos irmãos Duffer na produção, The Boroughs compartilha alguns elementos que lembram Stranger Things: mistério sobrenatural, ameaça invisível, grupo tentando desvendar conspirações e clima constante de tensão.

Mas a principal diferença está justamente no olhar da série sobre seus personagens. Enquanto Stranger Things acompanha adolescentes descobrindo o mundo, a série trabalha com personagens que já viveram praticamente tudo e agora enfrentam o medo do tempo acabando.

A série usa ficção científica e horror como metáforas para envelhecimento, perda e solidão. Isso dá à produção um tom muito mais emocional e reflexivo do que a maioria das séries do gênero lançadas recentemente.

Onde a série foi gravada?

As gravações começaram em setembro de 2024 e aconteceram principalmente nas cidades de Albuquerque e Santa Fé, no estado do Novo México.

Quantos episódios tem a primeira temporada?

A primeira temporada da produçãoc conta com oito episódios. A Netflix ainda não confirmou oficialmente uma segunda temporada, mas o envolvimento dos irmãos Duffer e a boa repercussão inicial já fazem muita gente acreditar que a série pode se transformar em uma nova franquia importante para o streaming.

Fim de uma era! Netflix anuncia encerramento de Emily em Paris na 6ª temporada

Depois de anos dominando as redes sociais, lançando tendências de moda e transformando Paris em cenário dos sonhos para milhões de fãs, Emily em Paris já tem data para encerrar sua trajetória. A Netflix confirmou oficialmente que a produção estrelada por Lily Collins chegará ao fim em sua sexta e última temporada, colocando ponto final em uma das séries românticas mais populares da plataforma.

A novidade foi anunciada pela própria Netflix através de um vídeo divulgado nas redes sociais com Lily Collins diretamente dos bastidores da produção. Além de confirmar o retorno da série, a atriz revelou que as gravações da temporada final já começaram na Grécia. Depois disso, a equipe seguirá para Mônaco antes de retornar para Paris, cidade que virou símbolo absoluto da produção desde sua estreia.

O anúncio rapidamente movimentou os fãs da série, principalmente porque Emily em Paris se tornou muito maior do que apenas uma comédia romântica de streaming. Entre romances intensos, conflitos profissionais, figurinos extravagantes e cenários europeus luxuosos, a produção criada por Darren Star virou um verdadeiro fenômeno global desde o lançamento, em 2020.

Como Emily em Paris virou um fenômeno da Netflix?

Quando estreou, muita gente acreditava que a série seria apenas mais uma produção romântica ambientada na Europa. Só que o contexto acabou ajudando Emily em Paris a crescer rapidamente. Em meio ao período de pandemia, o público encontrou na série uma espécie de escapismo perfeito: viagens, moda, festas, romances e uma versão extremamente idealizada da vida parisiense.

A trama acompanha Emily Cooper, uma jovem executiva de marketing de Chicago que se muda para Paris após receber uma oportunidade profissional inesperada em uma tradicional agência francesa. Lá, ela passa a enfrentar diferenças culturais, desafios no trabalho e uma rotina completamente diferente da vida que levava nos Estados Unidos.

Ao mesmo tempo em que recebia críticas por estereótipos exagerados sobre os franceses, a série também conquistava uma audiência extremamente fiel. Cafeterias mostradas nos episódios passaram a receber turistas do mundo inteiro, os figurinos usados pela protagonista começaram a viralizar nas redes sociais e diversos cenários da série viraram pontos disputados em Paris.

Quem retorna para a última temporada?

A sexta temporada reunirá praticamente todos os personagens centrais que marcaram a trajetória da série. Além de Lily Collins retornando como Emily Cooper, o elenco também contará novamente com Ashley Park no papel de Mindy, melhor amiga da protagonista e uma das personagens mais queridas pelos fãs.

Lucas Bravo segue interpretando Gabriel, personagem envolvido em alguns dos romances mais turbulentos da série, enquanto Philippine Leroy-Beaulieu retorna como Sylvie, executiva francesa que se tornou uma das figuras mais elogiadas da produção graças ao humor ácido e à personalidade sofisticada.

Também estão confirmados Samuel Arnold, Bruno Gouery, Camille Razat e Lucien Laviscount. Agora, a expectativa gira em torno de como a série pretende encerrar os relacionamentos e conflitos que acompanharam Emily ao longo das temporadas.

Por que a Netflix decidiu encerrar a série?

Mesmo continuando extremamente popular, a série já vinha dando sinais de desgaste narrativo para parte do público. Muitos fãs começaram a apontar que alguns romances e conflitos profissionais passaram a seguir estruturas repetidas entre as temporadas mais recentes.

Ao confirmar que a sexta será oficialmente a última temporada, a Netflix evita prolongar a produção além do necessário e transforma o encerramento em um grande evento para os assinantes. A estratégia segue um movimento cada vez mais comum no streaming: finalizar séries populares antes que elas percam força com o público.

Além disso, Darren Star já havia indicado anteriormente que Emily em Paris nunca foi pensada para durar indefinidamente. Desde o começo, a ideia principal da série era acompanhar a experiência temporária de Emily vivendo fora dos Estados Unidos e tentando encontrar seu espaço em uma nova cultura.

Agora, a história finalmente se aproxima de seu desfecho definitivo.

O que esperar do fim da série?

Ainda existem poucos detalhes revelados sobre a trama da sexta temporada, mas as novas locações já mostram que a série pretende apostar em um encerramento ainda mais grandioso visualmente.

As gravações na Grécia e em Mônaco devem ampliar o clima luxuoso e internacional da produção, mantendo viagens, festas sofisticadas e paisagens europeias como parte importante da narrativa.

Mesmo assim, Paris continua sendo o coração da série. Desde a estreia, diversos bairros e pontos turísticos da cidade ajudaram a construir a identidade visual da produção. Locais como a Place de l’Estrapade ficaram conhecidos mundialmente graças às cenas envolvendo o apartamento de Emily, o restaurante de Gabriel e a tradicional padaria mostrada nos episódios.

Batman: Parte 2 ganha força nos bastidores com retorno de personagens e novo logo azul do herói

A produção de Batman: Parte 2 continua avançando no Reino Unido e, aos poucos, novas informações começam a surgir diretamente dos bastidores. A mais recente envolve o diretor Matt Reeves, que voltou a movimentar as redes sociais ao confirmar o retorno de dois personagens importantes da trama e, ao mesmo tempo, alimentar a curiosidade dos fãs com uma imagem que mostra um detalhe inusitado: o novo logotipo do Batman em tom azul.

O que o novo símbolo azul do Batman pode indicar para a história?

Entre os detalhes que mais chamaram atenção recentemente está justamente a mudança visual no símbolo do herói. O morcego, tradicionalmente associado a tons escuros e pesados, aparece agora em uma versão azulada nas imagens de bastidores. Embora não haja uma explicação oficial, esse tipo de escolha costuma gerar interpretações dentro do próprio universo narrativo criado por Reeves.

Quem está de volta em Gotham depois dos eventos do primeiro filme?

Além do símbolo do Batman, outra novidade veio diretamente do próprio Matt Reeves, que confirmou o retorno de dois personagens importantes, ainda que muitas vezes subestimados na narrativa inicial. Um deles é o policial Martinez, vivido por Gil Perez-Abraham, que apareceu brevemente no primeiro longa e agora retorna em meio a uma Gotham ainda em recuperação.

Pouco depois, o diretor também confirmou o retorno de Bella Réal, interpretada por Bella Réal. A personagem, que ganhou destaque ao assumir um papel político decisivo no final do primeiro filme, volta em um momento em que a cidade ainda tenta se reorganizar após o colapso provocado pelos ataques e pelas enchentes.

Como Gotham deve se apresentar após o colapso do primeiro filme?

A cidade vista em Batman: Parte 2 deve carregar ainda mais as cicatrizes deixadas pelo passado recente. O ataque do Charada e as enchentes que devastaram Gotham não foram apenas eventos isolados, mas pontos de virada que alteraram completamente a dinâmica social do lugar.

Na prática, isso significa que a continuação deve mostrar uma Gotham tentando se reerguer, mas ainda instável, dividida e vulnerável. A presença de personagens ligados à polícia e ao governo sugere que a narrativa vai olhar com mais atenção para a reconstrução das instituições, que já estavam fragilizadas antes mesmo da tragédia.

Esse cenário reforça um dos aspectos mais marcantes da abordagem de Matt Reeves: Gotham não funciona apenas como pano de fundo, mas como um elemento ativo da história, influenciando diretamente o comportamento e as decisões de todos os personagens.

O que muda para Bruce Wayne nesta nova etapa?

No centro de tudo continua Robert Pattinson, que retorna como um Bruce Wayne ainda mais complexo emocionalmente. No primeiro filme, o personagem já havia sido apresentado como alguém distante da imagem tradicional do bilionário carismático, vivendo quase inteiramente à sombra de sua identidade como Batman.

Agora, com Gotham ainda mais destruída após os eventos anteriores, a tendência é que Bruce enfrente um tipo diferente de conflito interno. Se antes ele acreditava que poderia impor ordem através do medo, a realidade mostrada no desfecho do primeiro longa indicou o contrário: a cidade não apenas resistiu, como acabou mergulhando em um caos ainda maior.

Essa percepção abre espaço para uma evolução importante na narrativa. Em vez de apenas combater o crime nas ruas, Bruce pode começar a lidar com o impacto real de suas escolhas e com o limite da sua influência sobre uma cidade tão instável quanto Gotham.

Quando Batman 2 chega aos cinemas?

Mesmo com as novidades surgindo aos poucos, a estreia de Batman: Parte 2 ainda está distante. O longa tem lançamento previsto para 1º de outubro de 2027, o que indica que a produção ainda passará por um longo período de filmagens e pós-produção.

Sessão da Tarde (21/05) exibe O Amor Mandou Mensagem, romance com Céline Dion e encontros inesperados

A Love Again, exibido no Brasil com o título O Amor Mandou Mensagem, é o destaque da Sessão da Tarde desta quinta-feira, 21 de maio, na TV Globo. Lançado originalmente pela Sony Pictures, o longa mistura comédia romântica e drama leve para contar uma história sobre luto, acaso e conexões improváveis que nascem de uma simples troca de mensagens.

Dirigido por James C. Strouse, o filme coloca em rota de colisão duas pessoas que estão tentando reorganizar a própria vida depois de perdas emocionais profundas. De um lado, uma jovem que ainda não conseguiu lidar com a morte do noivo. Do outro, um jornalista que já não acredita muito em relacionamentos.

Como começa a história de O Amor Mandou Mensagem?

Tudo gira em torno de Mira Ray, interpretada por Priyanka Chopra Jonas, que tenta lidar com o luto de forma inusitada: ela começa a enviar mensagens para o antigo número de celular do noivo falecido. O que ela não sabe é que esse número já foi reutilizado por outra pessoa.

Do outro lado da tela está Rob Burns, vivido por Sam Heughan, um jornalista em crise pessoal e emocional que recebe essas mensagens sem entender exatamente o que está acontecendo. Aos poucos, essa troca inesperada de mensagens cria uma conexão entre duas pessoas que não se conhecem, mas compartilham feridas abertas.

Onde entra Céline Dion nessa história?

Um dos elementos mais curiosos de Love Again é a presença de Céline Dion interpretando a si mesma. No filme, ela funciona quase como uma espécie de guia emocional para o personagem de Rob, já que ele recebe a missão de escrever uma matéria sobre a cantora justamente enquanto tenta reorganizar sua visão sobre o amor.

As músicas e a presença de Céline acabam influenciando diretamente o tom da narrativa, ajudando a costurar momentos mais leves com as reflexões sobre relacionamentos e recomeços.

Como os personagens acabam se aproximando?

A partir das mensagens trocadas por engano, Rob passa a tentar descobrir quem é a mulher por trás das palavras que recebe. Esse caminho leva os dois a encontros presenciais que começam de forma despretensiosa, mas vão ganhando outra camada conforme eles percebem as semelhanças entre suas histórias.

Enquanto Mira ainda lida com o passado, Rob tenta superar um término recente e o impacto disso na sua forma de enxergar relações. O resultado é uma aproximação que nasce de um erro, mas que vai se transformando em algo mais profundo ao longo do tempo.

O que sustenta o conflito emocional do filme?

O ponto central de Love Again não está apenas no romance, mas na forma como os dois personagens lidam com perdas diferentes. Mira usa as mensagens como uma espécie de refúgio emocional, enquanto Rob tenta se afastar de qualquer envolvimento afetivo.

Quando a verdade sobre o número de telefone começa a aparecer, a relação entre eles passa por um choque de confiança, levando os dois a repensarem o que realmente construíram até aquele momento.

Como o filme foi recebido e chegou ao público?

Lançado nos cinemas em 2023, o longa chegou ao Brasil com o título O Amor Mandou Mensagem e passou por uma carreira comercial modesta, mas com boa circulação em mercados internacionais. A proposta é justamente trabalhar um romance mais leve, com foco em conexões improváveis e no papel do acaso dentro das relações modernas.

A Casa do Dragão | 3ª temporada ganha pôsteres e coloca Rhaenyra e Daemon no centro da guerra em Westeros

A terceira temporada de A Casa do Dragão ganhou novos pôsteres e voltou a movimentar o universo de Westeros antes mesmo da estreia dos novos episódios. As artes destacam nomes centrais da história, como Rhaenyra Targaryen e Daemon Targaryen, em um momento em que o clima político já não deixa muita margem para acordos e a disputa pelo Trono de Ferro começa a ficar ainda mais pesada.

Derivada de Game of Thrones, a série retorna diretamente ao coração da Dança dos Dragões, a guerra civil que coloca Targaryen contra Targaryen em lados opostos. Os novos episódios chegam em 21 de junho na HBO Max e seguem exatamente de onde a história parou, com o tabuleiro político de Westeros cada vez mais instável e difícil de prever.

O que está por trás da disputa em Westeros?

A história da série se passa cerca de 170 anos antes de Game of Thrones, quando os Targaryen ainda estão no auge do poder. Tudo gira em torno da sucessão do rei Viserys I, um ponto que parecia simples no começo, mas que acaba abrindo uma divisão profunda dentro da própria família real.

Baseada no livro Fire & Blood, de George R. R. Martin, a série acompanha como uma decisão dentro da corte vai se transformando em um conflito político e familiar que rapidamente foge do controle. A escolha de Rhaenyra como herdeira entra em choque direto com os interesses que passam a apoiar Aegon II, criando duas frentes que começam a disputar o mesmo trono.

Como essa guerra começa a sair do controle?

Depois da morte do rei Viserys, Westeros entra em um daqueles momentos em que tudo muda rápido demais para qualquer lado conseguir se organizar com calma. Em questão de pouco tempo, duas coroações diferentes acontecem, cada uma sustentando uma versão diferente da sucessão.

Rhaenyra se firma em Pedra do Dragão com seus aliados, enquanto Aegon II é coroado em Porto Real em uma movimentação política que vira o jogo da noite para o dia. A partir daí, o que era disputa de legitimidade vira guerra aberta, com alianças sendo formadas e quebradas em ritmo acelerado.

O que é a Dança dos Dragões na prática?

A Dança dos Dragões é o nome dado à guerra civil entre os Targaryen, e não tem nada de sutil. O conflito toma proporções gigantescas e coloca Westeros inteiro no meio de uma briga que começa dentro da família real.

Os dois lados, conhecidos como Pretos e Verdes, passam a travar batalhas espalhadas por diferentes regiões do continente. Com dragões entrando em combate direto, o nível de destruição cresce rápido e transforma o conflito em algo muito maior do que uma disputa pelo trono.

Como a série chegou até essa fase?

A Casa do Dragão estreou em 2022 e não demorou para se firmar como uma das produções mais fortes da HBO, justamente por revisitar o passado de Game of Thrones com um foco mais concentrado na política interna dos Targaryen.

A segunda temporada, lançada em 2024, levou o conflito para um nível mais direto, deixando claro que a guerra já não era mais uma possibilidade distante, mas algo inevitável. A terceira temporada chega exatamente nesse ponto, com o conflito já totalmente instalado.

O que os novos pôsteres indicam sobre o clima da temporada?

Os novos materiais divulgados pela HBO mostram os personagens em composições mais isoladas, quase como se cada um estivesse preso no próprio lado da guerra. Rhaenyra e Daemon aparecem como peças centrais entre os Pretos, enquanto outros personagens surgem em posições que deixam claro o peso das escolhas individuais dentro do conflito.

Essa abordagem visual conversa bastante com o momento da história, em que alianças deixam de ser sólidas e passam a depender cada vez mais de decisões pessoais, muitas vezes tomadas sob pressão.

O que vem pela frente em Westeros?

A terceira temporada de A Casa do Dragão entra em um ponto em que a guerra deixa de ser algo contido e passa a afetar diretamente todo o funcionamento de Westeros. Cada movimento político ou militar tem impacto imediato no equilíbrio de poder.

Love Kills | Thriller brasileiro chega aos cinemas com romance sombrio e vampiros na São Paulo urbana

Love Kills estreia nesta quinta-feira, 21, em circuito nacional, trazendo uma mistura que foge do óbvio dentro do cinema brasileiro de gênero. Dirigido por Luiza Shelling Tubaldini, o longa combina thriller, fantasia sombria e drama romântico em uma narrativa que aposta em desejo, violência e uma trama urbana carregada de tensão constante.

Depois de circular por festivais internacionais e ganhar destaque pela estética e pela forma como trata o romance dentro de um universo sobrenatural, o filme finalmente chega ao público brasileiro. A distribuição da O2 Play leva a produção para 42 salas no país, marcando o encerramento dessa trajetória fora do circuito comercial e o início de sua exibição regular nos cinemas.

Quem são Helena e Marcos dentro dessa história?

No centro da trama está Helena, interpretada por Thais Lago, uma vampira que atravessa séculos carregando uma relação desgastada com o mundo e com os próprios vínculos humanos. Ela não é retratada como uma figura distante ou glamourosa, mas como alguém que observa a existência com um certo peso acumulado ao longo do tempo.

Do outro lado está Marcos, vivido por Gabriel Stauffer, um garçom que leva uma vida comum até ser puxado para o universo de Helena. O encontro entre os dois não segue uma lógica romântica tradicional, já que a relação nasce marcada por instabilidade, atração e um senso constante de risco que vai se intensificando com o avanço da história.

Como São Paulo influencia o rumo da narrativa?

Em Love Kills, São Paulo não funciona apenas como cenário, mas como uma presença ativa dentro da narrativa. A cidade é apresentada em sua versão noturna, com ruas e espaços que ajudam a construir uma sensação de pressão contínua, onde tudo parece acontecer ao mesmo tempo.

À medida que Helena e Marcos se aproximam, eles acabam sendo levados para uma camada mais oculta da cidade, onde violência, drogas e relações perigosas moldam o comportamento das pessoas. Esse ambiente interfere diretamente nas decisões dos personagens e reforça a sensação de que não existe saída fácil dentro daquele universo.

O filme é inspirado em alguma obra?

Sim. O longa é baseado na graphic novel de Danilo Beyruth, que já trabalhava essa mistura entre fantasia sombria e crítica social em um ambiente urbano. A adaptação para o cinema amplia essa base, investindo mais na construção de atmosfera e no desenvolvimento emocional dos protagonistas.

Essa transição para o audiovisual reforça o contraste entre o cotidiano e o sobrenatural, deixando esses dois elementos constantemente próximos, quase como se coexistissem no mesmo espaço sem uma separação clara.

Como foi a trajetória de Love Kills antes da estreia?

Antes de chegar aos cinemas brasileiros, Love Kills percorreu um circuito internacional importante dentro do cinema de gênero. A jornada começou em 2024 no Ventana Sur, dentro da programação Blood Window, onde o projeto ganhou visibilidade e chegou a vencer o prêmio La Mayor Cine.

Depois disso, o filme foi exibido no Marché du Film, em Cannes, integrando uma seleção dedicada ao cinema de horror e fantasia da América Latina. Em seguida, passou pelo Festival de Sitges, na Espanha, um dos eventos mais relevantes do gênero no mundo, ampliando ainda mais seu alcance internacional.

A trajetória também incluiu o Festival do Rio, a Mostra Internacional de Cinema de São Paulo e o BIFFF, em Bruxelas, consolidando a presença do filme em diferentes mercados antes mesmo de sua estreia no Brasil.

Por que o filme chamou atenção fora do país?

O desempenho em festivais ajudou a colocar o projeto no radar de distribuidoras internacionais. A forma como mistura romance sombrio, estética urbana e elementos de terror foi um dos pontos que mais despertou interesse fora do Brasil.

Com isso, os direitos de exibição foram vendidos para diferentes territórios, incluindo América do Norte, Europa e partes da Ásia. Essa expansão reforça o alcance de Love Kills para além do circuito nacional, garantindo sua chegada a públicos variados.

O que diferencia Love Kills dentro do gênero?

Diferente de histórias mais tradicionais de vampiros, o filme aposta em uma abordagem mais urbana e emocional. Helena não aparece como uma criatura distante da realidade, mas como alguém inserida em um contexto social complexo, onde suas escolhas têm impacto direto no ambiente ao redor.

Marcos representa o ponto de ruptura dessa dinâmica, já que é alguém comum colocado em uma realidade que foge completamente do seu controle. A partir disso, a narrativa constrói um thriller que não depende apenas do sobrenatural, mas também das relações humanas e das consequências emocionais que surgem desse encontro.

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