Websérie “O Que Não Falamos” estreia com sucesso no YouTube e traz drama, música e segredos de uma girlband dos anos 2000

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A produtora Bera Play, reconhecida por suas séries de sucesso como Estranho Jeito de Amar e Entre Nós, lançou na última quinta-feira, 17 de julho, a tão aguardada websérie O Que Não Falamos. Com uma narrativa envolvente e inspirada pelas lendárias girlbands Rouge e Spice Girls, a série já conquistou o público ao alcançar a marca de 40 mil visualizações em apenas um episódio, reafirmando o poder da dramaturgia digital e o fascínio por histórias que mesclam música, emoção e segredos. As informações são do Sessão Cinéfila.

Uma trama que revisita o auge das girlbands com um olhar contemporâneo

O Que Não Falamos acompanha o reencontro da fictícia girlband Moulin, um grupo formado por cinco mulheres que fez sucesso no início dos anos 2000 e, após uma década afastada dos holofotes, decide voltar a se reunir. No entanto, o retorno não é apenas uma celebração do passado: ele traz à tona traumas, conflitos e sentimentos que foram mantidos em silêncio por muito tempo.

A série não apenas presta homenagem às girlbands que marcaram época, mas também aborda temas atuais, como os desafios enfrentados por mulheres em espaços de poder, a pressão da indústria da música e a importância da autenticidade e do apoio mútuo. É uma produção que dialoga com as novas gerações, ao mesmo tempo em que desperta a nostalgia daqueles que viveram a febre dos anos 2000.

Personagens complexas e um romance secreto que muda tudo

No coração da narrativa está o relacionamento oculto entre Luciana, interpretada pela talentosa Gabi Dallacosta, e Fabiana, papel de Maria Fernanda. O romance entre as duas integrantes da Moulin é um dos principais motores da trama, trazendo à tona questões sobre amor, sigilo e aceitação. Durante anos, o relacionamento foi mantido longe do público, um segredo que cria tensão tanto dentro do grupo quanto entre os fãs.

Esse arco emocional não só oferece profundidade à história, mas também contribui para um debate importante sobre representatividade LGBTQ+ na mídia. A websérie, com sensibilidade e naturalidade, mostra os impactos do segredo em cada personagem, revelando medos, angústias e a busca por liberdade para serem quem realmente são.

Além de Luciana e Fabiana, o elenco conta com Francis Helena Cozta no papel de Paloma, Gabriella Cristina como Amanda, e a ex-BBB Leidy Elin interpretando Karine. Cada uma das personagens carrega suas próprias bagagens emocionais, conflitos pessoais e sonhos, criando um mosaico rico e multifacetado de histórias.

Produção e lançamento: inovação e interação com o público

O lançamento de O Que Não Falamos é parte de uma estratégia inovadora da Bera Play, que tem se destacado no cenário digital brasileiro por criar conteúdos que exploram narrativas contemporâneas com qualidade cinematográfica. Os episódios são lançados semanalmente, sempre às quintas-feiras às 20h, no canal oficial da produtora no YouTube, o que cria uma rotina de engajamento e expectativa entre os espectadores.

Essa periodicidade ajuda a construir uma comunidade de fãs que se conecta com a série não apenas pelo conteúdo, mas também por debates e interações nas redes sociais. A produtora estimula o diálogo aberto sobre os temas abordados, criando espaços para discussões sobre diversidade, empoderamento feminino e os bastidores da indústria musical.

Música que é protagonista: EP exclusivo da banda fictícia Moulin

A música tem papel fundamental em O Que Não Falamos, não só como elemento narrativo, mas também como produto cultural. A banda Moulin ganhou vida fora da tela com o lançamento de um EP exclusivo, contendo faixas autorais que refletem o universo das personagens e a atmosfera dos anos 2000.

Disponível nas principais plataformas digitais de áudio, o EP amplia a experiência dos fãs, que podem ouvir e se conectar com as músicas apresentadas na série. Essa integração entre audiovisual e música digital representa uma tendência crescente no mercado de entretenimento, que aposta em projetos multiplataformas para fortalecer a relação com o público.

Repercussão e expectativas para a continuação da série

Desde a estreia, O Que Não Falamos tem recebido críticas positivas pelo roteiro bem construído, atuações convincentes e produção cuidadosa. A websérie combina elementos de drama, mistério e música de forma harmoniosa, capturando a atenção de diferentes públicos, desde fãs de música pop até espectadores que buscam histórias humanas e representativas.

A presença de atrizes já reconhecidas pelo público, como Gabi Dallacosta e Leidy Elin, contribui para a visibilidade da série e amplia seu alcance. Além disso, a abordagem do romance entre Luciana e Fabiana tem sido muito elogiada por trazer um olhar sensível e realista sobre a comunidade LGBTQ+, tema ainda pouco explorado com profundidade em produções digitais brasileiras.

Os próximos episódios prometem aprofundar os conflitos, revelar segredos guardados há anos e mostrar a transformação das personagens à medida que confrontam seus passados e tentam reconstruir suas vidas pessoais e profissionais.

O impacto da websérie no cenário digital brasileiro

A chegada de O Que Não Falamos ao YouTube reforça o potencial das plataformas digitais como espaços para a criação e difusão de conteúdo audiovisual de qualidade. Com produção independente e distribuição direta ao público, a websérie demonstra que é possível aliar criatividade, relevância social e entretenimento em um formato acessível.

Além disso, o projeto reafirma a importância da representatividade e da diversidade nas narrativas brasileiras, trazendo para o centro da cena personagens complexas que fogem de estereótipos e dialogam com as múltiplas realidades do país.

O sucesso inicial da série também indica uma tendência de fortalecimento da cultura pop nacional no ambiente digital, que tem se tornado cada vez mais rico e plural, com projetos que valorizam a identidade brasileira e incentivam o diálogo sobre temas contemporâneos.

Onde assistir e o que esperar

Os episódios de O Que Não Falamos são disponibilizados toda quinta-feira, às 20h, no canal oficial da Bera Play no YouTube, onde o público pode acompanhar a trama desde o começo e interagir com a produtora e os fãs.

Além da trama envolvente e das músicas que embalam a história, a série convida o público a refletir sobre a importância de enfrentar o que não foi dito, seja na vida pessoal ou coletiva. É um convite para olhar para o passado com coragem, transformar dores em aprendizado e celebrar a força das mulheres que, juntas, desafiam o silêncio.

South Park renova contrato por cinco anos e reforça sua presença global com exclusividade no Paramount+

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Após quase três décadas provocando risos e reflexões ao redor do mundo, South Park escreve mais um capítulo em sua trajetória com a renovação de contrato por cinco anos entre os co-criadores Trey Parker e Matt Stone, a Paramount Global, Park County e South Park Digital Studios. Além de garantir 50 episódios inéditos, o acordo leva toda a série — 26 temporadas que documentam uma verdadeira revolução do humor — para uma plataforma inédita: o Paramount+, que se tornará o único lugar a abrigar esse vasto universo de personagens e histórias, acompanhando a estreia da nova temporada marcada para julho.

Uma amizade que virou revolução

Trey Parker e Matt Stone não criaram apenas um desenho animado; eles construíram uma voz singular, que mistura irreverência, crítica social e uma dose pesada de ousadia. De uma parceria que começou na juventude, nasceu um universo que descontrói tabus e expõe as contradições humanas com uma honestidade brutal — e hilária.

É impressionante pensar que o que começou como uma produção artesanal, cheia de limitações técnicas e muita criatividade, hoje é um dos maiores patrimônios da cultura pop mundial. O sucesso, porém, não os acomodou. Pelo contrário: a dupla segue comprometida com a evolução da série e com seu papel de espelho da sociedade.

Humor com propósito: provocando pensamentos, não apenas risadas

O que diferencia South Park não é apenas o estilo de animação ou as piadas rápidas, mas sua capacidade incomum de abordar temas espinhosos sem perder o tom. Políticas, religião, cultura, comportamento — nenhum assunto escapa da lente crítica da série, que consegue entreter e fazer pensar ao mesmo tempo.

Essa abordagem, que pode ser desconcertante para alguns, é o que mantém a série viva e relevante para novas gerações. É um convite constante para questionar, rir e refletir, mesmo que isso signifique incomodar.

O momento de mudança: do canal para o streaming com exclusividade

O anúncio de que todo o conteúdo de South Park — incluindo o catálogo completo de 26 temporadas e os novos episódios — será exclusivo do Paramount+ representa mais que uma simples mudança de endereço digital. É um movimento estratégico que reconhece as transformações no consumo de mídia, onde o público busca acesso fácil, flexível e personalizado.

Para os fãs, isso significa ter tudo o que amam em um só lugar, pronto para maratonar, revisitar clássicos e acompanhar as novidades assim que saem do forno. Para a Paramount, é uma oportunidade de fortalecer sua plataforma e criar experiências mais ricas e interativas para os usuários.

A equipe por trás do sucesso: uma fábrica de talento e inovação

Por trás de toda essa revolução criativa, existe uma equipe dedicada e apaixonada. Além de Trey e Matt, a produção conta com executivos como Anne Garefino e Frank C. Agnone II, que ajudam a manter o ritmo e a qualidade da série. Profissionais como Eric Stough, Adrien Beard, Bruce Howell e Vernon Chatman dão vida às histórias com seu trabalho árduo e talento.

Christopher Brion, diretor criativo da South Park Digital Studios, assume o papel de guardião da identidade visual da série, garantindo que a estética simples, mas marcante, permaneça intacta e continue conectando fãs ao redor do mundo.

O impacto global de uma pequena cidade fictícia

Embora situada em uma pequena cidade do Colorado, South Park exerce uma influência global. A série é um espelho das contradições humanas, capaz de abordar temas universais que ultrapassam culturas e idiomas. O Brasil, por exemplo, tem uma legião fiel de fãs que enxergam na série não apenas humor, mas uma forma de crítica social que dialoga com a realidade local.

Um compromisso para os próximos cinco anos e além

Trey Parker e Matt Stone expressam com clareza o que a renovação significa para eles. Mais do que um contrato, é um compromisso com a equipe, os fãs e a cultura que construíram ao longo de anos.

“Continuamos animados para criar histórias que desafiam e divertem ao mesmo tempo. É uma responsabilidade que levamos a sério, pois sabemos o quanto South Park significa para as pessoas,” afirma Parker.

Stone acrescenta: “Essa série é um reflexo do mundo em que vivemos — e pretendemos continuar usando essa plataforma para provocar, debater e, claro, fazer rir.”

O futuro da série: mais do que episódios, uma experiência

O Paramount+ não será apenas um repositório para episódios; a expectativa é que o streaming ofereça novas formas de interação, conteúdos extras, bastidores e até formatos inovadores que ampliem o universo de South Park. É uma nova etapa que combina tradição e inovação.

Por que South Park é essencial até hoje?

Saber envelhecer com graça — e relevância — é uma arte, e South Park a domina com maestria. A série nunca teve medo de se reinventar, de abraçar o novo sem perder sua identidade.

Enquanto outras produções desaparecem ou se tornam datadas, South Park segue firme porque faz o que poucos conseguem: ser um termômetro cultural, refletindo nossos tempos com sinceridade, coragem e humor.

Com cinco novos anos de histórias garantidas e uma presença digital robusta, South Park se consolida como um fenômeno que transcende entretenimento, transformando-se em parte da conversa cultural global.

Para Trey, Matt e toda a equipe, o desafio é claro: continuar surpreendendo, provocando e entretendo um público cada vez mais diverso e exigente — tudo isso sem perder a essência que conquistou o mundo.

HBO Max divulga trailer de Dona Beja e aposta em uma superprodução que resgata o Brasil colonial com olhar contemporâneo

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A HBO Max divulgou na última terça, 25, o primeiro trailer de Dona Beja, novela original que será lançada em 2 de fevereiro e que desponta como uma das produções mais ambiciosas já desenvolvidas pela plataforma no Brasil. O material promocional apresenta parte da escala da obra, que combina investimento robusto, preocupação estética e um olhar contemporâneo para a reconstrução do passado.

Com fotografia sofisticada, pesquisa histórica evidente e uma abordagem narrativa que dialoga com o público atual, o trailer antecipa uma releitura de Ana Jacinta de São José, figura central do folclore e da memória cultural brasileira. A prévia reacende o interesse em torno de uma das personagens mais emblemáticas da ficção nacional, ao mesmo tempo em que destaca a força dramática da protagonista e seu impacto simbólico no imaginário coletivo.

Ambientada no início do século XIX, a produção propõe uma viagem a um Brasil em plena transição, marcado por desigualdades sociais, disputas de poder e tensões políticas que moldavam o cotidiano da época. Nesse cenário, a trajetória de Ana Jacinta surge como um retrato de resistência e ruptura, evidenciando o papel de uma mulher que desafiou as convenções de sua sociedade e transformou-se em lenda.

Uma releitura que preserva o legado e amplia o debate contemporâneo

Inspirada na clássica novela exibida pela Rede Manchete em 1986, Dona Beja retorna ao público em um contexto completamente diferente. A nova adaptação, assinada pela Floresta, busca honrar a força da produção original ao mesmo tempo em que amplia discussões atuais sobre autonomia feminina, poder político e tensões sociais ainda presentes no país.

O argumento é de Renata Jhin, com adaptação de António Barreira e Daniel Berlinsky. A produção conta ainda com colaboração de Maria Clara Mattos, Cecília Giannetti, Clara Anastácia e Ceci Alves, que imprimem à narrativa uma perspectiva contemporânea sem abrir mão da densidade histórica. A direção artística é conduzida por Hugo de Sousa, acompanhado por Bia Coelho, Rogério Sagui e João Bolthauser.

Grazi Massafera assume o papel de Beja, interpretando-a com uma combinação de fragilidade, magnetismo e força. David Junior dá vida a Antônio, seu grande amor e também o centro das maiores tensões emocionais da trama. O elenco conta ainda com nomes como André Luiz Miranda, Bianca Bin, Indira Nascimento, Erika Januza, Deborah Evelyn, Otávio Muller e Isabela Garcia.

A relevância histórica de Ana Jacinta para a nova geração

A personagem que inspira a novela não é apenas um mito da teledramaturgia, mas uma figura histórica real, nascida em 1800 em Minas Gerais. Ana Jacinta de São José, cuja vida foi marcada por violência, resistência e ascensão social, tornou-se símbolo de coragem e independência em um contexto onde mulheres tinham pouco espaço para exercer sua autonomia.

A HBO Max aposta na força dessa trajetória para dialogar com temas contemporâneos ligados à emancipação feminina e à reinterpretação da memória nacional. A própria condução do trailer ressalta o poder narrativo de uma história centrada no olhar da protagonista, destacando seus embates com homens influentes, sua inteligência estratégica e sua capacidade de subverter estruturas sociais.

O enredo: amor, poder e sobrevivência no interior de Minas Gerais

Ambientada em 1815, a trama acompanha a juventude de Beja em Araxá, onde ela é apresentada como uma jovem de personalidade marcante e beleza incomum. A narrativa sofre sua primeira grande ruptura quando a protagonista é sequestrada pelo próprio avô, José Alves, interpretado por Roberto Bomtempo. O acontecimento, traumático e violento, define grande parte de sua trajetória e separa Beja de seu amor de juventude, Antônio.

Manipulado pela mãe, Ceci, vivida por Deborah Evelyn, Antônio cresce acreditando ter sido abandonado por Beja. Ao retornar ao Brasil, ele se casa com Angélica, papel de Bianca Bin, em uma união construída sobre culpa, traição emocional e a força das convenções sociais da época.

Enquanto isso, Beja passa anos sob domínio do avô, mas gradualmente conquista liberdade e espaço entre a elite mineira. Inteligente e carismática, ela se torna uma mulher influente, negociando joias, adquirindo terras e construindo um império pessoal em um ambiente dominado por homens. Ao retornar a Araxá, confronta uma cidade que a vê com fascínio e ressentimento, tornando-se alvo de intrigas e disputas políticas.

A tensão com Antônio cresce à medida que ambos se reencontram. Dividido entre o amor antigo e o casamento estabelecido, ele dinamiza a trama com conflitos emocionais intensos. Diante da rejeição e da hipocrisia social, Beja toma uma decisão ousada: abrir um bordel de luxo. A casa rapidamente se transforma em reduto de poder, escândalo e influência, provocando reações extremas entre as famílias tradicionais.

As mulheres em disputa: redes de poder e resistência

A presença de Beja em Araxá reorganiza afetos, alianças e disputas. Ceci, mãe de Antônio, torna-se sua principal adversária e mobiliza uma rede de mulheres influentes para tentar destruir sua reputação. Idalina e Genoveva, interpretada por Isabela Garcia, estão entre as aliadas de Ceci, assim como Augusta, vivida por Kelzy Ecard, esposa do juiz Honorato Costa Pinto, papel de Otávio Muller.

Essas personagens representam a complexa teia social da época, marcada por rivalidades pessoais, ambições políticas e tensões morais que moldam boa parte da narrativa.

Paralelamente, a novela aborda dramas familiares que ampliam o painel social de Araxá. Entre eles, a história de Carminha, interpretada por Catharina Caiado, filha do juiz, que retorna grávida da Corte e é forçada a oficializar um casamento com o professor Gaudêncio, sem que ele tenha conhecimento da verdadeira paternidade da criança. O núcleo adiciona nuances importantes sobre moralidade, repressão e o peso das expectativas sobre as mulheres.

Outra frente essencial da trama é a trajetória de Josefa, interpretada por Thalma de Freitas, que vive um casamento infeliz com José Carneiro, papel de Luciano Quirino. Ainda presa às memórias do amor de juventude, representado por Avelino (Lucas Wickhaus), Josefa passa a enfrentar dilemas que abalam sua estrutura emocional e reverberam em toda a cidade.

Jumanji – Bem-Vindo à Selva invade a Temperatura Máxima deste domingo (13)

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Se você é fã de filmes que misturam ação eletrizante, boas risadas e personagens improváveis, anote na agenda: o filme da Temperatura Máxima deste domingo, dia 13 de julho de 2025, é Jumanji: Bem-Vindo à Selva — um sucesso absoluto de bilheteria e um reboot cheio de energia de um clássico dos anos 90.

A trama: adolescentes dentro do videogame

Na trama, quatro adolescentes descobrem um antigo videogame e, ao ligarem o console, são literalmente transportados para dentro da selva de Jumanji, assumindo os corpos de avatares que não têm nada a ver com suas personalidades reais. Para escaparem desse universo selvagem, precisarão completar uma missão cheia de armadilhas, animais perigosos e vilões — tudo com muitas reviravoltas e bom humor.

Elenco de peso e personagens inesquecíveis

O elenco é um dos pontos altos da produção, reunindo nomes de peso em papéis inusitados e divertidos. Dwayne Johnson (Velozes & Furiosos, Adão Negro, Moana) interpreta o avatar de Spencer, um nerd que se vê preso no corpo de um herói musculoso. Jack Black (Escola de Rock, Kung Fu Panda, O Amor é Cego) dá um show como a versão masculina de uma adolescente popular — e sim, está hilário. Kevin Hart (Policial em Apuros, Central de Inteligência, Opa! Cadê o Noé?) vive um avatar impaciente e cheio de tiradas cômicas. Karen Gillan (Guardiões da Galáxia, Doctor Who, Nebulosa no MCU) é a destemida Ruby Roundhouse, que une dança, luta e um charme geek irresistível.

Completam o elenco Rhys Darby (Flight of the Conchords, What We Do in the Shadows), como o guia excêntrico do jogo, com seu humor nonsense e sotaque inconfundível; Alex Wolff (Hereditário, O Sol Também é uma Estrela), como o verdadeiro Spencer no mundo real; e Nick Jonas (Camp Rock, Scream Queens, Jonas Brothers), que surge como um jogador perdido — e peça-chave para o desfecho da trama.

Onde assistir: TV Globo e streaming

Se você quiser rever o filme depois da exibição na Globo ou continuar a maratona, Jumanji: Bem-Vindo à Selva também está disponível nas plataformas digitais. Ele pode ser assistido na Netflix, para quem é assinante, ou alugado no Prime Video, com preços a partir de R$ 11,90. Seja na TV ou no streaming, a selva de Jumanji promete uma aventura eletrizante para a sua tarde de domingo.

Mistério no milharal e crise de fé! “Sinais” leva suspense e reflexão à Sessão de Sábado da Globo de hoje (24)

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A Sessão de Sábado da TV Globo deste 24 de janeiro aposta em um suspense que marcou o início dos anos 2000 e até hoje provoca debates, interpretações e arrepios. O filme escolhido é “Sinais”, obra escrita e dirigida por M. Night Shyamalan, lançada em 2002, que mistura drama, ficção científica e suspense psicológico em uma narrativa silenciosa, inquietante e profundamente humana.

Mais do que um filme sobre possíveis invasões extraterrestres, Sinais é uma história sobre fé, perda e reconstrução. Ambientado longe das grandes cidades e dos clichês explosivos do gênero, o longa encontra sua força justamente no cotidiano simples de uma família que vive em uma fazenda no interior da Pensilvânia, cercada por milharais que se tornam palco de um mistério impossível de ignorar.

A trama acompanha Graham Hess, interpretado por Mel Gibson, um ex pastor episcopal que abandonou a fé após a morte trágica de sua esposa. Ela foi atropelada por um motorista que dormiu ao volante, evento que destruiu a estrutura emocional e espiritual da família. Desde então, Graham vive em estado de luto constante, tentando seguir em frente sem respostas e sem crenças que antes guiavam sua vida.

Ao seu lado estão os filhos Morgan, um garoto asmático sensível e observador, vivido por Rory Culkin, e Bo, a pequena e enigmática personagem de Abigail Breslin, que se destaca por seu hábito peculiar de espalhar copos de água pela casa, sempre dizendo que a água está “contaminada” ou “estranha”. Completa o núcleo familiar Merrill Hess, irmão de Graham, interpretado por Joaquin Phoenix, um ex jogador de beisebol que abriu mão de sua carreira para ajudar o irmão a cuidar das crianças.

A rotina aparentemente tranquila da família é quebrada quando imensos círculos começam a surgir misteriosamente no milharal da fazenda. A princípio tratados como vandalismo ou brincadeira de mau gosto, os desenhos geométricos logo passam a ser vistos em diferentes partes do mundo, levantando teorias sobre sua origem. Aos poucos, Graham começa a considerar algo que desafia não apenas a lógica, mas também sua descrença. A possibilidade de vida extraterrestre.

Shyamalan conduz essa descoberta de forma contida, quase minimalista. Não há pressa em mostrar criaturas ou respostas claras. O medo nasce do silêncio, dos sons fora de quadro, dos noticiários de televisão ligados ao fundo e das reações dos personagens diante do desconhecido. O espectador compartilha da angústia da família, sentindo que algo está errado mesmo quando nada é mostrado diretamente.

Um dos grandes méritos de Sinais está justamente nessa construção atmosférica. O filme utiliza a casa, os corredores escuros e o milharal como extensões do estado emocional dos personagens. O medo não vem apenas do que pode estar lá fora, mas também do que cada um carrega por dentro. Para Graham, a ameaça externa acaba se misturando com a crise de fé que ele se recusa a enfrentar.

A relação entre os irmãos é outro ponto forte da narrativa. Merrill, apesar de carregar suas próprias frustrações por não ter seguido carreira no esporte, é quem mantém certo equilíbrio emocional na casa. Ele acredita, protege e age quando necessário, mesmo sem entender completamente o que está acontecendo. Joaquin Phoenix entrega uma atuação sensível, humana e discreta, que equilibra tensão e afeto.

O filme também marcou o início da carreira de Abigail Breslin, que ainda criança demonstra uma presença magnética em cena. Sua personagem, aparentemente ingênua, acaba sendo essencial para o desenrolar da história, mostrando como pequenos detalhes, muitas vezes ignorados, podem ter grande significado.

Produzido com um orçamento de aproximadamente 72 milhões de dólares, Sinais foi um forte sucesso comercial, arrecadando valores expressivos nas bilheteiras mundiais. Apesar disso, sua recepção crítica foi mista na época do lançamento. Muitos elogiaram a atmosfera, o suspense e a abordagem emocional, enquanto outros apontaram fragilidades no roteiro e em algumas escolhas narrativas. Com o passar dos anos, no entanto, o filme ganhou status cult e passou a ser reavaliado com mais generosidade.

Curiosamente, o próprio processo de produção revela o cuidado de Shyamalan com a narrativa. O diretor escreveu o roteiro inicialmente pensando em um protagonista mais velho. Após a contratação de Mel Gibson, ele ajustou a história para adequar a idade e o perfil do ator ao personagem. Outro detalhe curioso é que diversos campos de milho foram plantados em épocas diferentes, justamente para criar a impressão de passagem do tempo e mudança de estações ao longo do filme.

Antes das filmagens, o papel de Merrill Hess seria interpretado por Mark Ruffalo, mas problemas de saúde impediram sua participação, abrindo espaço para Joaquin Phoenix assumir o personagem. O resultado acabou sendo um dos papéis mais lembrados da carreira do ator naquela época.

Mais do que responder se estamos ou não sozinhos no universo, Sinais propõe uma reflexão sobre coincidências, escolhas e crenças. O roteiro sugere que eventos aparentemente aleatórios podem ter um propósito maior, dependendo do olhar de quem os observa. É essa camada filosófica que transforma o filme em algo maior do que um simples suspense sobre alienígenas.

Crítica – Mickey 17 é uma ficção científica visionária que une ação, suspense e crítica social

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Dirigido pelo premiado Bong Joon Ho, o cineasta sul-coreano que conquistou o Oscar com Parasita, Mickey 17 promete ser um dos grandes lançamentos da ficção científica em 2025. Adaptado do livro Mickey7, de Edward Ashton, o filme mergulha em um futuro distópico onde avanços tecnológicos e dilemas éticos se entrelaçam de maneira instigante.

A trama acompanha Mickey, interpretado por Robert Pattinson, um explorador espacial enviado em uma missão para colonizar um novo planeta. Ele se voluntaria para a função de “descartável”, um tripulante cujo corpo pode ser substituído indefinidamente sempre que morre. Sua consciência é transferida para um novo clone, permitindo que ele enfrente condições extremas e sirva como experimento para testar a viabilidade da colonização. No entanto, à medida que Mickey passa por múltiplas mortes e ressurreições, ele começa a questionar sua própria identidade, o propósito de sua existência e os limites da exploração humana.

Com um olhar afiado para questões sociais, Bong Joon Ho utiliza a ficção científica como pano de fundo para discutir desigualdade, exploração e o impacto da tecnologia na vida humana. A direção do cineasta equilibra ação, suspense e reflexões filosóficas, criando uma narrativa envolvente e cheia de tensão. A cinematografia, com um design futurista e uma estética fria e imponente, reforça a sensação de isolamento e vulnerabilidade enfrentada pelo protagonista.

Robert Pattinson entrega mais uma performance intensa, explorando as camadas psicológicas de Mickey com nuances que vão do cansaço existencial à rebeldia silenciosa. O elenco também conta com nomes de peso, incluindo Steven Yeun, Naomi Ackie, Toni Collette e Mark Ruffalo, cada um contribuindo para a atmosfera densa e intrigante do filme.

O roteiro mantém um ritmo ágil e dinâmico, evitando excessos e conduzindo o público por uma jornada repleta de reviravoltas. Embora algumas questões filosóficas pudessem ser exploradas com mais profundidade, a obra acerta ao equilibrar momentos de tensão com doses pontuais de humor, tornando a experiência acessível sem perder sua carga reflexiva.

Com uma temática provocativa e uma direção impecável, Mickey 17 se posiciona como um dos grandes títulos do gênero em 2025. Mais do que uma ficção científica eletrizante, o filme é um convite para refletir sobre os limites da tecnologia, a natureza da consciência e o preço da exploração desenfreada.

Kysha e Mine estreiam turnê 2026 com show histórico no Espaço Hall, no Rio de Janeiro

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O público jovem tem um encontro marcado com a emoção no próximo dia 16 de novembro, quando Kysha e Mine sobem ao palco do Espaço Hall, no Rio de Janeiro, para viver um dos momentos mais importantes da carreira. A dupla, que conquistou uma geração com hits cheios de energia e mensagens positivas, grava o primeiro audiovisual ao vivo e dá início à aguardada turnê 2026, que passará pelas principais capitais do país.

Com o nome simbólico Kysha e Mine – Best Friends Forever, o espetáculo comemora a trajetória das duas amigas que transformaram a cumplicidade e o amor pela música em sucesso. O show promete ser uma verdadeira festa, reunindo cerca de 5 mil fãs — e a empolgação é tanta que mais da metade dos ingressos já está esgotada.

Um show que marca o início de uma nova fase

Conhecidas pela espontaneidade e pela conexão genuína com o público infantojuvenil, que vai dos 7 aos 15 anos, Kysha e Mine chegam ao palco acompanhadas, pela primeira vez, de banda ao vivo. O novo formato promete surpreender os fãs com arranjos inéditos, coreografias vibrantes e um repertório que mistura grandes sucessos, músicas do EP Não Pare o Som, trilhas da série Lance de Escola e faixas inéditas criadas especialmente para o projeto.

Participações especiais e muita nostalgia

O espetáculo contará com participações de nomes que já fizeram parte da história da dupla, como MC Divertida, do hit TIK TAKA — que já ultrapassou 100 milhões de visualizações — e Belinha, parceira em Oxe Boy, Oxe Boyzinha. Outras surpresas ainda estão sendo mantidas em segredo, mas prometem emocionar quem acompanha a trajetória das meninas desde o início.

Muito além da música

Além da experiência musical, o público poderá aproveitar a lojinha oficial de Kysha e Mine, que estará montada no Espaço Hall com produtos exclusivos, como bonés, camisetas e cadernos personalizados. Tudo foi pensado para transformar o evento em uma celebração completa, divertida e acolhedora — perfeita para toda a família.

Bastidores de uma superprodução

Com direção musical dos renomados Umberto Tavares e Jefferson Júnior, o show aposta em uma sonoridade moderna e dançante. Já a parte visual está nas mãos de Victor Frad e Danilo Kundera, com Tatiana Nascimento e Igor Dias, da Casa Saturno, à frente da direção geral. O resultado promete unir o melhor da tecnologia com a sensibilidade artística que sempre marcou o trabalho de Kysha e Mine.

Sessão da Tarde desta segunda (03) traz história de superação e talento em Mãos Talentosas – A História de Ben Carson

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Nesta segunda, 3 de novembro, a Sessão da Tarde da Globo traz aos telespectadores uma história de superação que inspira gerações: Mãos Talentosas – A História de Ben Carson. O filme retrata a vida do neurocirurgião que saiu de uma infância marcada por dificuldades e limitações acadêmicas para se tornar referência mundial em sua área, mostrando como determinação, disciplina e apoio familiar podem transformar vidas. As informações são do AdoroCinema.

Ben Carson, interpretado por Cuba Gooding Jr., nasceu em Detroit e cresceu em meio a dificuldades financeiras. Na escola, suas notas eram baixas, e ele mesmo não acreditava no próprio potencial. Para quem o conhecia, o futuro parecia limitado, sem grandes perspectivas. Mas o que Ben não sabia era que sua vida mudaria completamente graças à força de vontade de sua mãe, Sonya Carson, e à própria determinação de superar obstáculos.

Sonya, interpretada por Kimberly Elise, era uma mãe solteira com pouco estudo formal, mas cheia de coragem e amor pelos filhos. Ela implementou regras rígidas, incentivou a leitura e o estudo, e, de forma silenciosa, ajudou Ben e seu irmão Curtis a acreditarem que poderiam ir além do que a sociedade esperava deles. Mesmo sem revelar que não sabia ler bem, Sonya pediu que os filhos escrevessem resenhas de livros que liam, estimulando a disciplina e o pensamento crítico.

Em pouco tempo, os resultados começaram a aparecer: Ben saiu do último lugar da turma para se tornar um dos melhores alunos. Esse marco não só mudou sua vida, mas também mostrou que dedicação e incentivo familiar podem abrir portas inesperadas, mesmo nas circunstâncias mais difíceis.

Obstáculos, fé e amadurecimento

O filme também não esconde os momentos de desafio emocional na vida do jovem Ben. Entre confrontos com colegas na escola e episódios de temperamento explosivo, ele precisou aprender a lidar com raiva e frustrações. Sua fé adventista do sétimo dia se tornou uma âncora, ajudando-o a refletir sobre seus atos e a encontrar um caminho de perdão e equilíbrio.

Mais tarde, Ben conquista uma bolsa de estudos para a Universidade de Yale, onde conhece Candy Rustin, sua futura esposa, que se torna parceira fundamental em sua trajetória pessoal e acadêmica. O filme mostra não apenas sua formação como médico, mas também os desafios éticos e emocionais que enfrentou como residente em neurocirurgia no Hospital Johns Hopkins.

Entre os momentos de maior tensão está a decisão de operar um paciente à beira da morte sem supervisão, assumindo riscos enormes para salvar uma vida. Essas cenas reforçam o comprometimento de Ben com sua vocação e a coragem necessária para seguir um caminho pouco convencional, mas fundamental para o bem de seus pacientes.

Um feito histórico

O ponto alto da narrativa ocorre em 1987, quando Ben Carson viaja para Ulm, na Alemanha, para realizar um procedimento arriscado: a separação de gêmeos siameses unidos pela cabeça. O filme acompanha cada etapa do planejamento meticuloso, mostrando não apenas a habilidade técnica do médico, mas também a tensão emocional envolvida em uma operação de vinte e duas horas.

O sucesso da cirurgia não só salva a vida das crianças, mas também consolida Ben Carson como referência mundial na neurocirurgia pediátrica. É um momento que celebra o talento, a dedicação e a coragem de quem transformou adversidade em excelência.

Reconhecimento e premiações

O longa-metragem estreou em 2009 na televisão e conquistou elogios da crítica. Cuba Gooding Jr. recebeu indicação ao Screen Actors Guild Awards de Melhor Ator em Minissérie ou Telefilme, enquanto Thomas Carter, diretor do longa, foi indicado ao prêmio Directors Guild of America. O filme também ganhou reconhecimento em outras premiações, incluindo o Critics’ Choice Television Awards e quatro indicações ao Creative Arts Emmy Awards.

Mais do que os prêmios, o filme é lembrado pelo impacto emocional de sua história, inspirando públicos de todas as idades e mostrando que, por trás de grandes feitos, sempre há disciplina, coragem e apoio familiar.

Onde assistir

Além da exibição na Sessão da Tarde, Mãos Talentosas – A História de Ben Carson pode ser assistido a qualquer momento em plataformas de streaming. No Sony One, o filme está disponível por assinatura, permitindo que você reveja a história inspiradora sempre que quiser. Já no Prime Video, é possível alugá-lo a partir de R$ 11,90, oferecendo uma opção prática para quem deseja acompanhar a trajetória de Ben Carson do conforto de casa.

Na “Sessão da Tarde” desta terça (22/07), TV Globo exibe o filme Dolittle, estrelado por Robert Downey Jr.

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Esdras Ribeiro
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Foto: Reprodução/ Internet

Em tempos de telas aceleradas, algoritmos que moldam gostos e narrativas que competem por atenção, ainda há espaço para histórias que aquecem o coração de todas as idades. É nesse espírito que a TV Globo reapresenta nesta terça-feira, 22 de julho de 2025, na tradicional Sessão da Tarde, o filme “Dolittle”, estrelado por Robert Downey Jr. — uma jornada visualmente encantadora sobre escuta, cura e reconexão com o mundo.

Um clássico repaginado para encantar novas gerações

Lançado em 2020, o longa é uma nova leitura das aventuras do Dr. Dolittle, personagem criado pelo autor britânico Hugh Lofting em 1920. A história atravessou gerações, mas foi repaginada para dialogar com os tempos atuais — não apenas por seus efeitos modernos e trilha sonora envolvente, mas também por trazer mensagens sensíveis sobre luto, empatia e amizade verdadeira.

Nesta versão, conhecemos um Dr. John Dolittle recluso, ainda marcado pela morte da esposa, vivendo isolado em sua mansão ao lado de animais exóticos que são, literalmente, seus únicos interlocutores. O dom de falar com os bichos o tornou uma lenda, mas também um homem desconectado dos humanos — até que a doença misteriosa da Rainha Vitória o obriga a sair da toca.

Uma missão que é também um reencontro consigo mesmo

O chamado da Rainha chega por meio da jovem Lady Rose, que convence Dolittle a embarcar em uma jornada para encontrar uma fruta lendária capaz de curá-la. Mas a missão, claro, vai além da busca por um antídoto: trata-se também da busca pela cura interior do próprio médico.

A aventura leva Dolittle e seus fiéis companheiros pelos oceanos, florestas e ilhas encantadas. Cada etapa é uma metáfora das emoções que ele precisa enfrentar: medo, raiva, negação, saudade. E cada animal ao seu lado simboliza partes de sua psique — do gorila ansioso à arara sensata, passando por um urso-polar medroso e um avestruz pessimista. Juntos, formam um retrato emocional e divertido da alma humana.

Um elenco completo

Robert Downey Jr., mundialmente conhecido por interpretar o Homem de Ferro, mergulha aqui em um personagem completamente diferente. Sua performance sensível, com trejeitos teatrais e sotaque excêntrico, dividiu opiniões, mas é inegavelmente corajosa.

Ao seu redor, um elenco digno de tirar o chapéu: Antonio Banderas (A Máscara do Zorro, A Pele que Habito) interpreta o Rei Rassouli, Michael Sheen (Frost/Nixon, The Queen) vive o vilão Dr. Müdfly, e Harry Collett (Dunkirk) traz frescor e carisma como o jovem aprendiz Tommy Stubbins. A presença de Jessie Buckley (Estou Pensando em Acabar com Tudo, Wild Rose), Jim Broadbent (As Horas, Harry Potter e o Enigma do Príncipe) e Kasia Smutniak (Lembranças de um Amor Eterno, Perfect Strangers) complementa o time com elegância.

Na dublagem original, o show é dos astros: Emma Thompson (Razão e Sensibilidade, Nanny McPhee), Rami Malek (Bohemian Rhapsody, Mr. Robot), John Cena (O Esquadrão Suicida, Velozes & Furiosos 9), Octavia Spencer (Histórias Cruzadas, Ma), Tom Holland (Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa, O Diabo de Cada Dia), Selena Gomez (Os Feiticeiros de Waverly Place, Only Murders in the Building), Craig Robinson (The Office, É o Fim), Marion Cotillard (Piaf – Um Hino ao Amor, A Origem), Ralph Fiennes (O Paciente Inglês, O Grande Hotel Budapeste) e Jason Mantzoukas (Brooklyn Nine-Nine, Big Mouth) dão voz aos animais com humor e personalidade.

Dublagem brasileira

A versão exibida pela Globo, dublada em português, mantém a excelência com vozes consagradas como Guilherme Briggs, Alexandre Moreno, Marco Ribeiro, Marize Motta, entre outros. A tradução criativa, com adaptações culturais bem aplicadas, torna o humor mais acessível e o conteúdo ainda mais envolvente para o público brasileiro.

A dublagem nacional — há décadas aclamada por fãs de animações e blockbusters — transforma Dolittle em um verdadeiro presente para as famílias que acompanham a Sessão da Tarde.

Bastidores do longa

Dirigido por Stephen Gaghan, conhecido por dramas sérios como Traffic, o filme foi um desafio à parte. Filmado em locações do Reino Unido, como o Great Windsor Park e as montanhas do norte do País de Gales, a produção mescla cenários reais e efeitos digitais de ponta para criar um universo mágico.

Com um orçamento estimado em 175 milhões de dólares, Dolittle enfrentou atrasos, refilmagens e reestruturação de roteiro durante a pós-produção. As críticas na estreia foram mistas, mas a resposta do público — especialmente famílias — garantiu ao filme uma bilheteria mundial superior a 250 milhões de dólares.

Sessão da Tarde: o ritual de gerações

A escolha da Globo por exibir o clássico repaginado na Sessão da Tarde não é aleatória. O espaço, que há mais de 50 anos exibe filmes que formam memórias afetivas em milhões de brasileiros, mantém sua relevância justamente por unir diferentes gerações.

Pais que cresceram assistindo aos filmes de Eddie Murphy como Dr. Dolittle nos anos 90 agora se sentam ao lado dos filhos para ver a nova versão. Avós que liam as fábulas originais reconhecem na ambientação vitoriana um pedaço de seu imaginário. Crianças de hoje se encantam com um cinema que ainda acredita no poder da fantasia.

O legado de Dolittle

Apesar das críticas iniciais, Dolittle conquistou seu espaço como uma obra que não precisa ser perfeita para ser significativa. Sua mensagem — de que ouvir o outro pode ser o primeiro passo para curar a si mesmo — reverbera em um mundo onde a escuta se tornou rara.

O filme continua sendo exibido em plataformas de streaming e nas grades de canais abertos, provando que seu apelo familiar e sua estética encantadora seguem conquistando novos públicos.

O que assistir nos cinemas neste final de semana (16 a 18 de janeiro)? Confira dicas imperdíveis para todos os gostos

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Esdras Ribeiro
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Escolher o que assistir no cinema pode ser tão empolgante quanto o próprio filme. Entre estreias aguardadas e produções que prometem provocar sensações fortes, este final de semana (16 a 18 de janeiro de 2026) chega com opções que dialogam com diferentes emoções: o suspense psicológico que se infiltra lentamente, o terror pós-apocalíptico que confronta nossos instintos mais primitivos e um drama sensível que transforma luto em arte.

Suspense psicológico costuma funcionar melhor quando não depende apenas de reviravoltas, mas da tensão constante, daquele incômodo que cresce em silêncio. A Empregada, dirigido por Paul Feig, entende isso com precisão. Conhecido por sua carreira ligada à comédia, o diretor surpreende ao conduzir uma narrativa sombria, sufocante e profundamente humana, adaptada do best-seller de Freida McFadden, com roteiro de Rebecca Sonnenshine.

A história gira em torno de Millie Calloway, interpretada por Sydney Sweeney, uma mulher marcada por um passado que insiste em defini-la. Ex-presidiária em liberdade condicional, Millie tenta reconstruir a própria vida, mas se vê constantemente rejeitada em entrevistas de emprego assim que seu histórico vem à tona. O filme acerta ao retratar essa exclusão social sem didatismo, mostrando como a culpa passada se torna uma prisão invisível.

A virada acontece quando Millie conhece Nina Winchester, papel de Amanda Seyfried. Elegante, rica e aparentemente segura de si, Nina oferece o emprego sem questionamentos, como se o passado de Millie fosse irrelevante. A proposta soa generosa demais para ser verdadeira, e o filme faz questão de deixar isso claro desde os primeiros momentos.

Ao se mudar para a casa dos Winchester, Millie conhece Andrew, o marido de Nina, vivido por Brandon Sklenar, e a filha do casal. O convite para morar na residência parece um gesto de confiança, mas logo revela sua face cruel: Millie é instalada em um quarto minúsculo e abafado no sótão, isolada do restante da casa. O espaço físico se transforma em metáfora da posição que ela ocupa naquela dinâmica familiar.

Com o passar dos dias, o comportamento de Nina se torna cada vez mais perturbador. Explosões de humor, manipulações sutis e humilhações constantes fazem com que Millie caminhe sobre uma linha tênue entre gratidão e medo. Nina passa a sujar propositalmente os cômodos da casa, criando situações de abuso psicológico que corroem lentamente a protagonista. Nesse ambiente opressivo, Millie acaba se aproximando de Andrew, e uma atração mútua surge, empurrando todos para um triângulo emocionalmente explosivo.

A entrada de Enzo Accardi, o jardineiro italiano interpretado por Michele Morrone, adiciona mais camadas de mistério e ameaça. A Empregada não se contenta em ser apenas um thriller de segredos; o filme discute poder, controle, desejo e o preço da aparente segurança. É um suspense que cresce no olhar, nos silêncios e na sensação de que, naquela casa, ninguém é realmente inocente.

Se o terror sempre foi um espelho dos medos coletivos, Extermínio: O Templo dos Ossos atualiza esse reflexo para um mundo que já se acostumou à ideia de colapso. Quase trinta anos após o vírus da Raiva escapar de um laboratório de armas biológicas, o planeta apresentado no filme não é apenas devastado, mas profundamente transformado.

A trama acompanha um grupo de sobreviventes que vive em uma pequena ilha, conectada ao continente por uma única ponte fortemente vigiada. Esse detalhe simples concentra toda a tensão do filme: a ponte é, ao mesmo tempo, proteção e ameaça. Quando um dos membros do grupo decide atravessá-la em uma missão arriscada, o longa se expande para um território ainda mais sombrio, revelando não só a evolução dos infectados, mas também as distorções morais dos próprios humanos.

O filme vai além do horror explícito ao abordar a sobrevivência a longo prazo. Não se trata apenas de escapar da morte, mas de entender o que resta da humanidade quando as regras sociais deixam de existir. Comunidades se reorganizam, a violência se normaliza e a esperança se torna um recurso raro.

Visualmente, Extermínio: O Templo dos Ossos é uma experiência inquietante. Danny Boyle e o diretor de fotografia Anthony Dod Mantle optaram por gravar grande parte das cenas com iPhones 15 Pro Max, utilizando múltiplos aparelhos simultaneamente. O resultado é uma estética crua, quase documental, que coloca o espectador dentro do caos. A escolha dialoga com o espírito do filme original e reforça a ideia de que, em um mundo em colapso, qualquer ferramenta pode se tornar um meio de registro — ou sobrevivência.

Encerrando o passeio cinematográfico do final de semana, Hamnet: A Vida Antes de Hamlet oferece uma experiência completamente diferente. Em vez de tensão e violência, o filme aposta na delicadeza, no silêncio e na contemplação. Inspirado no romance de Maggie O’Farrell, o longa imagina a vida de William Shakespeare e de sua esposa Agnes após a morte do filho de 11 anos, Hamnet.

Dirigido por Chloé Zhao, que assina o roteiro ao lado da autora do livro, o filme se afasta da figura mítica do escritor para apresentar um homem comum, atravessado pela dor. Paul Mescal e Jessie Buckley entregam performances intensas e contidas, construindo um retrato sensível de um casal tentando sobreviver à ausência.

A narrativa não se preocupa em seguir uma linha cronológica rígida. Em vez disso, trabalha com memórias, sensações e pequenos gestos, mostrando como o luto se infiltra no cotidiano. Filmado no País de Gales, com fotografia de Łukasz Żal, Hamnet transforma paisagens naturais em extensões do estado emocional dos personagens.

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